Художественная архитектура: Архитектурные и художественные стили и направления | Архитектура и Проектирование

Содержание

древнерусская архитектура, барокко, рококо, классицизм, авангард.

Эльдар Рязанов в картине «Ирония судьбы, или С легким паром!» несколько преувеличил то, насколько российские улицы похожи друг на друга. Однако здания одних и тех же архитектурных направлений есть во многих российских городах. «Культура.РФ» составила краткий путеводитель по основным стилям, которые можно увидеть практически в любом городе нашей страны.

Древнерусская крестово-купольная архитектура

Софийский собор, Великий Новгород. Фотография: Зазелина Марина / фотобанк «Лори»

Храм Покрова на Нерли, Владимир. Фотография: Яков Филимонов / фотобанк «Лори»

Гражданских памятников XI–XVII веков сохранилось крайне мало, однако церкви этого периода можно увидеть в городах старше 400 лет. Как правило, это прямоугольные здания, стены которых ориентированы по сторонам света. Венчают церкви купола, количество которых может варьироваться, наиболее часто встречаются одно-, пяти-, девяти- и тринадцатиглавые храмы. Например, Софийский собор в Великом Новгороде — пятикупольный, а храм Покрова на Нерли венчает один купол. Но сколько бы ни было у храма куполов, всегда есть один главный: он приподнят на специальном основании — барабане.


Древнерусская шатровая архитектура

Церковь Вознесения, Коломенское. Фотография: panoramio.com

Шатровая колокольня, Кижи. Фотография: streamphoto.ru

В XVI веке на смену куполам пришло чисто русское изобретение, не имеющее аналогов в церковной архитектуре других стран: шатер — завершение храма в виде многогранной пирамиды, а не купола. Вероятно, появление шатрового зодчества связано с техническими сложностями: многие церкви на Руси строили из дерева, а сделать купол из этого материала непросто. Позже эта архитектурная особенность распространилась и на каменное строительство. Чтобы представить себе шатровый храм, достаточно вспомнить церковь Вознесения в Коломенском и шатровую колокольню в Кижах.


Барокко

Зимний Дворец, Санкт-Петербург. Фотография: Vitas / фотобанк «Лори»

Церковь Знамения, Дубровицы. Фотография: gooper.ru

Этот архитектурный стиль пришел в Россию в самом конце XVII века. Первые постройки появились в Москве, потом барочными зданиями активно застраивался Петербург. Стиль барокко определить просто: его главные особенности — сложные формы и обилие украшений. Собственно, сам термин «барокко» в переводе с итальянского означает «причудливый, странный». Среди примеров — Зимний дворец в Петербурге и церковь Знамения в Дубровицах в Подмосковье.


Рококо

Китайский дворец, Санкт-Петербург. Фотография: Литвяк Игорь / фотобанк «Лори»

Катальная горка, Санкт-Петербург. Фотография: Литвяк Игорь / фотобанк «Лори»

В целом популярный во второй половине XVIII века стиль рококо имеет много общего с барокко. Главные отличия кроются в деталях. Здания в стиле рококо обильно украшены скульптурным декором — вазами и цветочными гирляндами, масками или просто милыми завитками. Подобных построек в России сохранилось немного. К ним относятся Китайский дворец и павильон «Катальная горка» в Ораниенбауме.

Русское рококо


Классицизм

Таврический дворец, Санкт-Петербург. Фотография: Екатерина Овсянникова / фотобанк «Лори»

Большой театр, Москва. Фотография: Геннадий Соловьев / фотобанк «Лори»

Здания в стиле классицизм можно найти во многих российских городах. Это архитектурное направление было распространено в конце XVIII — первой половине XIX века. В классическом стиле строили дворцы и усадьбы, театры и даже склады. Ключевая деталь, по которой можно без труда опознать памятник эпохи классицизма, — это колонна. Точнее, много колонн. Также здания в этом стиле отличаются сдержанностью, симметричностью и лаконичным декором. Таковы, например, Таврический дворец в Петербурге и Большой театр в Москве.

Русский классицизм

Читайте также:

Историзм

Храм Христа Спасителя, Москва. Фотография: strinplus.ru

Усадьба Царицыно, Москва. Фотография: Юрий Губин / фотобанк «Лори»

Постройки в этом архитектурном стиле, появившемся в середине XIX века, наиболее разнообразны. Главная особенность историзма — обращение архитектора к наследию прошлого. Прошлое могло быть, например, византийским — тогда появлялись здания в неорусском стиле, как храм Христа Спасителя. Могло быть готическим — так была возведена усадьба Царицыно в Москве. А могло быть осмыслением наследия эпохи ренессанс — как Московский и Ленинградский вокзалы. Ключевые внешние особенности историзма сформулировать достаточно сложно: постройки этого стиля непохожи. Если вы видите здание, которое «хочет казаться старше, чем есть на самом деле» — вероятно, это памятник историзма.


Модерн

Дом компании «Зингер», Санкт-Петербург. Фотография: spb-guide.ru

Гостиница «Метрополь», Москва. Фотография: liveinmsk.ru

Здания в архитектурном стиле модерн появились в конце XIX — начале XX века. Обилие стекла и железа, использование мозаики и росписи на фасадах, необычные изогнутые линии и асимметрия — все это приметы модерна. Дом компании «Зингер» в Петербурге или гостиница «Метрополь» в Москве — наиболее характерные здания в этом стиле.


Авангард

Дом культуры имени Русакова, Москва. Фотография: Bala-Kate / фотобанк «Лори»

Универмаг Мосторг на Красной Пресне. Фотография: Дмитрий Данилкин / фотобанк «Лори»

В 1920-е в Советском государстве появился такой же революционный, как и новая власть, архитектурный стиль. Простые конструкции и отсутствие декора, стекло и бетон — такими строили авангардные здания. Для архитекторов-авангардистов была важна функциональность постройки, а не ее эстетическая ценность. Неудивительно, что у стиля, помимо сторонников, были и ярые противники, называвшие авангардные здания «бетонными опухолями» на теле Москвы. Так, например, современники оценили мельниковский Дом культуры имени Русакова. Универмаг Мосторг на Красной Пресне — другой известный пример авангарда — встретили спокойнее.


Сталинская неоклассика

Центральный академический театр российской армии, Москва. Фотография: Алёшина Оксана / фотобанк «Лори»

Главное здание МГУ на Воробьевых горах, Москва. Фотография: Денис Ларкин / фотобанк «Лори»

В сталинское время архитекторы стали вновь обращаться к классическому наследию, хотя и в несколько ином смысле. Здания 1930–40-х годов были величественными и помпезными — с колоннами и лепниной, настенными росписями и обилием декора с советской символикой. В моду вновь вошли колонны. Одним из интересных осмыслений стиля классицизм в сталинское время стали Центральный академический театр Российской армии в форме пятиконечной звезды и Главное здание МГУ на Воробьевых горах.


Типовая архитектура хрущевского и брежневского времени

Типовая архитектура времен Хрущева. Фотография: kp.ru

Типовая архитектура времен Брежнева. Бизнес-центр «Смоленский», г. Санкт-Петербург. Фотография: mhi-russia.ru

Вместе с эпохой Сталина закончилась и эпоха «архитектурных излишеств» и монументализма. Одинаковые невыразительные здания по типовым проектам можно встретить как в жилой застройке того времени, так и в общественной архитектуре — такими стали кинотеатры, школы, больницы. В спальном районе любого российского города так называемые хрущевки, скорее всего, будут основой местного пейзажа.

Автор: Лидия Утёмова

Творческая мастерская специализации "Архитектура"

Основной задачей преподавания архитектурной композиции детям в возрасте с 11 до 17 в МАХЛ РАХ является введение в предмет “архитектура”, с концентрацией внимания на художественной стороне темы.

Во-первых, сам предмет достаточно сложен. Поскольку “традиционное” представление об архитектуре сводится, порой, к наличию декоративных деталей, без претензий к их качеству, а привычка жить в стесненных, неудобных,  плохо продуманных советских городах, районах и домах, делает преподавание архитектурной композиции делом связанным с психологическими издержками.

Говорить же приходится о том, что в обиходе редко привлекает наше внимание: о пространстве и его эстетических особенностях, о стиле и его нюансах, о фактуре и масштабе, о функции и конструкции и т. д.

О большой части этих тем можно говорить только как о виртуальных, пытаясь их представить. Чтобы задачи, которые ставятся перед учениками оказались им по силам каждое из последовательно предлагаемых заданий концентрирует свое внимание только на одном из архитектурных аспектов.

Сложность профессионального и учебного проектирования состоит еще и в том, что настоящие размеры построенного здания, с реальными ракурсами восприятия, кардинально отличаются от того эскизного или макетного материала с которым приходится иметь дело, занимаясь проектированием, приучить себя находиться в “двух масштабах” сразу, чертежном и реальном, сложней чем петь, танцевать и жонглировать факелами одновременно.

Для решения озвученных проблем, была придумана система образования, включающая темы: архитектурные примитивы (то есть изучение примитивных архитектурных элементов, таких как окно, крыша, стена), законы архитектурного формообразования, роль материала, значение конструкции, знакомство с понятием графемы (узнаваемость и запоминаемость силуэта здания), первичный опыт работы с планировкой, знакомство со стилистическими критериями, знакомство с концептуальным подходом в проектировании, знакомство с проблемой образа и изучение правил контекста.

Вадим Владимирович Макаров,
председатель Методического объединения специализации "Архитектура (дизайн)"

 

 

 
Проект "Дом автопортрет". Междисциплинарное задание по архитектуре и информатике (9 класс)

Коттедж Александры Худеньких

Коттедж Анастасии Малининой

 

 

 

 

 

Архитектурная школа МАРШ

Архитектурная школа МАРШ

Выберите курс и начните путь к успешной карьере в архитектуре, градостроительстве или смежных областях.

Архитекторы о свете и световом дизайне.

Совместный цикл лекций МАРШ и компании Delta Light.

События

До 29 августа включительно в школе МАРШ проходит выставка студенческих проектов «МАРШоу», которая демонстрирует публике целостную картину нового архитектурного образования. На выставке представлены не только итоговые работы, выполненные студентами подготовительного отделения, бакалавриата и магистратуры в 2020-21 учебном году, но и результаты промежуточных заданий. Посмотреть выставку самостоятельно можно в любой день, по средам в 18:00 мы приглашаем вас посетить ее с экскурсией.

