homyrouz.ru — Банкетный зал Хоми Роуз

AfghanistanÅland IslandsAlbaniaAlgeriaAmerican SamoaAndorraAngolaAnguillaAntarcticaAntigua & BarbudaArgentinaArmeniaArubaAustraliaAustriaAzerbaijanBahamasBahrainBangladeshBarbadosBelarusBelgiumBelizeBeninBermudaBhutanBoliviaBosnia & HerzegovinaBotswanaBouvet IslandBrazilBritish Indian Ocean TerritoryBruneiBulgariaBurkina FasoBurundiCambodiaCameroonCanadaCape VerdeCayman IslandsCentral African RepublicChadChileChinaChristmas IslandCocos (Keeling) IslandsColombiaComorosCongo — BrazzavilleCongo — KinshasaCook IslandsCosta RicaCôte d’IvoireCroatiaCubaCyprusCzech RepublicDenmarkDjiboutiDominicaDominican RepublicEcuadorEgyptEl SalvadorEquatorial GuineaEritreaEstoniaEthiopiaFalkland IslandsFaroe IslandsFijiFinlandFranceFrench GuianaFrench PolynesiaFrench Southern TerritoriesGabonGambiaGeorgiaGermanyGhanaGibraltarGreeceGreenlandGrenadaGuadeloupeGuamGuatemalaGuernseyGuineaGuinea-BissauGuyanaHaitiHeard Island and McDonald IslandsHondurasHong Kong SAR ChinaHungaryIcelandIndiaIndonesiaIranIraqIrelandIsle of ManIsraelItalyJamaicaJapanJerseyJordanKazakhstanKenyaKiribatiNorth KoreaSouth KoreaKuwaitKyrgyzstanLaosLatviaLebanonLesothoLiberiaLibyaLiechtensteinLithuaniaLuxembourgMacau SAR ChinaMacedoniaMadagascarMalawiMalaysiaMaldivesMaliMaltaMarshall IslandsMartiniqueMauritaniaMauritiusMayotteMexicoMicronesiaMoldovaMonacoMongoliaMontenegroMontserratMoroccoMozambiqueMyanmar (Burma)NamibiaNauruNepalNetherlandsNetherlands AntillesNew CaledoniaNew ZealandNicaraguaNigerNigeriaNiueNorfolk IslandNorthern Mariana IslandsNorwayOmanPakistanPalauPalestinian TerritoriesPanamaPapua New GuineaParaguayPeruPhilippinesPitcairn IslandsPolandPortugalPuerto RicoQatarRéunionRomaniaRussiaRwandaSt. BarthélemySt. HelenaSt. Kitts & NevisSt. LuciaSt. MartinSt. Pierre & MiquelonSt. Vincent & GrenadinesSamoaSan MarinoSão Tomé & PríncipeSaudi ArabiaSenegalSerbiaSeychellesSierra LeoneSingaporeSlovakiaSloveniaSolomon IslandsSomaliaSouth AfricaSouth Georgia & South Sandwich IslandsSpainSri LankaSudanSurinameSvalbard & Jan MayenSwazilandSwedenSwitzerlandSyriaTaiwanTajikistanTanzaniaThailandTimor-LesteTogoTokelauTongaTrinidad & TobagoTunisiaTurkeyTurkmenistanTurks & Caicos IslandsTuvaluUgandaUkraineUnited Arab EmiratesUnited KingdomU.S. Outlying IslandsUnited StatesUruguayUzbekistanVanuatuVatican CityVenezuelaVietnamBritish Virgin IslandsU.S. Virgin IslandsWallis & FutunaWestern SaharaYemenZambiaZimbabweВыбрать языкEnglishDeutschFrançaisItalianoEspañolРусскийPortuguês

Art’e Style — design e color

Необходимость изменить название, которое уже с прошлого года находится на всех банках, следует эволюционному процессу миссии нашей компании: сопоставить современный характер декоративных материалов с молодым и современным брендом, понятным на международном уровне.

Ещё около 20 лет назад декоративный рынок был в основном сосредоточен на штукатурках с «мраморным эффектом», таких как знаменитая венецианская штукатурка, представленная нашей Elite, которая являлася ориентиром среди отделочных материалов. На протяжении многих лет к штукатурке добавлялись различные декоративные эффекты: от перламутровых как Chic и Trèsor, до рустикальных стилей, таких как Sinuè и Velature, до последних тенденций рынка, которые предпочитают материалы с натуральными и матовыми нюансами, такими как Мома и Vertigo.

Эта эволюция требовала обновления бренда, который представляет нашу декоративную линию во всём мире и который сегодня включает 11 продуктов. Название Antica Signoria казалось нам особенно связанным с эффектами 90-х годов, когда вкус декоративных элементов был явно классическим и хорошо сочетался с архитектурным сопоставлением самого престижнего здания древней Флоренции, Palazzo della Signoria. Продукты, которые появились дальше, и которые помогли расширять ассортимент на протяжении этих лет, требовали логотипа, который их представил бы в современном стиле и который выразил бы современный характер материалов и актуальность хроматических эффектов..

Заменив название Antica Signoria на Art’e Style, нам удалось сохранить суффикс AS, известный и широко распространенный в разных странах, где мы присутствуем, но в то же время он позволил нам придерживаться стиля и вкуса продуктов, которые в настоящее время нас представляют на международном рынке.

Также фраза «DESIGN & COLOR», которая сопровождает его, дополнительно подчеркивает это изменение стиля и передаёт желание использовать цвет для того, чтобы наилучшим образом представить текстурные эффекты. Это изменение представляет собой естественный рост постоянно улучшающейся компании.

Мы рады продолжать расти вместе с вами. Концерн «Ди Донато»

Новая коллекция Boucheron Histoire de style, Art Déco от ювелирного Дома Boucheron

fashion&beauty

Новая коллекция Boucheron Histoire de style, Art Déco от ювелирного Дома Boucheron

Histoire de style — коллекция высокого ювелирного искусства, на создание которой Клэр Шуан вдохновили архивы Дома Boucheron. Это новое прочтение фирменного стиля Дома, неподвластного времени.

В этом году креативный директор Клэр Шуан погрузилась в изучение той части богатых архивов Дома Boucheron, которая хранит изделия арт-деко, позаимствовав оттуда настроение, линии и идеальную простоту, присущую тому времени, когда парижанки подчеркивали свою женственность, нося маскулинную одежду, глубокие декольте, брюки с высокой талией, длинные колье и короткие волосы. Это было эксцентричное время, когда стиль был призван выражать позицию.

⁣⁣⁣⁣

Это идеально перекликается с современным стилем женщин и мужчин, и Клэр Шуан решила усилить дух моды и противоречия бурных двадцатых, поместив в центр внимания женственное и мужественное, великолепие чистых линий, контраст белого и черного, подчеркнутый вкраплениями цвета.

Ювелирное мастерство Boucheron при создании длинных колье и браслетов-лент в стиле арт-деко позволило произвести на свет ультрасовременные украшения-трансформеры, которые можно носить различными способами.

⁣⁣⁣⁣

Histoire de style, Art Déco — это больше чем коллекция высокого ювелирного искусства для мужчин и женщин: это декларация свободы и стиля. 

⁣⁣⁣⁣

⁣⁣⁣⁣

Представлена новая коллекция A History of Style, Art Deco от Дома Boucheron

В последней коллекции Высокого ювелирного искусства креативный директор Дома Boucheron Клэр Шуан изучила архивы эпохи ар-деко и создала украшения не только для женщин, но и для мужчин. Коллекцию A History of Style, Art Deco Дом Boucheron представил на Неделе высокой моды в Париже. Украшения вобрали дух послевоенного периода, когда зародилось модернистское дизайнерское движение ар-деко.