В субботу, 24 июля, в МАРШ состоится итоговый просмотр студенческих проектов на курсе «Световой дизайн», где студенты представят все эскизные проекты, выполненные за год обучения. По уже сложившейся традиции мы решили сделать это событие открытым. Мероприятие состоится по адресу: ул. Нижняя Сыромятническая д.10 стр.4, вход А, 4 этаж.


В 2021-22 учебном году в качестве партнёров к программе «Управление развитием территорий» присоединится компания Habidatum. Какова роль компании в образовательном процессе, какие модули и дисциплины будут изучать студенты, какой учебный кейс ляжет в основу образовательной программы и что мы получим в результате — обо всем этом расскажем во время онлайн-презентации программы 22 июля.


Новости

С 9 по 14 августа, между вторым и третьим потоком вступительных собеседований в бакалавриат и магистратуру, в МАРШ пройдет интенсив Portfolio School. Интенсив предназначен для абитуриентов, имеющих художественную подготовку и творческие работы, и направлен на то, чтобы помочь им в подготовке академического портфолио для поступления. В преддверии старта Portfolio School мы попросили куратора программы Марию Покровскую рассказать о пяти распространенных ошибках в подготовке портфолио. Делимся с вами наблюдениями куратора. 


Open – павильон РФ на XVII Венецианской архитектурной биеннале – вместе с МАРШ и Scream School приглашает мультидисциплинарные команды на АрхиДжем — тематический геймджем, сочетающий игровой дизайн с архитектурой. Программа рассчитана на 7 дней, с 9 по 16 июля, и пройдет в онлайн- и офлайн-форматах. Все созданные за это время игры оценит жюри. Финалисты будут перечислены на сайте павильона РФ по отдельности и в обобщающем тексте – как исследования, произведенные в рамках проекта Open.


24 июня 2021 года МАРШ открывает ежегодную выставку студенческих проектов «МАРШоу». Экспозиция демонстрирует публике целостную картину нового архитектурного образования: итоговые работы, выполненные студентами подготовительного отделения, бакалавриата и магистратуры в 2020-21 учебном году, и результаты промежуточных заданий. Выставка пройдет офлайн в стенах Школы и продлится до 29 августа 2021 года.

С 3 по 6 июня в Гостином дворе в Москве пройдет XXVI Международная выставка архитектуры и дизайна «АРХ Москва». Тема 2021 года «Архитектура — идеи». 
МАРШ представит на выставке теоретический проект «Город событий», созданный «Вольной мастерской» в рамках студии бакалавриата I года в 2018-2019 учебном году. А также преподаватели Школы примут участие в деловой программе. 


До начала вступительных собеседований в бакалавриат и магистратуру МАРШ остается один месяц. А записаться на собеседование в бакалавриат в первом потоке уже невозможно — нет мест.  Директор МАРШ Никита Токарев рекомендует абитуриентам не затягивать с подачей заявки, а также не совершать других распространенных ошибок.

С 30 мая по 4 июня в МАРШ состоятся открытые презентации студенческих проектов по итогам 2020-21 учебного года. Студенты бакалавриата и магистратуры представят критикам результаты своей работы. А вы сможете прийти в МАРШ в любой день в назначенное время и присоединиться в качестве слушателей в офлайн-формате. Смотрите расписание и заполняйте короткую анкету, если хотите, чтобы вам на почту пришло напоминание. 

?>

×

Мы используем файлы cookie, разработанные нашими специалистами и третьими лицами, для анализа событий на нашем веб-сайте, что позволяет нам улучшать взаимодействие с пользователями и обслуживание. Продолжая просмотр страниц нашего сайта, вы принимаете условия его использования. Более подробные сведения см. в нашей Политике конфиденциальности.

Архитектура здания - Детская художественная школа №1 имени П. П. Чистякова г. Екатеринбург

"УРАЛЬСКИЙ МОДЕРН"

  

Дом доктора Сяно, 1915-1920 гг (ГААОСО Ф.Р-1 Оп. Д.47604 )                          Дом доктора Сяно, 2010 год. ДХШ №1

Для «стиля модерн» главным принципом стала стилизация, но не в смысле интерпретации форм художественных стилей прошедших эпох, как это было в период Историзма второй половины XIX в., а в смысле тенденции подчинения всех элементов композиции какому-либо одному, формообразующему началу. Таким началом могло служить все что угодно: исторические и национальные стили, элементы народного и примитивного искусства (Абрамцево, Талашкино), природные формы (флореальное течение), геометрический мотив («Венские Мастерские», И. Хоффманн), новые конструкции и свойства новых материалов - стали, стекла, бетона (конструктивное течение). В каждом случае художники модерна искали целостности, органичности, гармонии ансамблевых решений - изображения и плоскости, отсюда декоративность рельефов и росписей, как бы вырастающих из поверхности стен зданий; орнамента и конструкции - «орнаментализации» конструктивных элементов стальных каркасов, железных решеток, формы и пространства, интерьера и экстерьера.

В Екатеринбурге модерн нашел отражение не только в каменных, но и полукаменных постройках. Такой постройкой является дом № 2 по улице Карла Либкнехта (бывш. Вознесенский проспект) и вызывает желание разобраться в секрете его обаяния.

Это здание единственное у нас в городе и своего рода уникальное, больше таких зданий нет. Местоположение дома ставило перед архитектором контрастные задачи: с одной стороны, необходимость создания композиции, оформляющей пространство площади на пересечении проспектов, а с другой - создание образа, неизбежно подчиненного активной форме римско-католической церкви, расположенной напротив.

Римско-католическая площадь, Костел Святой Анны, начало 20 века, Екатеринбург

Отсюда и достаточно сдержанное решение пластического образа, в то время как модерн декларировал подчеркнутую самостоятельность в архитектурно-пространственной среде. Здание имеет оригинальную конструкцию с угловой композиционной основой и в плане представляет собой ущербный квадрат, в отсутствующей ¼ части которого естественно располагается внутренний двор. В целом, объемно-пространственная композиция утрачивает характерный для классицизма и эклектики картинно-фасадный характер. Сами по себе симметричные фасады при взгляде с площади составляли исключительную композицию, милую глазу и сердца привыкшего к классицизму екатеринбуржца. Отсутствие импозантного декора, характерно для провинциального модерна, позволяет скорее увидеть те серьезные изменения в отношении к архитектурной форме, благодаря которым внешний облик стал отражать особенности внутренней жизни здания.

Строительные материалы этажей - кирпич первого и дерево второго - подчеркивают их независимое функционирование. Первый этаж из красного кирпича с перемычками над окнами из клинчатого кирпича. Деревянная часть здания отличается оконными проемами коробовой кривизны и своеобразной формой здания. Здание имело угловой вход. К нему (в данное время не существующему) вел деревянный тротуар и гранитные ступени крыльца. Роль козырька выполнял декоративный балкон, тоже не сохранившийся. В отдельные объемы выделены торцевые части. На первом этаже в торцевой части дома по улице Малышева располагались жилые комнаты семьи прислуги. Характерно изменение формы оконных проемов в соответствии с функциональным назначением помещений: вместо омега-образных окон, преобладающих на первом этаже - прямоугольные окна жилых помещений.

В здании имелся второй вход в жилые помещения (со стороны Вознесенского проспекта), функциональную необходимость которого сейчас трудно объяснить (вход сохранился). Быть может причиной послужил сложный состав семьи хозяина, может быть что-то другое, вплоть до требований пожарной безопасности. Хотя форма оконных проемов на дворовом фасаде торца «Вознесенского крыла» здания позволяет предположить, что характер использования этих помещений мог быть отличным от жилых.

Существует две версии о том, кому принадлежало это здание и кто там жил. Так, по свидетельству Ю.В.Богдановича, внучатого племянника доктора И.А.Сяно, считают, что здание строилось под частную поликлинику известного в Екатеринбурге врача И.А.Сяно. Она должна была располагаться на первом этаже, а верхний этаж отводился под апартаменты хозяина. По свидетельству же старейшего жителя города, который лечился у этого врача: этот особняк принадлежал купцу Штролю. На первом этаже располагался магазин, где торговали велосипедами, швейными машинами и другой бытовой техникой, а на втором этаже находились апартаменты хозяина и его семьи. Здесь же снимал квартиру врач И.А.Сяно и принимал больных.

ДОХОДНЫЙ ДОМ

Подобные строения принято называть "доходными домами", т.е. постройками, предполагающими сдачу помещений в аренду, обычно под это приспосабливали первый этаж. Так и в нашем случае, каменный этаж сдавался в наем под различные конторы. В числе прочих в начале 20 века здесь размещался магазин Рихарда Штроля и его же склад автомобилей и велосипедов. Рихард Штроль одним из первых в Екатеринбурге занялся пропагандой столь популярного сейчас автомобильного спорта и сумел сделать на продаже "иномарок" неплохой капитал. Помимо собственно продажи активно занимался ремонтом и прокатом как автомобилей, так и велосипедов.

Второй этаж дома занимали жилые помещения и, возможно, больничные покои.

В 19 веке на этом самом месте стояло совсем другое строение, принадлежавшее мещанину Д.Ф.Бахтину. Но новый век внес свои коррективы в оформление перекрестка. В начале 20 века был возведен известный нам сейчас дом, построил его для себя врач, еврей по национальности, И.Сяно. Сам Сяно работал в лечебнице врачей-специалистов под руководством доктора Н.Я.Красовского на Соборной улице (сейчас Пушкина, 1). Интересно, что дом Сяно, как и здание лечебницы проектировались для оформления перекрестков одним и тем же архитектором — И. И.Янковским (последним городским архитектором дореволюционного Екатеринбурга).

Источник: Образование на Урале: Материалы для учителя

 

 

Просмотров: 645

⟰ наверх страницы

Архитектура в художественной литературе

Архитектура в художественной литературе

Художественная литература богата приемами, образами и различными средствами выразительности. Архитектура при этом играет в художественной литературе немаловажную роль. Именно благодаря описанию архитектуры места действия читатель может лучше понять образы в произведении, вникнуть в его реальность, прочувствовать настроение персонажей. Например, в поэзии С. А. Есенина архитектура вокруг его лирического героя была, в основном, деревенская: церквушки, образа, бревенчатые избы. В стихотворениях же Анны Ахматовой архитектура составляла часть характеристики описываемого города - Петербурга. Здесь присутствуют и холодные каменные стены, и гранит, и памятники. Все это является одной из ключевых частей художественной литературы.