Креативный директор Дома Клэр Шуан исследовала двойственность пола ревущих двадцатых. В то время женщины утверждали женственность, нося мужскую одежду, глубокие декольте и короткие волосы. Коллекция Высокого ювелирного искусства A History of Style, Art Deco стала результатом исследований Шуан богатых архивов Дома.

A History of Style, Art Deco состоит из 20 предметов. Украшения коллекции трансформируются, превращаясь из браслетов в ремни, из подвесок в броши и заколки для волос.

«Эти украшения дают мужчинам и женщинам свободу носить их так, как они хотят. Столетие назад для мужчин было естественно носить большие украшения», − отмечает Шуан. Креативный директор использовала простоту черного и белого с яркими акцентами изумрудов, что сделало украшения удобными для ношения и женщинам, и мужчинам.

Купить оригинальные украшения Boucheron по привлекательной цене поможет салон «Emporium Gold». Подлинность изделий Boucheron и характеристики драгоценных камней подтверждены сертификатом.

Прошлой осенью Клэр Шуан отразила волшебство мгновений в коллекции Boucheron Contemplation, используя авангардные материалы. Технические достижения осенней коллекции напоминали о новаторском духе Фредерика Бушерона – основателя компании Boucheron. Оригинальные дизайны Фредерика Бушерона продолжили определять эстетику Дома и в коллекции 2021 года.

В A History of Style, Art Deco Шуан органично ссылается на фирменные мотивы Дома, дополняя их современным стилем и новаторскими идеями. Например, Фредерик Бушерон применил горный хрусталь в Высоком ювелирном искусстве для придания легкости крупным изделиям. Шуан использовала этот минерал в эффектном кольце Chevaliare Emeraud с изумрудом Muzo весом 4,43 карата. Кольцо вырезано из горного хрусталя восьмигранным узором и напоминает Вандомскую площадь. А линии кольца создают иллюзию бриллиантов багетной огранки.

Ожерелье Plastron Emerald вдохновлено драгоценным комплектом с изумрудами и бриллиантами, который Дом Boucheron в 1928 году создал для Махараджа Патиала. В Plastron Emerald три толстые нити состоят из 220 изумрудных бусин весом 1071,97 карат. Это ожерелье трансформируется в два браслета и колье.

Кольцо Noeud Diamants с бриллиантом в центре, окруженным черной лаковой рамкой, превращается в лаковых бант. Это украшение Шуан предлагает носить мужчинам как коктейльное кольцо, брошь, галстук-бабочку, а женщинам − как заколку для волос.

Другое колье Col Emeraudes из белого золота и платины украшают 28 изумрудов, расположенных горизонтально в черных лаковых рамках. Яркие изумрудные акценты подчеркивают бриллианты и горный хрусталь.

Гибкое колье Chevron Emeraude повторяет узор Boucheron 1920х годов и мягко спускается по шеи. Центральный камень колье – замбийский изумруд весом 61,36 карат. Это колье предполагает еще три варианта ношения: как ремень мужчинам, браслеты или повязку на голову.

Дизайн ар-деко появился после Первой мировой войны, когда люди хотели снова радоваться жизни. Шуан надеется, что после пандемии у людей будет то же желание. И, как и в прошлом, украшения будут одним из лучших способов сиять и праздновать.

Если вы хотите продать ювелирные украшения обращайтесь в салон «Emporium Gold». В 90% случаев мы предлагаем самую высокую цену в Москве. Для предварительной оценки оставьте онлайн-заявку на нашем сайте или пишите в наш WhatsApp, Viber, Telegram (+7-985-727-75-55).

Портрет своими руками с доставкой по всему миру

Соблюдение Вашей конфиденциальности важно для нас. По этой причине, мы разработали Политику Конфиденциальности, которая описывает, как мы используем и храним Вашу информацию. Пожалуйста, ознакомьтесь с нашими правилами соблюдения конфиденциальности и сообщите нам, если у вас возникнут какие-либо вопросы.

Сбор и использование персональной информации

Под персональной информацией понимаются данные, которые могут быть использованы для идентификации определенного лица либо связи с ним.

От вас может быть запрошено предоставление вашей персональной информации в любой момент, когда вы связываетесь с нами.

Ниже приведены некоторые примеры типов персональной информации, которую мы можем собирать, и как мы можем использовать такую информацию.

Какую персональную информацию мы собираем:

• Когда вы оставляете заявку на сайте, мы можем собирать различную информацию, включая ваши имя, номер телефона, адрес электронной почты и т.д.

Как мы используем вашу персональную информацию:

• Собираемая нами персональная информация позволяет нам связываться с вами и сообщать об уникальных предложениях, акциях и других мероприятиях и ближайших событиях.
• Время от времени, мы можем использовать вашу персональную информацию для отправки важных уведомлений и сообщений.
• Мы также можем использовать персональную информацию для внутренних целей, таких как проведения аудита, анализа данных и различных исследований в целях улучшения услуг предоставляемых нами и предоставления Вам рекомендаций относительно наших услуг.
• Если вы принимаете участие в розыгрыше призов, конкурсе или сходном стимулирующем мероприятии, мы можем использовать предоставляемую вами информацию для управления такими программами.

Раскрытие информации третьим лицам

Мы не раскрываем полученную от Вас информацию третьим лицам.

Исключения:

• В случае если необходимо — в соответствии с законом, судебным порядком, в судебном разбирательстве, и/или на основании публичных запросов или запросов от государственных органов на территории РФ — раскрыть вашу персональную информацию. Мы также можем раскрывать информацию о вас если мы определим, что такое раскрытие необходимо или уместно в целях безопасности, поддержания правопорядка, или иных общественно важных случаях.
• В случае реорганизации, слияния или продажи мы можем передать собираемую нами персональную информацию соответствующему третьему лицу – правопреемнику.

Защита персональной информации

Мы предпринимаем меры предосторожности — включая административные, технические и физические — для защиты вашей персональной информации от утраты, кражи, и недобросовестного использования, а также от несанкционированного доступа, раскрытия, изменения и уничтожения.

Соблюдение вашей конфиденциальности на уровне компании

Для того чтобы убедиться, что ваша персональная информация находится в безопасности, мы доводим нормы соблюдения конфиденциальности и безопасности до наших сотрудников, и строго следим за исполнением мер соблюдения конфиденциальности.

Искусство инсталляции: 10 лучших художников

Тори Кэмпбелл

Инсталляция

Часто сайт — специфический и иногда встречающийся в общественных местах, границы того, что составляет искусство инсталляции, были размыты с самого его зарождения как художественного жанра. Хотя искусство инсталляции широко варьируется, его лучше всего рассматривать как обобщающий термин для трехмерных работ, направленных на изменение восприятия пространства зрителями.Иногда временные, а иногда и постоянные произведения искусства-инсталляции были созданы в разных местах, от художественных галерей и музеев до общественных площадей и частных домов, и часто окутывают зрителя всеобъемлющей средой или пространством самого произведения. Искусство инсталляции развивалось в основном во второй половине двадцатого века (хотя были явные предшественники) по мере развития и минимализма, и концептуального искусства, кульминацией которых стали инсталляции, в которых идея и опыт были более важны, чем сама законченная работа.Посмотрите на художников ниже, все из которых внесли уникальный вклад в диалог об инсталляционном искусстве и о том, как его следует определять.