Итак, рассмотрим следующие типы архитектуры и их значение в художественной литературе:

  1. Деревенская архитектура. Этот тип характерен для писателей и поэтов конца девятнадцатого века, а также "новокрестьянских поэтов" начала двадцатого. Столетие назад вся Россия была практически деревней, что и отразилось в произведениях. Такие произведения, как лирические, так и прозаические, пропитаны патриотизмом, любовью к родине, к ее красоте и природе. Значение данного архитектурного пейзажа состояло в том, что автор актуализировал благодаря ему проблемы деревень и людей там проживающих.
  2. Городская архитектура, городской пейзаж и здания. Данный архитектурный пейзаж относится преимущественно к литературе двадцатого века, однако, в произведениях авторов конца девятнадцатого века также можно его встретить (например, в произведениях Н. Некрасова и Ф. Достоевского). Так, городской пейзаж практически всегда наполнен грязью и духовным падением, что связано с низким развитием инфраструктуры городов в то время. Редко, но в художественной литературе все же присутствует и радостный городской пейзаж (например, в произведениях А. Ахматовой и В. Маяковского). Значение городского пейзажа состоит в том, что город всегда отражает чувства и мысли главного героя, а также является не просто фоном, а отдельным персонажем, образом, благодаря которому читатель может лучше понять идейный замысел произведения.

Готовые работы на аналогичную тему

Так, мы рассмотрели два основных типа архитектуры, присутствующих в художественной литературе. Разумеется, существуют и другие: например, в фантастической или исторической литературе, однако, они мало распространены.

Замечание 1

Таким образом, исходя из всего вышеперечисленного, можно сказать, что архитектура в художественной литературе играет достаточно большую роль. Городской, деревенский пейзажи могут быть не только фоном для всего произведения - они могут влиять на мысли и поступки героя, а также определять характер всего произведения. Также, мы выяснили, что деревенский пейзаж куда красочнее и радостнее городского, что вызвано, вероятно, уровнем индустриального развития городов.

Примеры архитектуры в художественной литературе

Как в русской, так и в зарубежной литературе существует множество описаний архитектуры. Причем, будь то городской или же деревенский образ - они играют весьма важную роль. Их значение меняется в зависимости от идейного замысла произведения. Рассмотрим некоторые примеры описания архитектуры в художественной литературе:

  • Произведение В. Набокова "Лолита". Пыльные города, летнее солнце и жара отражают и достаточно легкомысленный характер произведения. Также они являются отражением самой Лолиты - одного из главных героев этого произведения.
  • Стихотворение С. А. Есенина. Все они пропитаны любовью к родине, патриотизмом. В них присутствует образ деревни - родной для поэта. Есенин относился к числу новокрестьянских поэтов, что и обуславливает наличие образа деревни в его творчестве. Здесь деревенский пейзаж имеет скорее радостные краски: "малиновая лебеда", "с белых яблонь дым".
  • Произведение Ф. М. Достоевского "Преступление и наказание". В этом произведении присутствует городской пейзаж. Причем, образ Петербурга в нем является не просто фоном, а отдельным персонажем, который влияет на поступки героев и является отражением их мрачных и тяжёлых мыслей. Так, городской пейзаж является определяющим, носящим смысловой характер произведения.
  • Лирика А. С. Пушкина. В этой лирике (например, в произведении "Медный всадник") присутствует городские пейзажи. Однако, практически все они отражают тоску, тяжесть дум лирического героя. Петербург предстает достаточно тоскливым городом, но величественным и прекрасным. Это создаёт противоречивый образ города.
  • Лирика Анны Ахматовой. В ее произведениях присутствуют как образы деревни, так и образы города - в частности, Петербурга. Петербург у Ахматовой величественный, солнечный, насыщен жизнью и яркостью. Деревни же, напротив, имеют оттенок переживаний. Возможно, это связано с тем, что ее стихи – личные, и в большинстве случаев главным лирическим героем в них является сама поэтесса.
  • Произведение Л. Н. Толстого "Война и мир". В этом произведении также присутствуют как деревенский образ, так и городской. Городским персонажем тут является Москва накануне войны 1812 года. Город у Толстого насыщен жизнью, развлечениями, в то время как деревня - это оплот спокойствия и надежности. Это характеризует деревенскую архитектуру как более близкую людям того времени, более родную.

Таким образом, мы рассмотрели архитектуру в художественной литературе на примере нескольких произведений.

Значение архитектурных образов в художественной литературе, как мы видим, может меняться. Оно может быть как фоновым, так и образным - то есть архитектурные пейзажи могут быть как фоном произведения, так и отдельным персонажем (пример - произведение Н. В. Гоголя "Нос").

Основным значением, пожалуй, все-таки является патриотическое. Все произведения, содержащие образ деревень, а также и городов, так или иначе пересекаются с темой патриотизма, темой любви к родине. Здесь отличным примером могут служить произведения Н. А. Некрасова, Л. Н. Толстого.

Архитектура - ГМП "Исаакиевский собор"

Исаакиевский собор – выдающийся памятник русской архитектуры XIX века и одно из величайших в мире купольных сооружений, уступающее по размерам только соборам св. Петра в Риме, св. Павла в Лондоне и Санта Мария дель Фиоре во Флоренции. Высота Исаакиевского собора 101,5 м; длина 111,2 м; ширина 97,6 м. 

Собор – одна из доминант Санкт-Петербурга и второе по высоте здание после Петропавловского собора. Его монументальный и величественный образ создает неповторимый акцент в городском силуэте и служит такой же визитной карточкой северной столицы, как шпиль собора Петропавловской крепости и золотой кораблик Адмиралтейства.

Храм св. Исаакия Далматского принадлежит к числу самых больших, сложных и интересных сооружений, завершивших развитие классицизма – архитектурного стиля, господствовавшего в России во второй половине XVIII – начале XIX веков. 

Время проектирования собора совпало с расцветом русского классицизма, для которого были характерны монументальность, величие, строгость пропорций, связь с окружающей застройкой. Архитекторы зачастую обращались к традициям античности, использовали мотивы Древних Греции и Рима, итальянского Возрождения. Однако к середине XIX века наблюдается постепенный упадок этого стиля, проявившийся в нарушении его чистоты и отказе от сохранения единства и цельности архитектурно-художественного образа, излишней декорировке, не связанной с конструктивными особенностями зданий. Эти черты обозначили начало эклектического направления в архитектуре, по времени совпавшего со строительством Исаакиевского собора. Поэтому в отдельных деталях его фасадов, и особенно в интерьере появляются черты эклектики. 

Прообразом собора послужил разработанный еще в конце XVIII века тип центричного, квадратного в плане пятикупольного храма с фасадами, украшенными портиками. Сохранив традиционную схему, О. Монферран по-иному подошел к решению архитектурно-художественного убранства здания. 

В плане Исаакиевский собор представляет собой слегка вытянутый по оси восток-запад прямоугольник, в средней части которого находится квадрат, выступающий из общего контура в северную и южную стороны. В результате такой планировки доминирующее значение приобрела средняя часть здания. 

Само здание решено цельным, компактным объёмом, над которым поднимается высокий цилиндрический барабан, прорезанный арочными окнами и окруженный изящной колоннадой. Барабан увенчан золочёным куполом с легким восьмигранным световым фонариком. 

По углам выступающего основного объема здания находятся четыре небольшие колокольни, удачно дополняющие силуэт храма. Их завершают легкие позолочённые главки, размер которых продиктован масштабом самих звонниц, поэтому они оказались намного меньше главного купола. Из-за пирамидальности построения собора создается ощущение динамичности и устремленности ввысь массивного барабана с главным куполом, а также связи всего здания с окружающим пространством. 

Фасады украшены портиками с гранитными колоннами высотой 17 м и массой 114 т каждая. Установлены колонны на гранитных стилобатах, в которых расположены ведущие к храму ступени. Исаакиевский собор – единственный из памятников русского классицизма (за исключением Мраморного дворца А. Ринальди), в наружной отделке которого использованы полированные гранитные колонны и мрамор. Эффектное сочетание тёмно-красных колонн портиков, колоннады главного купола и цоколя здания с серой мраморной облицовкой стен и золочёными куполами придает всему сооружению парадный вид. 

Поражают своим величием и благородством форм портики собора. Один шестнадцатиколонный портик обращен на север, к Неве и Медному всаднику, другой – к Исаакиевской площади. Таким образом, оба входа в храм оказались боковыми по отношению к алтарю, что обусловлено градостроительными особенностями. Алтарь храма снаружи отмечен восьмиколонным портиком, который симметрично повторяется с западной стороны. 

Гладкие плоскости стен собора прорезаны большими арочными окнами с массивными наличниками и волютами наверху. Стремясь усилить впечатление грандиозности сооружения, О. Монферран непомерно увеличил размеры окон и дверей, что исказило представление об истинной величине храма. За исключением восточного фасада, три наружные двери гармонично увязаны с портиками, площадь каждой из них – 42 кв. м; высота створки – 6,8 м; масса створки – 9,7 т. 

Треть всей плоскости стены занимает колоссальный по размерам аттик, который излишне преобладает над основным ордером. Его размеры были продиктованы восточным фасадом третьего Исаакиевского собора, освященная часть которого не подлежала разборке. О. Монферран несколько смягчил массивный аттик вертикальными членениями четырех звонниц и горизонтальным карнизом с модульонами в верхней части стен. Подчеркивают вертикальный характер главных членений здания пилястры, расположенные на углах. 

Исаакиевский собор – высокий образец единства как монументального, так и декоративного искусства; его архитектура находится в непосредственной художественной взаимосвязи с живописью и скульптурой. Характер декоративного решения фасадов определяет, прежде всего, скульптура – один из самых распространенных видов изобразительного искусства первой трети XIX века, связанных с архитектурой.

Расположение декоративной скульптуры соответствует основным членениям здания, объединяя отдельные архитектурные массы, зрительно смягчая переходы от одной части к другой, тем самым усиливая роль и значение отдельных элементов сооружения. Скульптурное убранство храма создавали известные ваятели того времени – И. Витали, И. Герман. П. Клодт, Л. Логановский, Ф. Лемер, Н. Пименов. Скульптурный декор не только обогащает облик здания, но и несет основную идейную и тематическую нагрузку, конкретизируя функциональное назначение храма. Такое обилие скульптуры в наружном убранстве было вызвано тем, что к середине XIX века изменилось представление о монументальности сооружения; иными становятся и способы выделения среди городских построек. 