Наиболее известен коллажами, сделанными из обрывков бумаги, дерева, рекламы и всего остального, что он мог достать; Дадаист 20-го века Курт Швиттерс (1887-1948) в конечном итоге превратил свою художественную студию в коллажную арт-инсталляцию. Его инсталляция-студия под названием Merzbau стала результатом художественного процесса, который Швиттерс объяснил как философией, так и образом жизни под брендом « merz ». Merz было бессмысленным словом, которым художник описывал себя, свою жизнь и свои работы, а это означало, что его Merzbau , по сути, было его зданием merz . С годами его студия превратилась в постоянно меняющийся и постоянно растущий коллаж, состоящий из колонн и сталагмитов найденных объектов. Швиттерс со временем вырастил свой Merzbau , в конечном итоге поглотив восемь комнат в своем доме в Ганновере примерно с 1923 по 1937 год, когда он был вынужден бежать в Норвегию, чтобы сбежать из нацистской Германии.К 1943 году, когда он все еще находился в изгнании, Merzbau был разрушен бомбардировкой союзников, что фактически сделало живые произведения Швиттерса привязанными к конкретному времени.

Мгновенно узнаваемая и чрезвычайно знаковая серия Infinity Rooms Яёи Кусамы (1929-) захватила воображение ее аудитории с 1965 года своим прорывом Infinity Mirror. Комната — Поле Фалли .Используя зеркала в качестве стен, Кусама смогла превратить повторение своих более ранних работ в художественную инсталляцию, кажущуюся бесконечной комнату, устланную фаллическими структурами из ткани в горошек. С 1965 года она создала более двадцати уникальных Infinity Mirror Rooms — от коробок, напоминающих пип-шоу, на которые зрители смотрят снаружи вовнутрь, до более крупных мультимедийных инсталляций, наполненных внутренними зеркалами в горошек. Вероятно, фаворитом поклонников среди влиятельных лиц в социальных сетях являются светлые инсталляции Кусамы, такие как Infinity Mirrored Room — Aftermath of Obliteration of Eternity , в котором есть сотни подвесных фонарей и вымощены водой.Используя магию зеркал, работы Кусамы способны обманывать чувства и создавать поэтические художественные инсталляции, отвечающие нашим самым человеческим реакциям, создавая среду для экзистенциального созерцания.

Ровно на один год, с 27 сентября 1968 года по 27 сентября 1969 года Бельгийский поэт, ставший сюрреалистом Художник Марсель Бродтаерс (1924–1976) руководил музеем Musée d’Art Moderne, Département des Aigles (в переводе: Музей современного искусства, Департамент Орлов).Этот музей, или, скорее, художественная инсталляция, находилась в его собственном доме в Брюсселе и состояла из нескольких различных элементов; среди них были открытки, лестница и множество пустых ящиков. Ироничное заявление об аутентичности и роли искусства и музеев в обществе. Его Musée d’Art Moderne, Département des Aigles закончился поездкой в ​​другие места в виде различных отделов. Таким образом, сила студенческих протестов (во время которых была задумана инсталляция) по всей Европе.

Разделение Автором Гордона Матта-Кларка из GM Clark на Vimeo.

С глубоким пониманием важности архитектуры как отражения доминирующих социальных структур, инсталляция американского художника Гордона Матта-Кларка 1974 года Splitting стала актом городского протеста. С марта по июнь 1974 года Матта-Кларк использовал бензопилу, чтобы разрезать пополам дом в Нью-Джерси, приобретенный его дилером Холли Соломон и подлежащий сносу из-за спекуляции землей. После внезапного выселения предыдущих владельцев, Мэтта-Кларк был поражен поспешностью, с которой они оставили свои вещи, вдохновив его на создание хронографа «Разделение изнутри дома наружу через пленку».Этот фильм показывает фрагментацию домашнего пространства, свет и воздух проникают в комнаты через массивные архитектурные прорехи в здании, вызывая как его собственный, так и всеобщий распад семьи. Фильм и его последующие книги, фотографии и зарисовки предоставляют документацию о событии, а также актерское мастерство и часть самой работы, в то время как элементы его практики «анархитектуры», включая крупномасштабные фрагменты зданий и другие обломки, иногда выставлялись как инсталляции в галереях и институциональных пространствах.

Памятник женской истории, художнице и писательнице-феминистке Джуди Чикаго (1939-) Арт-инсталляция Dinner Party состоит из огромного треугольного банкетного стола на тридцать девять мест. На каждой стороне треугольника есть 13 настроек, представляющих числа, присутствующие в традиционном шабаше ведьм.Каждая глубоко персонализированная и характерная обстановка посвящена исторической или мифической женской фигуре: включая художников, богинь, ученых и активистов, а также содержит замысловатую вышивку бегуна, чашу, посуду и расписанные фарфором фарфоровые тарелки. Тарелки имеют яркую природу, с формами в виде бабочек, олицетворяющими женственность почетных гостей The Dinner Party , а бегунки вышиты в декорациях в стиле и технике того времени в истории этой женщины.Пол, на котором стоит стол, посвящен еще 999 женщинам, чьи имена высечены золотом на белой плитке. Первоначально передвижная выставка, произведение было создано с помощью более 400 добровольцев (в основном женщин), которые внесли свой вклад в рукоделие и скульптуру, и теперь его можно найти в постоянной коллекции Центра феминистского искусства Бруклинского музея.

С 1994 года художник из Лос-Анджелеса Джейсон Роудс (1965-2006) стал художник-инсталлятор.Его первая инсталляционная работа Swedish Erotica и Fiero Parts (1994) состояла из обыденных предметов, таких как картон, дерево и пенополистирол, выкрашенных в желтый цвет и собранных с учетом географического и культурного ландшафта Лос-Анджелеса. Его вторая работа и, возможно, одна из самых известных, My Brother / Brancuzi , была создана для Биеннале Уитни 1995 года. Совместив спальню своего брата со студией известного художника-модерниста Константина Бранкузи, он смог отдать дань уважения наследию реди-мейдов Дюшана с помощью обыденных пригородных материалов.На протяжении своей карьеры Роудс создал еще множество арт-инсталляций, вплоть до своей безвременной смерти, раздвигая границы социальных условностей и нарушая невысказанные правила общественной приличия.

Известная своими монументальными монохромными силуэтами размером с комнату, американская художница Кара Уокер (1969-) инсталлирует такие темы, как гендер. , сексуальность, раса и насилие в ее работе. Ее инсталляции часто сопровождаются длинными грандиозными названиями, в том числе Gone: Исторический роман о гражданской войне, произошедшей между темными бедрами одной молодой негритянки и ее сердцем (1994) и The End of Uncle Tom и Великое аллегорическое изображение Евы на небесах (1995) и вызывают воспоминания о знаменательных событиях в исторических картинах.Ее инсталляции можно рассматривать как исторические аллегории, отображающие физические и сексуальные ужасы рабства и расовых преследований, буквально поглощающие аудиторию в повествовании, поскольку они разыгрываются на стенах комнаты, в которой они стоят. Использование Уокер силуэта дает достаточно информации о ее историях, но при этом остается достаточно расплывчатой ​​для интерпретации, редуктивная форма, напоминающая стереотипы о чернокожих американцах, которые она стремится раскрыть.

«Мы утратили способность оплакивать… Я хочу, чтобы моя работа играла роль похоронной речи, прославляющей эту жизнь.»

Дорис Сальседо, январь 2015 г.

Используя фасад Дворца правосудия в Боготе в качестве холста, колумбийская художница-инсталлятор Дорис Сальседо создала огромную работу Noviembre 6 y 7 (2002), ознаменовавшая 17-ю годовщину со дня основания. Осада дворца партизанами M-19 и последующая контратака правительства в 1985 году. Сосредоточенная на признании и запоминании насильственных смертей, работа Сальседо выдвинула на первый план эту тему в своей работе, посвященной жертвам гражданской войны в Колумбии, а также жертвам огнестрельного оружия в Чикаго.Ее поэтические произведения часто монументальны по размеру, что заставляет ее аудиторию — часто состоящую из ничего не подозревающих прохожих — вспоминать эти насильственные действия и участвовать в акте траура.

«Уничтожить сложно. Это так же сложно, как творчество ».

Антонио Грамши (итало-марксистский теоретик и вдохновитель книги Хиршхорна «Промежуточный»)

Создание политических заявлений из обыденных, повседневных материалов, инсталляции швейцарского художника Томаса Хиршхорна и публичные произведения легендарны благодаря тому количеству внимания, которое они получают.Скульптурные конструкции Хиршхорна, сделанные из товаров массового потребления, отсылают к работе радикальных теоретиков, таких как Жиль Делёз и Жорж Батай, верования в капитализм и потребление. Его работы, такие как Gramsci Monument , крупная общественная инсталляция, проводимая в Лесных домах Управления жилищного строительства Нью-Йорка в Бронксе, создают альтернативные антиутопические реальности для его потребителей; держать зеркало перед повседневной жизнью, чтобы размышлять и реагировать. Его последняя работа, In-Between (2015) основана на его исследованиях поврежденных бомбами мест по всему миру; и является выражением глубоко укоренившегося человеческого восхищения разрушением и насилием, которое проявляется во многих формах: катастрофы, структурные разрушения, коррупция, гибель или война.

Урс Фишер You (2007) принес преобразование через разрушение в ранее стандартное пространство галереи Нью-Йорка. Фишер вырвал бетонный пол галереи и заполнил пустоту ямой с грязью, создав воронку размером 30 на 38 футов, глубиной восемь футов в бывшей нетронутой галерее с белыми стенами. Создание этого чуждого, но в то же время чрезвычайно естественного пейзажа дало в этом контексте совершенно неожиданную среду; немедленное ощущение опасности в сочетании с осознанием того, что там, где когда-то был пол, теперь пустота.Стоя на краю работы, зритель восседает над ней и может увидеть вид, который одновременно фетишизирует и отвергает традиционное пространство галереи через его снос.

Соответствующие источники, чтобы узнать больше

Прочтите, как сценограф Питер Биссеггер пытался воссоздать Merzbau
Получите больше удовольствия от нашей серии «10 лучших», прочитав на прошлой неделе статью о Brushstroke

7 шагов к развитию вашего художественного стиля

Чтобы создать профессиональный имидж художника, вы должны уметь отличать себя и свое искусство от множества других талантливых художников.Для этого сначала необходимо выработать свой художественный стиль.

Большинство художников пришли к выводу, что разработать собственный художественный стиль проще, чем кажется. Это означает, что ваша работа не похожа на работу вашего инструктора, но она также является связной, когда демонстрируется вместе.

© Trudy Rice, Пчела, любящая летний сад . Бумага, монотипия и солнечные пластины, 60 х 80 см. Узнаваемый стиль Труди сочетает в себе флору и фауну Австралии.

Что такое художественный стиль?

Стиль — это слово, которое мы используем свободно и не задумываясь.Но что это значит?

В своей книге Living With Art Рита Гилберт пишет, что «стиль — это характеристика или группа характеристик, которые мы можем идентифицировать как постоянные, повторяющиеся или последовательные». Далее она говорит: «Художественный стиль — это сумма постоянных, повторяющихся или последовательных черт, отождествляемых с определенным человеком или группой».

Стиль художника ни хорош, ни плох. Это просто ЕСТЬ. Исполнение может быть подвергнуто критике, цвета могут быть восприняты как некрасивые, а композиция — как слабая, но стиль остается таким, какой он есть.

Ваш стиль — это сочетание выбранных вами средств, техники и тематики. Дело не только в том, что вы делаете современные одеяла или рисуете пейзажи. Это сами по себе медиумы и жанры. Нет, стиль — это та дополнительная мелочь, которую вы делаете, чтобы отличить свою работу от работ других художников.

© Lisa Call, Round and Round . Для текстильных полотен Лизы характерны сильно прошитые и сверхплоские поверхности.

Каждый из двух мастеров лоскутного шитья может создавать абстрактные красочные композиции, используя один и тот же традиционный блок.Однако если оба являются зрелыми художниками, мы, вероятно, сможем отличить работы одного художника от другого. Например, художник по волокну может использовать одно или несколько из следующих при создании лоскутного одеяла.

• Ткани, окрашенные вручную из органических красителей
• Свободные нити свисают на поверхности (а не скрывают их)
• Особая ткань, которая становится своего рода визитной карточкой
• Текст, написанный чернилами поверх лоскутного одеяла

Другими словами, она становится известной по произведениям, которые содержат определенную характеристику.Для художника это могут быть свободные мазки, импасто или повторяющееся изображение. Кехинде Вили, нарисовавший официальный портрет президента Обамы, известен своим очень декоративным фоном вокруг своих предметов. Сара Сзе объединяет сотни и тысячи найденных объектов для создания детальных мультимедийных ландшафтных инсталляций.

Чем вы известны?

© Линда Хьюг, Создание планов на субботу. Холст, масло, 12 х 12 дюймов. Картины торговой марки Линды основаны на местной архитектуре сцены, к которой она добавляет прохожих, чтобы запечатлеть момент времени.

Несколько художественных стилей

Вы можете работать в любом количестве стилей, но отдельные работы могут означать разные аудитории. Это также может означать, что если у вас есть два совершенно разных направления работы, вы сделаете в два раза больше работы, чем маркетинг. Три разных стиля могут означать втрое больше маркетинговых усилий.

3 разных стиля искусства = [возможно] 3 разные аудитории = в 3 раза больше маркетинговых усилий

[ Руководство для успешного художника по написанию заявления художника ]

Некоторые художники предпочитают иметь очень узкий стиль и, кажется, создают почти одни и те же произведения искусства снова и снова, но с различиями в цвете или масштабе.Адольф Готтлиб, например, снова и снова рисовал свои фирменные «Взрывы». Некоторые были лучше других, но все они имели одни и те же основные элементы.

Его близкий друг, Марк Ротко, прославился большими полосами тонкого пигмента, плавающими на поверхности холста. Цвета разные, но мы узнаем Ротко, когда видим его.

Style v. Subject Matter v. Medium

Стиль не следует путать с предметом или средой.

Необязательно придерживаться одного образа, как это делали Готлиб и Ротко в зрелом возрасте.Вам даже не нужно оставаться верным одной среде.

© 2019 Лаура Петрович-Чейни, Т . Дерево, 12 х 36 дюймов. Фото: Алан Райдаут, Лексингтон, Кентукки. Благодаря тому, что Лаура использовала найденную древесину с неповрежденным исходным цветом, ее деревянные стеганые одеяла легко идентифицировать как ее работу.

Развитие узнаваемого художественного стиля не означает, что вы должны создавать одну и ту же работу снова и снова. Это просто означает, что вы создали работу, которую другие идентифицируют с вами.

Нет лучшего комплимента, чем воскликнуть: Эй! Это похоже на картину Линды Хьюг! через комнату.(Если, конечно, вас не зовут Линда Хьюг.)

Ваш стиль рождается не в начале вашей студийной практики. Вы не найдете этого, желая или думая об этом. Вы можете развить свой художественный стиль только упорным трудом в студии и преданностью своему делу.

Вы должны делать много искусства. Много. А потом сделайте еще.

Я могу сказать, что художник не готов к арт-бизнесу, когда его работы выглядят как мешанина стилей, возможно, напоминающая искусство их преподавателя.

Если вы пытаетесь понять, кто вы как художник и в чем заключается ваша работа, рассмотрите эти 7 шагов к развитию вашего художественного стиля.

1. Будьте преданы своей студийной практике.

© Брук Харкер, Hollywood In Stride . Холст, тушь, масло и акрил, 60 х 40 дюймов. Как и Линда Хьюг, Брук запечатлевает момент времени в своих картинах. Очертания черными чернилами, которые она использует для структурирования холстов, позволяют легко идентифицировать ее работу.

Я уже сказал это, но это должно быть в верхней части списка.