На смену строгости и благородной простоте зданий начала XIX века приходит стремление к помпезности, эффекту, что обуславливает усиление пластики стен, заполнение гладкого поля фронтона сложными по композиции барельефами, использование дорогих отделочных материалов. Все это в полной мере нашло отражение в наружном убранстве Исаакиевского собора и особенно ярко выразилось в интерьере храма. 

Благодаря вертикальной направленности своей композиции Исаакиевский собор стал одной из доминант центральной части города, имеющей важное градостроительное значение. Здание храма органично вошло в ансамбль двух площадей – Исаакиевской и Сенатской (Декабристов), композиционно объединяя и определяя их облик. 

Сенатская площадь создавалась еще в середине XVIII века, а завершилось ее формирование в первой половине следующего столетия. Широко раскрытая на Неву, эта площадь – часть художественного убранства неповторимых по красоте набережных. 

Если для Сенатской площади Исаакиевский собор – последний аккорд, недостающее звено ансамбля, то для Исаакиевской он стал началом ее превращения в единый архитектурный организм. В центре площади – последняя работа О. Монферрана, памятник императору Николаю I, выполненный скульптором П. Клодтом. 

Внутренняя планировка Исаакиевского собора характерна для православных культовых сооружений XVIII века. Интерьер площадью более 4 000 кв. м двумя рядами пилонов разделен на три нефа. В главном куполе, опирающемся на четыре массивных пилона, высота достигает 69 м, высота боковых нефов – 28 м. Входом в храм служат три большие двери с южной, северной и западной сторон здания.

В восточной части – главный алтарь и иконостас, возвышающийся в уровень со сводами, подобно алтарным преградам древнерусских храмов. Стройный коринфский портик иконостаса из десяти малахитовых колонн поддерживает аттик, членения которого продолжают вертикальную направленность колонн и подчеркивают строгость его архитектуры. Перед иконостасом – солея, огражденная беломраморной балюстрадой с золочеными балясинами. 

Три большие арки в иконостасе служат входами в алтарную часть храма. Центральную арку украшают две лазуритовые колонны и Царские врата, за которыми находится главный алтарь св. Исаакия Далматского. В алтарном окне – один из самых больших витражей в Европе площадью 28,5 кв. м, выполненный на Мюнхенской мануфактуре мастером Айнмиллером. Запрестольный образ Иисуса Христа отличается яркостью красок и глубиной цвета. Несмотря на то, что витраж – нехарактерная деталь убранства православного храма, в Исаакиевском соборе он органично вписывается в интерьер и придает алтарю неповторимый, торжественный вид. 

Прорезая главный иконостас, боковые арки открывают для обозрения боковые приделы с малыми иконостасами. Левый неф ведет в придел св. Александра Невского, правый – в придел св. Екатерины. 

В пышном декоре храма важное значение имеет оформление барабана главного купола. Выступающие из плоскости стен двенадцать статуй ангелов вместе с мраморными пилястрами образуют единую вертикаль и способствуют четкому членению барабана. Между скульптурами, выполненными способом гальванопластики, – живописные изображения двенадцати апостолов. Хорошо освещенные окнами барабана, позолоченные фигуры ангелов ярким пятном выделяются на фоне стен и вместе с живописью создают богатый декоративный эффект. 

Внутренний декор собора венчает роспись плафона «Богоматерь во славе» площадью 816 кв. м, созданная выдающимся художником XIX века К. Брюлловым. Круговая композиция этого полотна продиктована архитектурой храма. Мягко и естественно перейти от архитектурных форм к живописным позволяет балюстрада, написанная по самому краю плафона. Она иллюзорно увеличивает антаблемент барабана, а свободный от изображений центр плафона вызывает ощущение глубины воздушного пространства и бесконечности небесного свода. Завершает композицию плафона главного купола созданная И.Дылевым скульптура голубя, парящего под сводом на высоте 86,5 м – символ Святого Духа. Она выполнена из меди, весит 84 кг, размах крыльев голубя 2,06 м. Сияние скульптуре придаёт слой серебра, нанесённый способом гальванопластики.

Оформление барабана главного купола с точки зрения синтеза различных видов искусства – наиболее удачное в Исаакиевском соборе. 

Важная особенность внутренней отделки собора – вызолоченные детали, литые бронзовые, с рельефным орнаментом, базы и капители колонн, медальоны, кессоны, гирлянды, а также ажурные золоченые люстры-паникадила массой около 3 т каждая. Всего на позолоту собора было израсходовано 300 кг золота, еще 100 кг – на золочение куполов. 

Исаакиевский собор – яркий образец синтеза архитектуры с различными видами декоративно-прикладного искусства. Его многочисленные живописные картины, мозаики, скульптуры, эффектное сочетание цветного камня и позолоты создают богатую, насыщенную цветовую гамму. 

Подготовлено Е. Л. Репиной

Строение художественного образа в архитектуре

Тектоническая целевая форма

В архитектуре строение художественного образа гораздо сложнее, чем в скульптуре. В то время как в живописи все изобразительные и экспрессивные содержания художественного образа даны исключительно как функции двумерной плоскостной формы, а все содержание скульптуры выражается в формах объемной вещественности. Если, таким образом, все богатство пространственных отношений сведено к выразительному начертанию на материальной поверхности, скульптура дает органическое претворение массивной материи как самоценности.

Строение художественного образа в архитектуре

В противоположность однозначной структуре живописи и скульптуры, художественные формы, строение архитектурного художественного образа двузначны. Следует отличать два принципиально отличных друг от друга типа художественного выразительного оформления вещи: пластическое и тектоническое. В первом случае вещь истолковывается как знак самоценного замкнутого в себе бытия, которое по преимуществу воплощается в формах органических, чаще всего человеческих, во втором случае вещь является знаком самой себя как вещи, т. е. как материи, как средства некоего ценностного содержания, лежащего за его пределами.

Тектоническая целевая форма

Тектоническая целевая форма заставляет нас созерцать материю по аналогии с живой органической формой как носительницу некоторых присущих ей закономерностей, истолковываемых как ее живые свойства. В этом заключается выразительность тектонической формы, но, поскольку она выражает функции материи как таковой, она всегда предполагает нечто «иное». В пространственных искусствах это «иное» есть динамическое формообразующее пространство как носитель ценных двигательных содержаний, которые отпечатываются на данной вещи.

Полезный жест человека закрепляется, увековечивается на выразительно оформленной вещи и этим переносится из сферы эмпирической в сферу культурного выражения, а отвлеченные механические свойства вещи, которые используются практикой, выражаясь в ее внешней созерцательной форме, истолковываются как ее внутренние свойства. Это двузначное строение тектонической формы и заставляло многих (как, например, Шеллинга) определять природу архитектурной выразительности как аллегорическую.

В то время как отдельные виды целевых выразительных форм (так называемые прикладные искусства) закрепляют отдельные ценные функции человека, архитектура создает оболочку и окружение для человека в целом и, являясь поэтому наиболее универсальной формой тектоники, включая в себя все другие ее отрасли, она создает художественно более замкнутую и более автономную систему тектонических форм. Выразительная форма, например, топора, соотнесена с окружающим ее пространством, но она определяет строение этого пространства лишь постольку, поскольку в нем могут протекать все двигательные содержания, которые предполагают форму топора.

Архитектурное внутреннее пространство со всех сторон ограничено и представляет замкнутое целое, которое, в свою очередь, внешними формами здания оформляется как культурное содержание.
Анализ архитектурного художественного образа должен, таким образом, исследовать взаимоотношение трех моментов: внутреннего пространства здания, его оболочки и внешнего пространства, его окружающего.

Введение в художественные концепции, SAC, ART100

Архитектура - это форма искусства, которая отражает то, как мы представляем себя в ландшафте земли, и, как и другие выразительные средства, она меняется в зависимости от стилей, технологий и культурных адаптаций. Архитектура не только обеспечивает мирские потребности в убежище, рабочем пространстве и хранилищах, но также представляет человеческие идеалы в зданиях, таких как здания суда и правительственные здания, а также проявления духа в церквях и храмах. Традиционная архитектура в той или иной форме сохранилась на протяжении тысячелетий, в то время как современный дизайн предлагает новые подходы к использованию материалов и технологий для формирования внешнего вида нашей окружающей среды.

Ранние разработки в области проектирования зданий и методов

Основные методы проектирования и строительства зданий используются на протяжении тысячелетий. Складывание камней, кладка кирпича или соединение дерева в той или иной форме до сих пор используются во всех частях света. Но на протяжении веков инновации в методах и материалах дали новое выражение архитектуре и человеческому следу на ландшафте. Мы можем обратиться к историческим примерам, чтобы найти подсказки, которые дают контекст для различных периодов стиля.

В западной культуре одно из самых ранних поселений с постоянными постройками было обнаружено в Чатал-Хююке в Турции (на фото ниже). Богатая почва, окружающая поселение, указывает на то, что жители частично полагались на сельское хозяйство. Датируемые примерно 7500 годом до нашей эры, жилища построены из высушенной глины и кирпича и имеют деревянные опорные балки, перекрывающие потолки. Планировка поселения представляет собой ячеистую структуру небольших зданий, которые либо имеют общие стены, либо разделены несколькими футами.Крыши плоские и служили проходами между зданиями.

Реставрация интерьера, Чатал-Хоюк, Турция. Изображение под лицензией Creative Commons.

Значительный прогресс произошел с разработкой системы стоек и перемычек . При этом система столбов - каменных или деревянных - размещается с интервалами и перекрывается балками на вершинах. Нагрузка распределяется по стойкам, чтобы между ними оставалось свободное пространство. Самое раннее его использование встречается в Стоунхендж (ниже), доисторическом памятнике на юге Англии, датируемом примерно 3000 годом до нашей эры.

Стоунхендж, графство Уилтшир, Англия. Изображение: Дэвид Болл. Изображение под лицензией Creative Commons.

Поддержка Post и Lintel в современном использовании. Изображение Кристофера Гилдо. Используется с разрешения.

Колоннада продолжает метод столбов и перемычек в виде серии колонн и балок, охватывающих большие площади пространства. Колоннады могут быть отдельно стоящими или частью более крупного сооружения. Распространенные в египетском, греческом и римском архитектурном дизайне, их использование создает визуальный ритм и создает ощущение величия.Со временем столбцы стали классифицироваться по стилю прописной буквы в верхней части. Гладкие и неукрашенные колонны дорического ордера уступают место более сложным стилям: завитки Ionian и горельефы Corinthian .