Это самое важное, что вы можете сделать, чтобы стать профессиональным художником. Если вы не можете посвятить время студии, не подлежащей обсуждению, вы не уйдете далеко. Вам нужно заниматься искусством. Вам нужно делать больше искусства!

Без искусства ты не художник.

Без искусства у вас нет арт-бизнеса.

Большинству художников, у которых есть другая работа, чтобы оплачивать счета, будет трудно справиться с этим, но обязательство имеет решающее значение. Каждый отказывается от чего-то, чтобы осуществить свою мечту.

Если сложно выполнить свое обязательство, выделите время в своем календаре (чернилами!) На неделю. Относитесь к этому как к любому другому назначению и уважайте данное себе обещание. Скажите нет тем, кто просит вашего внимания в это время.

Это первый шаг к профессионализму.

2. Ничья. Каракули. Писать.

Куда бы вы ни пошли, что бы вы ни делали, войдите в привычку. Набросайте сцену, запишите свои отзывы другим художникам. Цель состоит в том, чтобы держать карандаш на бумаге и запечатлеть свой блеск до того, как он исчезнет.

Многие художники узнают о своем искусстве, ведя блог. Я снова и снова слышу от художников, что самая важная причина вести блог — это самопознание.

Если вы не представляете себе, как вести блог, по крайней мере, научитесь четко формулировать свои мысли о работе. Я могу помочь вам найти слова в моем курсе Magnetic You.

3. Посмотрите искусство.

Посмотрите на множество произведений искусства! Некоторые люди боятся копировать других художников. Не будет. Как вы думаете, как учились старые мастера?

Если вы достаточно много смотрите и копируете, вы справитесь с влияниями и найдете свой собственный голос.

© 2020 Хизер Робинсон, От моря до неба . Акрил и ткань на панели, 12 х 12 дюймов. Картины Хизер скреплены повторяющимся рисунком ткани или обоев, на который она отвечает множеством толстых слоев узоров и текстур.

Но здесь есть нюанс. НИКОГДА не пытайтесь продавать произведения искусства, скопированные с работы другого художника или слишком полагающиеся на работу вашего преподавателя. Это неуместно. Вы учитесь. Как только вы найдете свой стиль, вы можете подумать о том, чтобы превратить свое искусство в бизнес.

Если вы пропустили уроки истории искусств, подумайте о том, чтобы записаться на несколько в общественный колледж или высшее учебное заведение. Вы также можете посмотреть фильмы об искусстве и истории искусства в местной библиотеке или на Netflix.

Ознакомьтесь с моим обновленным списком художественных документальных фильмов.

4. Позвольте себе поэкспериментировать в студии.

Займите уроки, чтобы приобрести навыки работы с новыми средствами и методами или учиться у нового учителя.

Не нужно создавать искусство, чтобы продавать.Вы можете и должны заставить искусство расти как художник.

Попробуйте новый материал, практикуйте новый стиль, скопируйте любимую историческую работу, увеличьте или уменьшите размер или используйте цвет за пределами вашего обычного диапазона палитры. Вы делаете искусство только для себя. Больше никто не должен это видеть.

5. Отойдите от искусства.

Трудно оценить прогресс, когда вы находитесь в процессе производства.

Знайте, когда пора сделать шаг назад, уйти и вернуться свежим взглядом.

© 2016 Кэти Рид, Карты Лондона . Акварель и акрил, 56 х 76 см. Акварель Кэти, еще одного городского художника, легко заметить по белым областям, которые были замаскированы, и поверхностному натяжению, создаваемому липкой пленкой и рисованием мокрым по мокрому.

6. Оцените работу до этого момента.

После того, как вы сделали перерыв, критически оцените свою работу, чтобы определить свои сильные и слабые стороны.

Что тебе нравится? Не как?
Что можно настроить? Добавлять? Вычесть?
Передает ли сообщение, которое вы хотите донести?

Спросите у разных людей (друзей, родственников, незнакомцев, других художников, нехудожников и т. Д.)) те же вопросы. Это диалоговое упражнение — это процесс, который я проведу с вами в Magnetic You.

7. Повторить.

Развитие своего художественного стиля и создание хороших произведений искусства — это результат полной отдачи своему ремеслу.

Продолжайте делать все вышеперечисленное. Опять таки. Опять таки.

Этот пост был первоначально опубликован 23 марта 2010 г. и был обновлен с сохранением исходных комментариев.

Разница между художественными стилями, школами и движениями

Вы будете бесконечно сталкиваться с терминами «стиль», «школа» и «движение» в искусстве.Но в чем разница между ними? Часто кажется, что каждый писатель или историк имеет свое определение или что эти термины могут использоваться взаимозаменяемо, хотя на самом деле есть тонкие различия в их использовании.

Стиль

Стиль — это довольно обширный термин, который может относиться к нескольким аспектам искусства. Стиль может означать методы, использованные для создания произведения искусства. Пуантилизм, например, — это метод создания картины с использованием маленьких цветных точек и позволяющий смешивать цвета в глазах зрителя.Стиль может относиться к основной философии, лежащей в основе произведения искусства, например, к философии «искусство для людей», стоящей за движением искусств и ремесел. Стиль также может относиться к форме выражения, используемой художником, или к характерному внешнему виду произведений искусства. Метафизическая живопись, например, имеет тенденцию быть классической архитектурой в искаженной перспективе, с несоответствующими объектами, размещенными вокруг пространства изображения, и отсутствием людей.

Школа

Школа — это группа художников, которые следуют одному стилю, имеют общих учителей или преследуют одни и те же цели.Обычно они связаны с одним местом. Например:

В шестнадцатом веке венецианская школа живописи могла отличаться от других школ в Европе (например, флорентийской школы). Венецианская живопись развилась из школы Падуи (с такими художниками, как Мантенья) и внедрения техник масляной живописи из школы Нидерландов (Ван Эйкс). Работы венецианских художников, таких как семья Беллини, Джорджоне и Тициан, характеризуются живописным подходом (форма определяется вариациями цвета, а не использованием линий) и богатством используемых цветов.Для сравнения, флорентийская школа (в которую входят такие художники, как Фра Анджелико, Боттичелли, Леонардо да Винчи, Микеланджело и Рафаэль) характеризовалась сильной озабоченностью линиями и рисованием.

Школы искусств от средневековья до восемнадцатого века обычно называются в честь региона или города, вокруг которого они базируются. Система учеников, с помощью которой новые художники учились ремеслу, обеспечивала продолжение стилей искусства от мастера к ученику.

Наби была сформирована небольшой группой художников-единомышленников, в том числе Полем Серюзье и Пьером Боннаром, которые вместе выставляли свои работы в период с 1891 по 1900 годы (Наби на иврите означает пророк). Очень похоже на Братство прерафаэлитов в Англии. примерно сорок лет назад группа изначально хранила свое существование в секрете. Группа регулярно собиралась, чтобы обсудить свою философию искусства, концентрируясь на нескольких ключевых областях — социальном значении их работы, необходимости синтеза в искусстве, который позволил бы «искусство для людей», значении науки (оптика, цвет, и новые пигменты), а также возможности, созданные с помощью мистики и символизма.После публикации их манифеста, написанного теоретиком Морисом Дени (манифест стал ключевым шагом в развитии движений и школ в начале 20 века) и их первой выставки в 1891 году, к группе присоединились другие художники — в первую очередь Эдуар Вюйар. . Последняя их совместная выставка была в 1899 году, после чего школа стала распускаться.

Механизм

Группа художников, разделяющих общий стиль, тему или идеологию своего искусства.В отличие от школы, этим художникам не обязательно находиться в одном месте или даже общаться друг с другом. Поп-арт, например, — это движение, которое включает в себя работы Дэвида Хокни и Ричарда Гамильтона в Великобритании, а также Роя Лихтенштейна, Энди Уорхола, Класа Ольденбурга и Джима Дайна в США.

Как я могу отличить школу от движения?