Греческие и римские капители: Верхний ряд: дорический. Средний ряд: ионный. Нижний ряд: коринфский и композитный ионический коринфский. Классические ордена, гравюра из Энциклопедии т. 18. Общественное достояние.

Парфенон, греческий храм мифической богини Афины, был построен в пятом веке до нашей эры в Афинах и является частью более крупного сообщества сооружений в Акрополе.Все они считаются вершинами классической греческой архитектуры. Дорические колоннады проходят через все стороны Парфенона, внешней границы очень упорядоченного внутреннего плана этажа.

Парфенон, Афины, Греция. 447 г. до н. Э. Цифровое изображение Kallistos под лицензией Creative Commons

.

План Парфенона. Лицензировано Creative Commons.

Другой пример - колоннада, окружающая площадь Святого Петра в Ватикане, Рим.

Джан Лоренцо Бернини, Колоннада на площади Святого Петра, Ватикан. 1656–67. Фото Д.Ф. Малан. Лицензировано Creative Commons.

Колоннада также является частью нашего современного окружения. Парки и другие общественные места используют их с тем же эффектом: обеспечивая визуальную и материальную стабильность на больших участках открытого пространства.

Современная колоннада. Изображение: Кристофер Гилдоу. Используется с разрешения.

Развитие арки арки дало архитектуре новые альтернативы конструкции столбов и перемычек.Арки появились еще во II тысячелетии до нашей эры в кирпичной архитектуре Месопотамии. Они придают стенам прочность и устойчивость без массивных столбов и балок, поскольку их конструкция сводит к минимуму прилагаемую к ним поперечную нагрузку. Это означало, что стены могли подниматься выше без ущерба для их устойчивости и в то же время создавать большие площади открытого пространства между арками. Кроме того, арка придавала зданиям более органичный, выразительный визуальный элемент. Колизей в Риме (внизу), построенный в первом веке нашей эры, использует повторяющиеся арки, чтобы определить внушительное, но явно воздушное сооружение.Тот факт, что большая его часть все еще стоит сегодня, свидетельствует о внутренней прочности арки.

Колизей, Рим, Италия. Первый век н.э. Фото Дэвида Илиффа. Изображение под лицензией Creative Commons.

Римские акведуки - еще один пример того, насколько эффективно использовалась арка. Высокие и изящные арки поддерживают себя в виде колоннады и использовались для транспортировки сети водных каналов по всему Древнему Риму.

Римский акведук, ок. Первый век н.э.Изображение в открытом доступе.

Из арки произошли еще два важных события: расширение арки в линейном направлении образовало свод , заключающий в себе высокие узкие пространства с перевернутыми U-образными потолками. Сила сжатия свода требовала толстых стен с каждой стороны, чтобы предотвратить его обрушение. Из-за этого многие хранилища были расположены под землей - по сути, туннели - соединяли области более крупного здания или обеспечивали крытый транспорт людей, товаров и материалов по всему городу.

Арка, повернутая вокруг своей вертикальной оси, образует купол с изогнутым органическим ковшом пространства, отведенным для верхних частей наиболее важных зданий. Пантеон в Риме имеет купол с окулом - круглым или эллиптическим отверстием наверху, которое является единственным источником света для массивного здания.

Купол Пантеона с окулом, Рим. 126 г. н.э. Изображение в открытом доступе.

Эти элементы объединились, чтобы произвести революцию в архитектурном дизайне по всей Европе и на Ближнем Востоке в виде более крупных и сильных церквей, мечетей и даже зданий сектантского правительства.Стили меняются вместе с технологиями. Романская архитектура была популярна почти триста лет (800 - 1100 гг. Н. Э.). Для этого стиля характерны цилиндрические или паховые сводчатые потолки, толстые стены с низкими внешними контрфорсами и квадратные башни. Здания достигли точки, когда они изо всех сил пытались выдержать собственный вес. Архитектурным решением проблемы стал аркбутан , , , , внешняя несущая колонна, соединенная с основной конструкцией сегментированной аркой или «флаером».”

Схема аркбутана базилики Сен-Дени в Париже. Из Словаря французской архитектуры 11–16 веков (1856 г.), лицензировано Creative Commons.

«Летающие контрфорсы» стали своего рода экзоскелетами, которые переносили тяжелый вес каменных крыш в романском стиле через арки в землю вдали от здания. Они стали катализаторами стиля Gothic , основанного на более высоких, более тонких стенах, остроконечных арках, ребристых сводах и башнях со шпилями.Кроме того, более тонкие стены в готическом стиле позволили увеличить количество витражей и внутреннего освещения.

Церковь Сен-Дени, Франция. VII – XII вв. Н. Э. Изображение в свободном доступе

Базилика Сен-Дени во Франции (вверху) - одна из первых церквей в готическом стиле, известная своими высокими сводчатыми потолками и широким использованием витражей. Архитектура церкви стала символом самой духовности: высокие высоты, великолепно украшенные интерьеры и экстерьеры, продуманное освещение и абсолютное величие в огромных масштабах.

Дворец дожей в Венеции, Италия (на фото ниже) на протяжении тысячи лет был местом проживания политической аристократии Венецианской республики. Построенный в 1309 году н.э., его ритмичные уровни колонн и заостренных арок, разделенных фракталами по мере их подъема, уступают место сложным геометрическим узорам на фасаде из розового кирпича. Орнаментальные дополнения на верхнем крае усиливают рисунок ниже.

Дворец дожей, 1309 г. н.э., вид со стороны площади Сан-Марко, Венеция, Италия. Изображение Марти Мустонен, лицензия Creative Commons.

ИМПЕРСКАЯ АРХИТЕКТУРА В КИТАЕ

Китайская архитектура относится к стилю архитектуры, который формировался в Восточной Азии на протяжении многих веков. Структурные принципы традиционной китайской архитектуры остались в основном неизменными. Китайский архитектурный (и эстетический) дизайн основан на симметрии, с акцентом на горизонтальную планировку и расположение объектов, которые отражают иерархию важности. Эти соображения приводят к формальным и стилистическим отличиям по сравнению с Западом и отображают альтернативы в дизайне.

Ворота высшей гармонии, Запретный город, Пекин, Китай. Фото предоставлено Эндрю и Аннемари, изображение предоставлено лицензией Creative Commons

МЕЖКУЛЬТУРНОЕ ВЛИЯНИЕ

По мере расширения сухопутных и морских торговых путей между восточными и западными цивилизациями росло влияние культурных стилей в архитектуре, религии и торговле. Самым важным из этих переходов был Шелковый путь, система маршрутов, которая развивалась на протяжении сотен лет через европейский и азиатский континенты.Вдоль этого маршрута расположены здания, в дизайне которых прослеживается межкультурное влияние.

Купол Скалы в Иерусалиме представляет собой проявление различных культурных влияний в одном здании: классическая греческая колоннада у главного входа, золотой купол и центральная башня, поддерживающая его, арки в западном стиле и красочные исламские украшения поверхности.

Купол Скалы на Храмовой горе в Старом городе Иерусалима, фото предоставлено Эндрю Шивой, изображение предоставлено Creative Commons

Дворец Лувр в Париже, некогда официальная королевская резиденция, а ныне один из крупнейших музеев мира, был основан в XII веке, но не достиг своего нынешнего вида до недавнего времени.Стиль здания - французский ренессанс, отличающийся формальной симметрией, горизонтальной стабильностью и сдержанным орнаментом. Правление Лувра выбрало дизайн стеклянной пирамиды архитектора И.М. Пея в качестве определяющего элемента для нового главного входа в 1989 году. Выбор оказался большим успехом: пирамида дополнительно определяет общественное пространство над землей и дает естественный свет и ощущение открытости для подземный вестибюль под ним.

ПРОМЫШЛЕННАЯ РЕВОЛЮЦИЯ

Начиная с 18 века промышленная революция внесла фундаментальные изменения в сельское хозяйство, производство, транспорт и жилищный сектор.Архитектура изменилась в ответ на новый индустриальный ландшафт. До конца 19 века вес многоэтажного здания должен был поддерживаться в основном прочностью его стен. Чем выше здание, тем больше нагрузка на нижние секции. Поскольку существовали четкие инженерные ограничения на вес, который могли выдержать такие несущие стены, большие конструкции означали массивно толстые стены на первых этажах и определенные ограничения по высоте здания.

Эйфелева башня, начало строительства второй очереди, май 1888 г.Изображение в свободном доступе

Кованое железо и фрезерованная сталь стали заменять дерево, кирпич и камень в качестве основных материалов для больших зданий. Это изменение заключено в Эйфелевой башне, построенной в 1889 году. Стоящая на четырех огромных арочных опорах, башня из железной решетки поднимается на высоту чуть более 1000 футов. Эйфелева башня стала иконой не только для Франции, но и для самой промышленности - знаменуя новую эру материалов, дизайна и методов строительства.

В Америке разработка дешевой и универсальной стали во второй половине XIX века помогла изменить городской ландшафт.Страна была в разгаре быстрого социально-экономического роста, который открывал большие возможности для архитектурного дизайна. Формировалось гораздо более урбанизированное общество, и общество требовало новых, больших зданий. К середине 19-го века центральные районы больших городов начали преобразовываться с новыми дорогами и зданиями, чтобы приспособиться к росту. Массовое производство стали было основной движущей силой строительства небоскребов в середине 1880-х годов.

Стальной каркас был установлен в фундаменты из железобетона, бетона, залитого вокруг сетки из стальных стержней (арматуры) или других матриц для увеличения прочности на растяжение в фундаментах, колоннах и вертикальных плитах.

МОДЕРНИСТИЧЕСКАЯ АРХИТЕКТУРА

Переход к модернизму был дан с открытием школы Баухаус в Веймарской Германии. Основанный в 1919 году немецким архитектором Вальтером Гропиусом, Баухаус (дословный перевод «дом строительства») был учебным центром современного промышленного и архитектурного дизайна. Хотя сами по себе это не движение или стиль, преподаватели и персонал Баухауза отражали различные художественные точки зрения, все они родились из современной эстетики. Отчасти это был продукт поиска новых художественных определений в Европе после Первой мировой войны.Приверженность Гропиуса принципу объединения всех искусств с упором на практическое, утилитарное применение. Эта точка зрения отвергала понятие «искусство ради искусства», уделяя особое внимание знанию материалов и их эффективному дизайну. Эта идея показывает влияние конструктивизма, аналогичной философии, развивающейся одновременно в России, которая использовала искусство в социальных целях. Баухаус просуществовал четырнадцать лет, трижды переезжал и оказал влияние на целое поколение архитекторов, художников, графических и промышленных дизайнеров и типографов.