Школы, как правило, представляют собой собрания художников, объединившихся, чтобы следовать общему видению. Например, в 1848 году семь художников объединились в Братство прерафаэлитов (художественную школу).

Братство просуществовало как сплоченная группа всего несколько лет, после чего его лидеры Уильям Холман Хант, Джон Эверетт Милле и Данте Габриэль Россетти пошли разными путями. Однако наследие их идеалов повлияло на большое количество художников, таких как Форд Мэдокс Браун и Эдвард Бёрн-Джонс — этих людей часто называют прерафаэлитами (обратите внимание на отсутствие «братства»), художественным движением.

Откуда взялись названия движений и школ?

Название школ и движений может быть получено из разных источников.Двумя наиболее распространенными являются: их выбирают сами художники или искусствовед, описывающий их работы. Например:

Дада — бессмысленное слово по-немецки (но на французском означает «конь-хобби», а на румынском — «да-да»). Он был принят группой молодых художников в Цюрихе, включая Жана Арпа и Марселя Янко, в 1916 году. У каждого из участвовавших художников есть своя история о том, кто на самом деле придумал это имя, но больше всего верят, что Тристан Цара придумал это слово 6 февраля в кафе с Жаном Арпом и его семьей.Дадаизм развивался по всему миру, в таких далеких местах, как Цюрих, Нью-Йорк (Марсель Дюшан и Фрэнсис Пикабиа), Ханова (Кирт Швиттерс) и Берлин (Джон Хартфилд и Джордж Гросс).

Фовизм был придуман французским искусствоведом Луи Воксель, когда он посетил выставку в Осеннем салоне в 1905 году. Увидев относительно классическую скульптуру Альберта Марка, окруженную картинами ярких, дерзких цветов и грубым, спонтанным стилем (созданными Анри Матисс, Андре Дерен и некоторые другие) он воскликнул «Donatello parmi les fauves» («Донателло среди диких зверей»).Название Les Fauves (дикие звери) прижилось.

Вортицизм, британское направление в искусстве, подобное кубизму и футуризму, возникло в 1912 году благодаря работам Уиндема Льюиса. Льюис и американский поэт Эзра Паунд, живший в то время в Англии, создали периодическое издание: Blast: Review of the Great British Vortex — отсюда и было установлено название движения.

Руководство для художников — беспорядок после

NEW: Лень читать этот пост? У меня есть видео для этого.

Какой твой стиль?

Стиль изучается, перенимается, регулируется и развивается с течением времени.Иногда случайно, иногда специально, а часто и то, и другое.

Ваш стиль — это комбинация вашего голоса, техники, выбора цвета, композиции, предмета, медиа и многого другого. Ваш стиль — это то, что объединяет каждую вашу вещь в уникальную и сплоченную коллекцию. Самое приятное то, что он продолжает развиваться с течением времени. Даже когда вы его нашли, он начинает меняться.

Мы можем многому научиться, глядя на собственное искусство. Если вы не уверены, нашли ли вы свой стиль, задайте себе несколько вопросов:

• Есть ли элементы дизайна, которые объединяют ваши детали?
• Какие темы чаще всего встречаются в вашем творчестве?
• Какие предметы вас привлекают? Многие или несколько?
• Какое искусство вам нравится творить сейчас?
• Отличается ли ваше искусство от работ других художников?

Я всегда могу сказать, когда кто-то все еще находится в стадии исследования своего искусства.Когда художник прыгает между множеством предметов или когда их произведения выстраиваются в одну линию и кажется, будто все они принадлежат разным художникам, он еще не совсем определился со своим стилем.

В этом нет ничего плохого! На это нужно время и много работы. Итак, если вы в настоящее время ищете свой стиль, я создал рабочий лист, который поможет вам провести мозговой штурм и собраться с мыслями, когда вы читаете этот пост.

Как художники находят свой стиль?

Во-первых, ни один художник или создатель не является полностью оригинальным.Вдохновение для наших стилей исходит от окружающего нас мира и от того, чему мы хотим себя открывать. Он не возникает на пустом месте. Простая формула поиска своего стиля состоит в том, чтобы воспринимать стимулы из внешнего мира, искажать и превращать их во что-то новое своим умом и руками. Повторяйте это снова и снова разными способами.

Если вы застряли, вам нужно найти новые стимулы.

Копируйте понравившихся художников

Но их куча. Если вы копируете точно один, вы их срываете.Если вы берете частичные идеи от нескольких художников, вы можете создать что-то уникальное.

Если вы еще этого не сделали, вам нужно прочитать «Укради как художник» Остина Клеона. Он полон полезных творческих советов.

Он пишет:

Каждому художнику задают вопрос: «Откуда вы черпаете идеи?»

Честный художник отвечает: «Я их украду».

Если вас привлекает работа определенного художника, вероятно, это стимулирующая часть вашего стиля.Когда я впервые начал рисовать в подростковом возрасте, я был одержим искусством Брэндона Бойда. По сей день я должен отдать ему должное за мою одержимость линейной работой. В колледже я влюбился в Альфонса Муху и модерн. Совсем недавно, когда я занялась плавной живописью, меня, естественно, вдохновила Эмма Линдстром. Вы можете увидеть их влияние в моей работе, но вы также можете увидеть, что мой стиль не совсем похож на их.

Возьмите небольшие элементы стиля из любого источника. Чем больше тем лучше.

Копирование мира вокруг вас

Подражание природе. Изучите свет, форму, цвет и форму. Возьмите уроки рисования фигур. Настройте натюрморт в своей гостиной. Регулярная работа над своими техническими навыками познакомит вас с новыми перспективами и стилем.

Практика. Упражняться. УПРАЖНЯТЬСЯ.

Если вы занимаетесь искусством только в уме (хронические прокрастинаторы знают, о чем я говорю!), Ваш стиль не разовьется. Если вы занимаетесь искусством всего пару раз в месяц или реже, вы не увидите большого прогресса.Постарайтесь творить как можно чаще. Лучше всего каждый день, но лучше всего несколько раз в неделю.

Выйди из зоны комфорта

Развивайте свои навыки. Нарисуйте не доминирующей рукой. Изучите различные предметы. Работайте по-крупному. Работайте мелко. Изучите свободное и быстрое создание эскизов. Практикуйтесь в точном и медленном рисовании. Если вы еще не знаете, что вам нравится делать, практикуйте как можно больше навыков.

Если вы планируете или уже посещали уроки искусства в колледже, вы узнаете, что преподаватели назначают упражнения в таком количестве стилей, которое они могут уместить в семестр.Они предполагают, что вы как артист понятия не имеете, поэтому подталкивают вас во всех направлениях, чтобы помочь вам развить свой уникальный голос.

Найдите время поиграть

Отпустите ожидания и просто получайте удовольствие. Когда у вас есть четкое видение того, что вы хотите создать, вы ограничиваете свою перспективу и создаете слепое пятно. Я решил создать что-то одно, «облажался» и создал нечто совершенно иное, что мне понравилось и теперь я включил в свой стиль. Если бы я остался верен своим ожиданиям, я бы счел это неудачей.

Могут случиться удивительные вещи, когда мы станем более игривыми и просто позволим искусству происходить.

Помните, что это требует времени

Чтобы найти свой стиль, часто нужно знать, кто вы как личность, и принять его. Звучит банально, но быть художником — это не просто карьера или хобби, это стиль жизни. Чем больше вы вплетаете искусство в свою повседневную жизнь и свою индивидуальность в свое искусство, тем легче будет развивать свой стиль, но все это требует времени.

Заключение

Создание и демонстрация вашего личного стиля — прекрасное достижение.Некоторые артисты рано развиваются, а некоторым требуются годы, чтобы найти свой ритм и голос. Какой бы темп вам ни требовался, это правильный темп. Честно говоря, я все еще работаю над своим.