В 1924 году Гропиус спроектировал главное здание Баухауза в Дессау. Его современная форма включает смелые линии, асимметричный баланс и стеклянные витражи. Он окрашен в нейтральные тона белого и серого цветов с акцентом на яркие основные цвета на некоторых дверях.

Баухаус в Дессау, Германия, 1925-26 годы, изображение в общественном достоянии

Фрэнк Ллойд Райт считается одним из величайших архитекторов 20 века. Райт проектировал здания, церкви, дома и школы, но наиболее известен своим дизайном Falling Water, дома в сельской местности Пенсильвании для владельца универмага Чикаго Эдгара Кауфмана.Его дизайнерские инновации включают унифицированные открытые планы этажей, баланс традиционных и современных материалов и использование консольных форм, которые расширяют горизонтальный баланс.

Музей Гуггенхайма в Нью-Йорке является примером заботы Райта об органических формах и использовании пространства. Основным элементом конструкции является спиралевидная форма, поднимающаяся из середины консольной основной конструкции. На его изогнутых стенах выставлены картины. Посетители поднимаются на лифте на верхний этаж и осматривают работы, спускаясь по пологому холлу.Эта спираль окружает большой атриум в центре здания и куполообразный световой люк наверху.

Атриум, Музей Соломона Р. Гуггенхайма, Манхэттен, Нью-Йорк, 1959, изображение в общественном достоянии

СОВРЕМЕННАЯ И СОВРЕМЕННАЯ АРХИТЕКТУРА

Постмодернистская архитектура зародилась как международный стиль, первые образцы которого обычно упоминаются как относящиеся к 1950-м годам, но не превратились в движение до конца 1970-х годов и продолжают влиять на современную архитектуру.Обычно считается, что постмодерн в архитектуре предвещает возвращение в архитектуру «остроумия, орнамента и ссылки» в ответ на формализм международного стиля.

Портлендское здание Майкла Грейвса 1982 года воплощает идею постмодернистской мысли. Отсылка к более традиционному стилю очевидна в узорчатых секциях в виде столбцов. Открытые крупномасштабные декоративные элементы встроены в наружные стены и на них, а контрасты между материалами, цветами и формами придают зданию графическое ощущение визуального остроумия.

Мы можем видеть, как архитектура активно развивается в современных работах Фрэнка Гери и Захи Хадид. Работы Гери славятся катящимися и гнутыми органическими формами. Его жесткие, беспорядочные эскизы превращаются в здания с помощью процесса автоматизированного проектирования (САПР). Они уходят корнями в постмодернизм, но склоняются к совершенно новому современному стилю. Они имеют такое же отношение к скульптуре, как и к архитектуре. Музей поп-культуры Сиэтла является примером сложности его проектов.Его изгибы, рябь и складки движутся по пространству, а разноцветные титановые панели, украшающие экстерьер, подчеркивают этот эффект.

ЗЕЛЕНАЯ АРХИТЕКТУРА

В последнее десятилетие проявился сильный интерес к разработке «зеленой» архитектуры - проектов, включающих экологически и экологически устойчивые методы подготовки площадок, материалов, использования энергии и систем утилизации отходов. Некоторые из них просты: здания, ориентированные на юг или запад, помогают с пассивным солнечным отоплением.Другие более сложны: солнечные гальванические элементы на крыше для выработки электроэнергии в здании. Зеленые крыши сделаны из дерна и других органических материалов и действуют как охлаждающий агент, а также перерабатывают дождевую воду. Кроме того, технологические инновации в системах освещения, отопления и охлаждения сделали их более эффективными.

Филиал Публичной библиотеки Сиэтла использует зеленый дизайн. Стеклянная ненесущая стена на северной стороне обеспечивает естественное освещение. Свисающие деревянные балки крыши оттеняют резкий свет.Вся структура укрыта под зеленой крышей из дерна и более 18 000 растений с низким потреблением воды. Семь световых люков на крыше обеспечивают более естественное освещение.

Архитектор или художник или и то, и другое? Ведущие мультидисциплинарные создатели мира

Ле Корбюзье, Ozon II, 1962.

Автор: Тори Кэмпбелл

Архитектор как художник

Неудивительно, что успешные архитекторы разбираются в цвете, форме, текстуре и пространстве. Тем не менее, некоторые из самых плодовитых архитекторов в истории значительно превзошли эти ожидания и стали выдающимися художниками-визуалами сами по себе.От дизайна мебели до скульптуры, от живописи до коллажа; исследуйте работу архитекторов, которые вышли за пределы спроектированных ими зданий и попали в мастерскую художников, чтобы создать интересные и заставляющие задуматься произведения изобразительного искусства.

Ле Корбюзье

Вилла Савойя Ле Корбюзье, 1929.

Шарль-Эдуард Жаннере, более известный как Ле Корбюзье, неоднозначный отец модернистской архитектуры, познакомился с художницей-кубистом Амеде Озенфан после переезда в Париж в 1918 году.Художник поощрял молодого архитектора к рисованию, и вместе они стремились основать новое художественное направление: пуризм. Ле Корбюзье создавал изобразительное искусство на протяжении многих десятилетий; использование ярких цветов и акцент на геометрии обыденных предметов для создания картин и скульптур, вдохновленных окружающей его средой. Хотя эти художественные набеги несомненно повлияли на его архитектурный стиль, а также потенциально на его выбор материалов и текстур; Ле Корбюзье - один из немногих архитекторов, представленных здесь, которые создавали не с единственной целью ускорить свой архитектурный процесс, а скорее для радости самих медиумов.

Ле Корбюзье, Nature morte et figure, 44,75 x 57,25 дюйма, 1944 г. . Ле Корбюзье, Deux Femmes A La Draperie Jaune, 35 x 51 дюйм, 1937.

Фрэнк Ллойд Райт

Падающая вода Фрэнка Ллойда Райта, Милл-Ран, Пеннислвания, 1964.

Глядя на архитектурные эскизы Фрэнка Ллойда Райта, светящиеся акварели, которые ясно излучают обещание предлагаемого здания, никто никогда не удивится, что он также был опытным художником.Однако отец американского архитектурного движения Prairie School Movement часто не стоял за этими работами; вместо этого они были составлены Мэрион Махони Гриффин, архитектором из фирмы Райта и первой женщиной-архитектором в Иллинойсе. Несмотря на эту неправильную атрибуцию, Фрэнк Ллойд Райт, несомненно, оставался мастером-художником; составлял планы мебели и декоративно-прикладного искусства, которые украшали его дома. Его самобытный стиль и скрупулезное внимание к деталям привели к созданию стилета Прерийской школы; предоставление стране нового декоративного жаргона, уникального для Среднего Запада Америки.

Фрэнк Ллойд Райт, Liberty Magazine Cover , 1926-1927.

Людвиг Мис ван дер Роэ

Павильон Людвига Миса ван дер Роэ в Барселоне, Барселона, Испания, 1928 год.

Начав свою карьеру, работая в мастерской резьбы по камню своего отца, архитектор-модернист Людвиг Мис ван дер Роэ может вернуться к этому моменту. После непродолжительной работы над заказами и перед своим легендарным дизайном немецкого павильона для выставки в Барселоне в 1929 году ван дер Роэ и его друзья-дадаисты основали G: Material zur Elementaren Gestaltung (переведено - G: Материалы для создания элементарных форм) ) журнал, полный модернистских коллажей и рисунков.В этом журнале были представлены несколько коллажей ван дер Роэ, среда, которую архитектор использовал для размышлений о форме, фактуре, материальности и пространстве для своих архитектурных творений. Эти коллажи демонстрируют сдержанность и композицию, присущую бывшему директору Баухауза. Хотя на первый взгляд работы кажутся просто архитектурным воспроизведением его модернистских интерьеров; Сила этих произведений, как и его архитектурных шедевров, заключается в том, что осталось без внимания.

Мис ван дер Роэ, Вид на гостиную через южную стеклянную стену строящегося жилого дома Resor House (Джексон-Хоул, Вайоминг) , 1937–1941, Мис ван дер Роэ, Внутренняя перспектива Конференц-зала в Чикаго. Иллинойс, , 1952–54.

Фрэнк Гери

Концертный зал Уолта Диснея Фрэнка Гери в центре Лос-Анджелеса, 2003 год.

Наиболее известен своими зданиями в стиле ртути, такими как Музей Гуггенхайма в Бильбао, Испания и Концертный зал Уолта Диснея в центре Лос-Анджелеса; Американский архитектор Фрэнк Гери на протяжении десятилетий привносил свою динамичную и закрученную архитектуру в дизайн скульптуры и мебели. Большая часть его небольших работ сосредоточена на рыбных мотивах. Вдохновленный интересом современников к греческим храмам, Гери погрузился в историю, чтобы достичь момента, когда человек еще не существовал.По своим наброскам рыб он затем создал серию Fish Lamps в середине 1980-х, исследуя форму своего предмета. Оттуда он принял свою позицию архитектора как художника, когда он создал огромную скульптуру рыбы шириной 56 метров и высотой 45 метров для Барселоны, где в 1992 году проходила олимпийская церемония, в качестве жемчужины недавно возрожденного района Ла Вилла Олимпика дель Побленоу. В 2012 году Фрэнк Гери снова вернулся к своим Fish Lamps , создавая более смелые и крупные изделия, глубоко укоренившиеся в его первоначальном вдохновении.

Фрэнк Гери, ламп с рыбками, ColorCore и смешанная техника, 2012 г.
Предоставлено Фрэнком Гери Фрэнк Гери, Fish Sculpture, La Villa Olimpica del Poblenou, 56 м x 45 м, 1989–1992.

Заха Хадид

Центр Гейдара Алиева Захи Хадид в Азербайджане, 2012.

Еще будучи студенткой архитектурного факультета, Заха Хадид начала использовать живопись в своем творческом процессе, экспериментируя со средой как источником вдохновения и помогая в реализации ее построек. формы.Несмотря на то, что Хадид использовала эту среду на протяжении всей своей карьеры, она никогда не считала себя архитектором как художником; она считала, что ее абстрактные полотна были просто инструментом для ее архитектурных изысканий. Таким образом, ее произведения часто озаглавлены конкретным зданием, городским вмешательством или районом, который она пыталась слепить; с острыми осколками абстрактных темных форм, двухмерная форма, которая кажется почти бесконечной, - все это включает архитектурные формы, которые она в конечном итоге воплотит в трехмерном мире.

Заха Хадид, Grand Buildings Trafalgar Square 1985.
Предоставлено Захой Хадид. Заха Хадид, Пик , 1983.
Предоставлено Захой Хадид.

Сантьяго Калатрава

Город искусств и наук Сантьяго Калатрава в Валенсии, Испания, 2005.

Швейцарско-испанский архитектор Сантьяго Калатрава Валлс известен своими белоснежными архитектурными произведениями: мостами, поддерживаемыми одиночными пилонами, музеями и оперными театрами, консольно нависающими над телами зданий. вода и массивная железнодорожная станция PATH в Нью-Йорке The Oculus - все скульптурные конструкции, напоминающие биологические образцы.В дополнение к своей архитектуре, вдохновленной природой, Калатрава также является скульптором и художником, причем бывший медиум сильно информирует и влияет на его архитектурный процесс. Фактически, некоторые из его построек, такие как Turning Torso, найденный в Мальмё, Швеция, изначально задумывались как скульптуры. Художественные произведения Сантьяго Калатравы широко выставлялись на протяжении всей его карьеры, от Музея искусств Метрополитен в Нью-Йорке до Музея Ватикана в Риме.

Сантьяго Калатрава, Eye, 1994.Сантьяго Калатрава, Musical Star 1, 1994.

Соответствующие источники, чтобы узнать больше

Узнайте больше об архитектуре с нашим профилем Ричарда Роджерса или нашим обзором некоторых из самых противоречивых архитектур всех времен
Узнайте больше из Коллажи Миса ван дер Роэ
Или взгляните на картины Захи Хадид
Или ознакомьтесь с художественными работами Ле Корбуизер

Подробнее

Считается ли архитектура по-прежнему искусством?

Это часть проекта AD PRO Designer Takeover, в ходе которого работающие дизайнеры публикуют истории для сайта.Здесь Майкл Дж. Имбер пишет повествование, в котором исследует меняющуюся роль искусства в архитектурном процессе.

Поскольку в профессии архитектора все больше доминируют программы, которые создают здания с помощью алгоритмов, а архитектурные школы закрывают студии рисования, я начинаю задаваться вопросом, становится ли архитектор как художник романтическим представлением о прошлом, и если архитектор как художник мы всегда знали, что его (или ее) скоро больше не будет.

В прошлом архитекторов всегда считали выдающимися художниками, визуализирующими воображаемые здания и места глубоко в укромных уголках своего воображения и дразнящими их краской или карандашом.Только после этого они могли начать трудоемкий процесс рисования того, как здание можно собрать и воплотить в жизнь посредством тщательного сотрудничества с мастерами и родственными художниками. Они опирались на свой визуальный опыт, знания о человеческой природе и понимание физики, чтобы воплотить в жизнь чудесные места: места, которые повлияли не только на то, как мы прожили нашу повседневную жизнь, но и на само развитие нашей культуры - и, в конечном итоге, на нашу цивилизацию.

План реставрации замка Витре, 1870 год, автор Л. Дарси, тушь и акварель, Fancie, XIX век.Витре, Musée Du Château De Vitré (Художественный музей)

(Фото ДеАгостини / Getty Images)

Чтобы стать архитектором, нужно было на протяжении всей жизни изучать как нашу искусственную, так и природную среду посредством рисования и живописи. Вот как прошлые поколения познали мир - увидев их руками. Рисуя древности, они видели прошлое, а рисовая пейзажи понимали красоту мира природы. Известный искусствовед Джон Раскин однажды сказал: «Нарисовать лист - значит познать лес», потому что без рисования не было бы понимания.Создание нашей искусственной среды было не просто теоретическим; Рисуя окружающую среду, мы пришли к пониманию нашего мира посредством эмпирического процесса - через наблюдение и опыт.

Рисунок для архитектора был другим языком. Тысячи часов набросков давали доступ к глубочайшим сложностям ума, где идеи мгновенно перетекали из руки на бумагу, без обдумывания интерпретации - от воображения к воплощению без препятствий.

Сегодня архитектурный офис - это сцена мерцающих экранов и гудящих компьютеров, бесконечно энергичных инструментов для создания зданий.Тем не менее, поскольку технологии помогают прогрессу и эффективности строительства, молодые дипломированные архитекторы, умеющие рисовать, в сегодняшней студии - редкость. Если мы отдаемся машинам, сможем ли мы и дальше понимать природу? Можем ли мы знать историю и культуру, и можем ли мы действительно понять человечество через строительство? Архитектура по-прежнему искусство?

На пересечении архитектуры и искусства: находя красоту в зданиях | Мыслительное лидерство

Хотя большая часть архитектуры в мире может в первую очередь уделять приоритетное внимание функциям, отличная архитектура объединяет функции с формой для создания пространств, которые не только функциональны, но и визуально привлекательны.Искусство - это то, что позволяет людям рассказать историю или эмоционально привязаться; интерпретировать его значение. Искусство перекликается с творчеством и воображением художника. Хорошая архитектура делает то же самое, но также должна соответствовать основным требованиям к функционирующему безопасному зданию. Задача, которую решают все архитекторы, - создать функциональных арт.

Форма следует за функцией… Или нет?

Архитектор Луи Салливан придумал фразу «Форма следует за функцией», означающую, что цель здания должна быть отправной точкой, а внешний вид здания следует рассматривать как второстепенное.Многие архитекторы в последующие годы относились к этому как к золотому правилу, и хотя в этом, безусловно, есть добрые намерения, мы считаем, что не менее важно учитывать эстетику здания в сочетании с его функцией.

Красивые здания зависят не только от формы; выбор материала также может стать смелым творческим заявлением.

Материалы, которые отдают дань уважения местной промышленности, цветам, преобладающим в этой области, или даже региональным породам деревьев, помогают создать связь между структурой и сообществом, которое она обслуживает.В Frontier Project на Ранчо Кукамонга, Калифорния, регион известен своим винным производством. Винодельни пытались избавиться от чанов для вина, которые были сделаны из красивого красного дерева, поэтому мы работали с городскими и местными винодельнями, чтобы включить этот переработанный материал в дизайн.

Хотя, безусловно, важно, чтобы здание хорошо функционировало и отвечало потребностям клиента и жильцов в этом отношении, все, что нужно, - это немного творческого мышления, чтобы найти области, где у нас есть возможность создавать искусство в рамках общего дизайна здания.Практические потребности, такие как окна, освещение и отделка, могут легко дать дизайнеру возможность создать что-то красивое. Нельзя сбрасывать со счетов простое удовольствие от созерцания красивого здания.

Арт это Обсуждение

Архитектура всегда разделяла размытую границу с искусством. Возможно, это не такая чистая форма искусства, как скульптура, но, помимо того, что она функционирует как занимаемое пространство, она еще должна вдохновлять и оказывать эмоциональное воздействие. Вы не можете просто отключить это.Искусство в обсуждении. Подумайте о музее - основная цель или цель дизайна - создать фон для самого искусства. Если архитектура не поддерживает потребности здания, искусство явно отделяется от самой архитектуры.

Помимо скульптурного качества здания, многие объекты придают большое значение искусству. Например, во всех больницах есть художественные программы. Это устройство, помогающее людям общаться с природой. Искусство имеет дополнительное измерение, помогающее людям расслабиться и сосредоточиться, когда они больны.В Kaiser Permanente в Ла-Хабре, Калифорния, мы работали с городом, чтобы создать скульптуру перед зданием. Мы хотели, чтобы ландшафтный дизайн заинтересовал сообщество, и он оказался эффективным из-за этой преднамеренной общественной зоны.

Добавка и интегрированное искусство

Есть два способа создать возможности для сосуществования искусства и архитектуры в одном проекте. Первый - это аддитивное искусство, то есть произведение искусства появляется после того, как проект завершен. Лучше всего это делать на этапах планирования, когда клиент может пригласить консультанта по искусству, чтобы обсудить возможности добавления искусства в пространство.Глухие стены для подвешивания холстов, сводчатые пространства для скульптур или эффектных осветительных приборов, или даже внешние стены, которые могут отлично подойти для настенной росписи, - вот лишь несколько примеров. В этой тактике архитектура создает пространство для искусства.

Художники хотели знать, «какие стены у них могут быть». Однако сейчас все больше и больше художников начинают говорить о таких вещах, как объем пространства, его масштабирование в соответствии с искусством, звуки людей, идущих по пространству, и то, как это будет связано с людьми.Они осознают, как люди физически и эмоционально перемещаются в пространстве. Они рассматривают такие сценарии, как если пассажиры находятся в состоянии сильного стресса, ищут, что отвлечься, пока ждут, или если они заботятся о детях.

Второй подход - комплексный. Это абсолютно необходимо делать на ранних этапах, поскольку искусство является частью самой архитектуры. Например, в структуре парковки медицинского кампуса Мартина Лютера Кинга младшего в Уиллоубруке, штат Калифорния, был нанят художник, чтобы сделать инсталляцию, которая была главной особенностью фасада.Тысячи окрашенных алюминиевых панелей говорят об истории и сообществе, а также создают стандарт общественного искусства в кампусе. В лучшем проекте архитектура может поддерживать искусство, и наоборот.

Взгляд в будущее

Если смотреть в будущее, то влияние, которое технологии и искусство окажут на профессию архитектора, имеет неописуемый потенциал. Виртуальная реальность (VR) и дополненная реальность (AR) открывают двери для создания художественного опыта в местах, которые в противном случае не смогли бы вместить искусство.Например, в медицинских учреждениях действуют строгие правила в отношении стерильной среды, а сейсмические нормы часто затрудняют установку тяжелых скульптур. Используя VR и AR, можно поднять смартфон и увидеть цифровое искусство в космосе. Это хорошее отвлечение и отличный вариант для улучшения обстановки, если у клиента нет бюджета на искусство или его возможности ограничены функцией здания.

Искусство и архитектура - какая связь?

Найдите здесь выбор «Архитектурные и абстрактные».