Не пытайтесь форсировать свой стиль, но тренируйте свои художественные мышцы, когда можете.

Надеюсь, этот пост был полезен. Если у вас есть вопросы, оставьте их ниже. А если вам нужен взгляд со стороны и помощь в поиске своего стиля, я всегда рад предложить свои услуги коучинга.

А теперь займись беспорядком!

-Келли

стр.S. Если вам нравятся мои блоги и вы черпаете вдохновение из того, что я там размещаю, пожалуйста, подумайте о том, чтобы стать покровителем Messy Ever After на Patreon. Взнос всего 1 доллар в месяц позволяет мне продолжать делать то, что я делаю. Кроме того, вы получаете дополнительные маленькие льготы, такие как обои для телефона и возможность выбирать мой мозг, когда захотите, с помощью перка «Вопросы и ответы» художника.

Ресурсов:

Рабочий лист «Откройте для себя свой художественный стиль»

Дополнительное чтение:

Как брендировать свою учетную запись в Instagram: руководство для художников

Семь дней самозанятости

Персональный стиль — Написание об искусстве

Персональный стиль

Идея личного стиля, восходящая к западной традиции к грекам, кажется, легко применима к творчеству многих художников. ³⁶ На него полагаются все искусствоведы. Бесчисленные лекции, книги и выставки определяют стиль искусства, созданного одним человеком. Однако неизбежно любое определение стиля ставит столько же вовне, сколько остается внутри его границ. Обычный способ минимизировать эту проблему — создать больше разделов, возможно, в хронологическом порядке на ранний, средний и поздний. Стиль позднего или «старшего возраста» стал цениться как особенно интересное явление, иногда даже как кульминация всей карьеры.Другие методы организации могут сгруппировать работы художника по тематике или среде.

Персональный стиль ограничен произведением одного художника, конкретного исторического человека. Работы других людей, которые выглядят похожими, можно рассматривать как часть школы или описывать как «выполненные в стиле». Некоторые историки искусства считают, что стиль можно найти в «прикосновении», то есть в ощущении зрителем руки художника, работающего с материалом. Роджер Фрай, например, утверждал, что гений Сезанна начался с того, как он наносил краски.Историк искусства конца XIX века по имени Джованни Морелли (1816–1891) счел узнаваемую индивидуальность в деталях слишком незначительными, чтобы художник мог их осознанно рассматривать, например, в форме ушей. ³⁷ Есть много способов концептуализировать отношения, и большинство историков искусства используют сочетание качеств для определения личного стиля.

Традиционный подход к решению, написал ли конкретный художник конкретную работу, в отсутствие документов, которые явно связывают их, называется знанием.После тщательного изучения и использования множества других релевантных примеров в качестве основы для сравнений историк искусства, производящий атрибуцию, приходит к решению, основанному не столько на исследованиях, сколько на интуиции. Работа «кажется» правильной, что означает, что она кажется похожей на другие работы, которые могут быть окончательно идентифицированы как работы художника. Иногда другой знаток оспаривает это суждение, «чувствуя» что-то совершенно другое и переопределяя личный стиль. История искусства полна таких изменений атрибуции.Обычно человек, который берет на себя работу по сбору всех произведений, связанных с одним конкретным человеком, решает, что включить, а что исключить. Эта коллекция, часто называемая французским названием catalog raisonné, отражает и со временем формирует общий консенсус. Поскольку атрибуция влияет на ценность произведения на рынке искусства, это может иметь большое значение. ³⁸

Атрибуция — это по большей части научная деятельность. Тем не менее, простое знание имени художника может изменить внешний вид произведения.Это важный пример видения, основанного на ожиданиях. Очень известный случай ложной атрибуции произошел с голландским художником 17 века Яном Вермеером. Ранее неизвестные картины появились в Голландии в 1930-е годы и были приписаны ему. По крайней мере, один старший научный сотрудник объявил одну работу Вермеером, что привело к тому, что другие стали ассоциироваться с той, которая была признана подлинной. После Второй мировой войны они оказались подделками неудачливого художника по имени Хан ван Меегерен.Он нарисовал новую фальшивку в зале суда во время судебного разбирательства, чтобы доказать, что на самом деле это он и сделал фотографии. Сегодня трудно представить, как кто-то когда-либо ассоциировал их с Вермеером. Изменение вкуса, которое неизбежно происходит с течением времени, сделало их неловкими и даже уродливыми. ³⁹

Понимание личного стиля также влияет на отношение историков к художнику и его современникам. В 1979 году Роберт Герберт подробно и подробно проанализировал стиль Клода Моне.Он начал свою статью:

Вера в то, что искусство Моне было искусством импровизации, настолько прочно укоренилась, что доминирует в взглядах на импрессионизм 20-го века. Нам говорят, что Моне поставил мольберт перед своим мотивом и разработал метод мгновенного отклика на природу, несмотря на дождь или зимний мороз. Он был настолько полон решимости поймать особый момент цветного света, что оставил свой холст, когда условия изменились, и обратился к другому, только позже вернувшись к первому, когда тот же самый момент снова стал доступным. ⁴⁰

Кроме того, согласно этому убеждению, интерес Моне к цветному свету превосходил все другие соображения, включая выбор объекта. Герберт намеревался доказать обратное: искусство Моне было результатом таких же расчетов и исследований, как пейзаж эпохи Возрождения или пейзаж Поля Сезанна. «Если бы можно было доказать, что искусство Моне не было спонтанным, если бы можно было доказать, что оно включает в себя длительный процесс», — писал Герберт, — тогда условное противопоставление техники Моне и Сезанна, а импрессионизма постимпрессионизму, по сути, «Все здание импрессионистской критики рухнет.” ⁴¹

Герберт проанализировал всю карьеру Моне с чрезвычайно внимательным прочтением важных картин. В этом отношении его исследование напоминает работу Роджера Фрая из творчества Сезанна, но Герберт не использовал категории формального анализа, и предмет был для него очень важен. Например, по важному вопросу о скорости, с которой работал Моне, он писал:

В середине 1870-х годов в Аржантее некоторые картины [Моне] были написаны очень быстро, большими масляными мазками, но более многочисленными являются полотна, такие как знаменитый мост в Аржантёе [Музей Орсе, Париж], который был работал многократно, с промежутками между сеансами высыхания.Их манера письма разнообразна, чтобы соответствовать образу: гладкие для неба, изменчивые для листвы, горизонтальные с перекрещивающимися кривыми и диагоналями для воды и направленные мазки для лодок и мостов. На каждом последующем сеансе Моне откровенно наносил краску мазками одного цвета, но часто ему хотелось изменить или обогатить цвет, сохранив при этом основную фактуру «спонтанности». Поэтому он добавил тонкие поверхностные краски. На полотне [ Bridge at Argenteuil ] отдельные оттенки поверхности можно легко обнаружить вдоль свернутого паруса, а в воде — среди отражений от здания взимаемой платы.Самое примечательное место — прямо перед бушпритом самого дальнего парусника. Там одному штриху дали высохнуть, а затем он был искусно закрашен (чтение слева направо) бледно-голубым, персиковым, средне-синим, оранжево-коричневым и затем снова средне-синим.

Эти сложности техники становились все более и более заметными по мере развития карьеры Моне, так что к началу 1880-х годов «картины, которые действительно были созданы очень быстро, были очень редки». ⁴² Основываясь на этих и многих других подобных анализах, Герберт создал новое понимание искусства Моне.Он также изменил взгляд историков на искусство современников Моне и стиль живописи, названный импрессионизмом.

Как найти свой художественный стиль

Если бы вас попросили составить список ваших любимых художников, скорее всего, вы смогли бы объяснить небольшие причуды или творческие решения, которые они приняли, которые повлияли на вас. Возможно, вы даже пытались воссоздать эти стили в своих изделиях.

Но является ли оттачивание стиля — чужого или собственного — достижимой целью? Или это противоречит твоему развитию как художника? Ответы зависят от того, как вы хотите работать, и чтобы во всем разобраться, вам нужно прислушаться к своим инстинктам.В этой статье рассказывается, как разные художники разработали «внешний вид».

Для получения дополнительных советов по оттачиванию своего искусства ознакомьтесь с нашим руководством по освоению различных художественных техник и нашим обзором руководств, в которых изучается, как рисовать что угодно.

Различные факторы способствуют развитию стиля. Для иллюстратора фэнтези Джамилы Кнопф все это можно проследить до первого просмотра «Сэйлор Мун».«В ту минуту, когда появилось это вступление, я была полностью очарована», — объясняет она. «Для моего пятилетнего« я »цвета, стиль, история, сцены трансформации — все было идеально. С тех пор я рисовал фан-арт« Сэйлор Мун »без остановки и пытался подражать этому стилю».

Сегодня Кнопф описывает ее работу как пробуждающую «чувство чуда и ностальгии», что звучит как подходящий способ продолжить ее формирующий опыт аниме. «Я использую цвета, которые далеки от реалистичности, поэтому они создают более похожую на сон альтернативную реальность.«

Варианты карьеры

Значит, уважение к вашему влиянию может привести к вашему стилю, но может ли ваш стиль привести к работе? По словам Кнопфа, фирменный стиль может как открыть, так и закрыть двери для потенциальных проектов». Если вы тот, кому нравится будучи хамелеоном, вся сила тебе! На самом деле это может быть здорово, когда вы работаете над различными постановками, требующими смены стилей », — говорит она.

« Но наличие стиля, который люди признают, также имеет свои преимущества. Потому что вас нанимают для того, чтобы внести свой уникальный голос в проект.Для меня фирменный стиль — это мой путь. Меня так радует, когда люди говорят мне, что видели мою иллюстрацию и узнали стиль. Когда я пытался работать как художник Magic: The Gathering, я никогда не получал подобных комментариев, потому что все, что я делал, это пытался имитировать стили других людей ».

Иллюстратору, концептуальному художнику и художнику комиксов Дэйву Рапозе лучше не переоценивать свой подход и свое положение в отрасли, когда дело касается стиля.«Вы всегда будете смотреть, что делают другие, чтобы выделиться, и в конечном итоге будете сравнивать свою работу с их работой, что может быть очень вредным для вашего развития», — говорит он.

«Когда вы счастливы, делая то, что делаете, люди определенно могут это сказать. И если ваш стиль также является вашим собственным благодаря плавильному котлу всех ваших влияний, тогда вы получите работу. Не беспокойтесь о попытках соответствовать в — всегда есть такие, как вы, во всех отраслях «.

Работа с критикой

Следование своим вдохновением может привести к конфликту как художественных, так и профессиональных интересов.Некоторые стили подвергаются критике со стороны других создателей, что в случае с Кнопфом заставило ее почувствовать разочарование и неуверенность в своих способностях. «Сколько я себя помню, все пытались выбить из меня мое аниме-влияние», — признается она. «Я продолжал пробовать разные стили, которые, как мне казалось, были от меня ожидаемыми и которые были в самом деле« артистичными », но я никогда не останавливался ни на чем».

После нескольких лет изучения различных стилей вдали от взглядов своих учителей, Кнопф решила вернуться к тому, что сейчас является ее нынешним стилем.«С тех пор я получаю гораздо больше удовольствия от своей работы».

Аниме и манга, в частности, кажутся восприимчивыми стилями. Учитывая, что мир более связан, чем когда-либо, Infante не удивлен, что это популярные стили, хотя это не означает, что создатели могут полностью полагаться на них. «Я думаю, что если кто-то подражает определенному стилю или художнику, ничего не добавляя, он не честен с самим собой», — говорит он.«Творческие вещи возникают из-за сочетания влияний».

«Манга — это художественный стиль, который подвергается критике только в узких кругах этой индустрии», — добавляет Рапоза. «Если вам нравится писать в стиле манга, и вы каждый день с нетерпением ждете возможности сесть и рисовать, тогда вы должны следовать своим инстинктам».

Найдите свой голос

Знать себя и то, что вас волнует, звучит как простой совет, но иногда даже самые уверенные артисты могли бы сделать напоминание, чтобы не сбиться с пути.«Я понял важную вещь: стиль — это не только то, как вы рисуете, но и то, что вы рисуете», — говорит Кнопф. «Часто вам достаточно открыть альбом для рисования и посмотреть, что вы делаете, когда никто не дает вам никаких инструкций — то, что вы рисуете только для себя.

« Если вы полностью заблудились, создайте карту влияния. также может быть полезным упражнением, — добавляет она. — Подумайте об артистах или IP, которые находят отклик у вас, поместите их в сетку и проанализируйте каждого из них. Что вам нравится в нем? Как вы могли бы включить этот аспект в свою собственную работу? »

Рапоза требует меньше методический подход.«Я не думаю, что вы действительно сможете обрести свой голос, не терпя неудач снова и снова и никогда не останавливаясь на комфорте», — говорит он. «Не ограничивайте себя, боясь показать слабость того, что вы делаете. Решите эту проблему и поставьте ее на первый план. Покажите людям, что нужно для достижения вашей лучшей версии себя как художника».

Эта статья была первоначально опубликована в ImagineFX , мировом бестселлере для цифровых художников. Подпишитесь здесь .

Подробнее:

Кубизм — художественный термин | Тейт

Кубизм был одним из самых влиятельных стилей двадцатого века. Принято считать, что он начался примерно в 1907 году со знаменитой картины Пикассо Девушек д’Авиньон , в которую были включены элементы стиля кубизма. Название «кубизм», похоже, произошло от комментария критика Луи Вокселя, который, увидев некоторые картины Жоржа Брака, выставленные в Париже в 1908 году, описал их как сводящие все к «геометрическим очертаниям, кубам».

Кубизм открыл почти бесконечные новые возможности для обработки визуальной реальности в искусстве и стал отправной точкой для многих более поздних абстрактных стилей, включая конструктивизм и неопластизм.

Разбивая объекты и фигуры на отдельные области — или плоскости — художники стремились показать разные точки зрения одновременно и в одном пространстве и тем самым предложить их трехмерную форму. При этом они также подчеркнули двумерную плоскость холста вместо создания иллюзии глубины.Это ознаменовало революционный разрыв с европейской традицией создания иллюзии реального пространства с фиксированной точки зрения с использованием таких устройств, как линейная перспектива, которая доминировала в представлении с эпохи Возрождения.

Что вдохновило кубизм?

На кубизм частично повлияли поздние работы художника Поля Сезанна, в которых можно увидеть, что он рисует вещи с несколько разных точек зрения. Пабло Пикассо также был вдохновлен масками африканских племен, которые сильно стилизованы или ненатуралистичны, но, тем не менее, представляют собой яркий человеческий образ.«Голова, — сказал Пикассо, — это глаза, нос, рот, которые можно расположить как угодно».

Типы кубизма: аналитический vs.синтетический

Кубизм развивался в двух различных фазах: начальный и более строгий аналитический кубизм и более поздняя фаза кубизма, известная как синтетический кубизм.

• Аналитический кубизм действовал с 1908 по 12 год. Его произведения выглядят более сурово и представляют собой переплетение плоскостей и линий в приглушенных тонах черного, серого и охрового цветов.
• Синтетический кубизм — это более поздняя фаза кубизма, обычно относящаяся к периоду с 1912 по 1914 год и характеризующаяся более простыми формами и более яркими цветами.Синтетические кубистические работы также часто включают коллажированные реальные элементы, такие как газеты. Включение реальных объектов непосредственно в искусство стало началом одной из важнейших идей современного искусства.