Работа с архитектурным предметом дает захватывающую динамику; как бы свободно ни текла картина и как бы я ни приближался к абстракции, за этим следует убедительное присутствие лежащей в основе геометрии и логики.(Мартин Гулд)

Визуальное искусство всегда черпало вдохновение в архитектуре; Вы можете найти итальянские фрески, датируемые I веком до нашей эры, которые имитируют мраморные колонны зданий. Среди известных художников и архитекторов Микеланджело, создавший одни из самых влиятельных фресок и скульптур в истории западного искусства, также спроектировал базилику Святого Петра. Джованни Баттиста Пиранези, возможно, наиболее известен своими гравюрами с изображением Италии, но он также работал в Magistrato delle Acque , организации, ответственной за проектирование и восстановление исторических зданий страны, а в 1766 году Пиранези создал проект лондонского моста Блэкфрайарс. .

Диана Шелдон,
Церковь Санта-Мария-делла-Салюте, Венеция

Более поздние деятели, такие как Антони Гауди и Ле Корбюзье, еще больше подчеркнули пересечения между искусством и архитектурой; немногие из нас могли с уверенностью отделить художественные элементы от архитектурных элементов богато декорированного собора Sagrada Familia Гауди или Notre Dame du Haut Ле Корбюзье. Близость этой связи менее удивительна, если учесть, что Королевский институт британских архитекторов реклассифицировал архитектуру как науку только в 1958 году, до этого предмет преимущественно преподавался в художественных школах.

Мириам Эскофет,
Храм

Mall Galleries последняя подборка на Buy Art | Buy Now демонстрирует, как современные художники отражают этот многовековой альянс. Architectural vs Abstract В представлены работы знаменитых художников, таких как лауреат премии Анри Роша 2018 года Мартин Гулд; трехкратный обладатель премии Lynn Painter-Stainers Prize Питер Клоссик; Участники выставки FBA Futures 2018 Гейл Серес-Вулфсон и Сара Спенсер NEAC. Спенсер рассматривает архитектурные элементы в живописи как «средство для игры со светом и тенью»; «здания фильтруют, отражают и поглощают атмосферный свет», - говорит она.Солнечный свет в картине Спенсера Il Convente Dei Carmine , хотя и невидимый, занимает центральное место в работе. Другой художник, интересующийся архитектурой эпохи Возрождения, - Диана Шелдон: «Я люблю классические архитектурные детали и изображаю здания с необычной точки зрения», - говорит она, «особенно в Италии, где вы обнаруживаете особый контраст света и тени, который особенно полезен».

Martin Goold,
Torre Apponale

В то время как многие из наших художников создают точные изображения архитектурных сооружений, другие используют архитектуру как трамплин для абстракции.Гейл Серес-Вулфон увлеклась городским пейзажем во время обучения в Художественной академии в Лондоне. Ее работы в этой подборке, Urban Suspension и Girl Walking , исследуют, как человек создает мегаполис и взаимодействует с ним. Urban Suspension деконструирует урбанизм, представляя хаотическое собрание абстрактных материалов, где появляющиеся формы предполагают потенциал будущего порядка, дизайна и строительства.

Мои картины исследуют опыт передвижения по городу и ритмы, пространство и архитектуру вокруг меня.Посредством процесса наслоения и абстракции, наблюдения и переосмысления я создаю среду со сталкивающимися плоскостями, иллюзорной глубиной и танцующими линиями, живую вертикалями, углами и возможностью встречи. (Гейл Серес-Вулфсон)

Дэн Райс заявил, что «существует три формы визуального искусства: живопись - это искусство, на которое можно смотреть, скульптура - это искусство, вокруг которого вы ходите, а архитектура - это искусство, через которое вы можете пройти». Девушка идет пешком иронизирует это упрощенное различие; это двухмерная городская сцена, которая приближается к трехмерности, в которой женская фигура, кажется, вот-вот выходит из композиции.Художник заставляет нас задуматься о том, можно ли определить архитектуру по ее функциональности: способности человека «пройти сквозь нее». Станет ли работа менее архитектурной, если «идущая девушка» исчезнет из поля зрения? Даже в названии « Девушка идет пешком» подчеркивает это напряжение между зрителем и человеком, зрелищем и окружающей средой, художественным и архитектурным дизайном.

Гейл Серес-Вулфсон,
Девушка идет пешком

Это захватывающая идея, над которой стоит задуматься, и именно поэтому торговые центры покупают произведения искусства | Buy Now идеально расположен, так как он имеет доступ к такому разнообразию художественных стилей и предметов.Взгляните на Architectural vs Abstract и подумайте, как каждый художник представляет тонко различную динамику между индивидуумом, искусством и архитектурой, поскольку они приглашают вас творчески взглянуть, прогуляться и пройтись по их конструкциям.



Найдите здесь выбор между архитектурными и абстрактными объектами

Ставя под сомнение эстетику: архитектура как форма искусства

С тех пор, как была определена современная архитектура, в мире искусства и архитектуры ведутся споры о том, является ли архитектура искусством или просто созданием прочной структуры на благо общества.Чтобы пролить свет на дебаты, сначала нужно дать определение понятию «искусство», которое было проблемой со времен Древней Греции. Короче говоря, искусство - это человеческая деятельность по созданию визуальных, слуховых или исполнительских артефактов или произведений искусства. Благодаря художественному творчеству художник находит возможность выразить свои эмоции и идею эстетики наряду со своим воображением, а также выразить творческие или технические навыки. Однако американский музыкант Фрэнк Заппа выражается проще: «Искусство делает что-то из ничего и продает это.«С другой стороны, архитектура определяется как процесс планирования, проектирования и строительства зданий и других физических структур.

Учитывая эти два определения, вероятно, легко сказать, что архитектура предназначена не только для глаз, но и для общественной пользы. общества, поскольку она обеспечивает убежище или используется для благополучия более чем одного человека. Помимо этого, архитектура также считается наукой с ее участием в математике и логике. Большинство людей, которые утверждают, что архитектура - это не искусство утверждают, что художники создают свои работы, не учитывая их полезность.Они также говорят, что здания и другие архитектурные сооружения должны служить потребностям других, подчеркивая функциональные цели архитектуры.

В 2014 году Патрик Шумахер, директор Zaha Hadid Architects, попытался положить конец спорам о том, является ли архитектура формой искусства. В своем сообщении на Facebook Шумахер сказал: «Архитекторы несут ответственность за ФОРМУ построенной среды, а не за ее содержание… Архитектура - это не искусство для искусства. Архитектура - это НЕ ИСКУССТВО, хотя ФОРМА - это наш конкретный вклад в развитие. эволюция мирового сообщества.Британский архитектор иракского происхождения Заха Хадид заявила, что архитектура не является для нее средством самовыражения после того, как она получила Королевскую золотую медаль Королевского института британских архитекторов.

Несмотря на комментарии некоторых лучших архитекторов мира, архитектура студенты университетов продолжают считать себя художниками. Многие архитекторы по всему миру проводят выставки, демонстрируя свои проекты с помощью фотографий или 3D-моделей. В статье по этому вопросу Эдвард Уордер Раннелс утверждает, что архитектуру следует изучать как вид искусства, отмечая: «Прежде всего, мы рассматриваем архитектуру как форму искусства, материальную реализацию художественных концепций и целей, как в случае с другими формами искусства, такими как скульптура и живопись, или, если на то пошло, поэзия и музыка."

С моей скромной точки зрения, архитектура - это форма искусства, особенно в то время, когда все формы искусства переходные, а определения расплывчаты. Хотя главная забота архитектуры - форма и полезность, определенные архитектурные сооружения во всем мире не просто служат на благо общества, но также играют с эстетическими представлениями людей. Хотя архитекторы заявляют, что они всего лишь вносят свой вклад в «эволюцию мирового общества», мы точно знаем, что они не стесняются подавать в суд на других людей за копирование их работ. .Аристотель однажды сказал: «Искусство подражает природе». «Мечеть Санчаклар», отмеченная наградами турецкого архитектора Эмре Аролата, имитирует природу, как и сказал Аристотель. Он гармонирует с ландшафтом, что делает его одним из самых влиятельных образов мечети. Я считаю, что архитектура - это вид искусства, потому что она возникает в результате творческого мышления, как написание стихотворения. В отличие от богемных художников 20-го века, которые создают искусство для себя, архитекторы 21-го века создают искусство, служа обществу.

Программа «Искусство в архитектуре» | GSA


Александр Колдер, Фламинго , 1974
Федеральное здание им. Джона К. Ключинского, Чикаго,
Фотография: Кэрол М. Хайсмит

.

Программа GSA «Искусство в архитектуре» контролирует ввод в эксплуатацию произведений искусства для новых федеральных зданий по всей стране. Эти произведения искусства усиливают гражданское значение федеральной архитектуры и демонстрируют яркость американского изобразительного искусства.Вместе искусство и архитектура федеральных зданий создают прочное культурное наследие для людей Соединенных Штатов.

GSA резервирует половину одного процента сметной стоимости строительства каждого нового федерального здания для заказа художников проекта. Группа, состоящая из профессионалов искусства, представителей гражданского общества и общественности, ведущего архитектора проекта и сотрудников GSA, встречается, чтобы обсудить возможности участия художников в строительном проекте. Эта комиссия рассматривает широкий круг кандидатов в артисты и номинирует финалистов для оценки GSA.Художники, получившие федеральные заказы, работают с архитекторами проекта и другими лицами в качестве членов команды дизайнеров, чтобы гарантировать, что произведения искусства полностью интегрированы в общий проект.

Все художники-кандидаты в комиссии по искусству в архитектуре отбираются из Национального реестра художников GSA, который представляет собой базу данных художников, представивших цифровые изображения своих прошлых работ на рассмотрение комиссий GSA. Реестр открыт для всех американских художников (граждан или постоянных жителей США).Инструкции по регистрации в Национальном реестре артистов приведены по ссылке ниже.

Программа «Искусство в архитектуре»
Кабинет главного архитектора
Администрация общих служб США
1800 F Street NW, Suite 5400 PCAC
Вашингтон, округ Колумбия 20405

Дополнительная информация :

Инструкции Национального реестра художников [PDF - 74 KB]

Форма GSA7437: Искусство в архитектуре - Национальный реестр художников

Политика и процедуры в области искусства [PDF - 372 КБ]

Ссылка на эту страницу - www.gsa.gov/artinarchitecture.

.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *