Знаменитые скульптуры эпохи возрождения: Скульптуры эпохи Возрождения: фото и описание

Содержание

Скульптуры эпохи Возрождения: фото и описание

Начало эпохи Возрождения приходится на первую четверть XIV века. На протяжении трех последующих столетий культура Ренессанса развивалась бурными темпами и только в последние десятилетия XVI века наметился ее упадок. Отличительный признак эпохи Возрождения в том, что культура во всех своих ипостасях носила светский характер, при этом в ней доминировал антропоцентризм, то есть на первом плане находились человек, его интересы и деятельность как основа существования. В период расцвета Ренессанса в европейском обществе наблюдался интерес к античности. Наиболее заметным проявлением ренессансной культуры стал стиль "Возрождение" в архитектуре. Основы зодчества, формировавшиеся веками, обновлялись, зачастую принимая неожиданные формы.

Ренессанс в архитектуре

Скульптуры эпохи Возрождения первоначально никак не о себе не заявляли. Их роль сводилась к убранству архитектурных ордеров: барельефы на карнизах, капителях, фризах и порталах. Начало Ренессанса характеризовалось влиянием романского стиля на оформление архитектурных сооружений, а поскольку этот стиль неразрывно связан с настенными изображениями, то скульптуры долгое время использовалась преимущественно для украшений фасадов. Таким образом, возник стиль "Возрождение" в архитектуре, единение классических контуров с новой эстетикой. В период Ренессанса фасады домов облагораживались скульптурными композициями. Живопись и скульптура эпохи Возрождения стали неотъемлемой частью архитектурных сооружений. Художественные фрески размещались среди изваяний из мрамора и бронзы.

Архитектура Высокого Возрождения

Появление Ренессанса в культурных сферах в первую очередь затронуло зодчество. Архитектура Высокого Возрождения получила свое развитие в Риме, где на фоне предшествующего периода стал складываться общенациональный стиль. В постройках появились величественность, сдержанное благородство и признаки монументальности. Дома в Риме стали строить по принципу центрально-осевой симметрии. Основоположником нового стиля являлся Донато д'Анджело Браманте, талантливый архитектор, создавший Собор Святого Петра в Ватикане.

Взаимодействие стилей

Со временем скульптуры эпохи Возрождения стали принимать все более самостоятельные формы. Начало таким изображениям положил итальянский ваятель Вилиджельмо, который, создавая рельефы для собора в Модене, значительно углубил изображения скульптурной группы на стене, и, таким образом, возникло самостоятельное произведение искусства, связанное со стеной только опосредовано. Цельное скульптурное изображение опиралось на стену, но не более того. Появилась динамическая ритмика, расположение статуй между контрфорсами добавляло впечатления независимости от окружающей среды. Архитектурные постройки и скульптуры Возрождения все больше отдалялись, не теряя взаимосвязи. При этом они органично дополняли друг друга.

Затем скульптуры эпохи Возрождения и вовсе отделились от плоскости стены. Это был закономерный процесс поиска нового. Постепенное освобождение пластических форм от архитектурной плоскости закончилось появлением нескольких направлений самостоятельного скульптурного искусства.

Знаменитые ваятели эпохи Ренессанса

В исторический период, который назывался "Возрождение", скульптура получила статус высокого искусства. Историческое значение обрели XVI ваятелей европейского происхождения, а именно:

  • Андреа Верроккьо;
  • Бесерра Гаспар;
  • Нанни ди Банко;
  • Башелье Николя;
  • Санти Гуччи;
  • Никколо ди Донателло;
  • Джамболонья;
  • Дезидерио да Сеттиньяно;
  • Якопо делла Кверча;
  • Арнольфо ди Камбио;
  • Микеланджело Буонаротти;
  • Ян Пфистер;
  • Лука Делла Роббиа;
  • Андреа Сансовино;
  • Бенвенуто Челлини;
  • Доменико Фанчелли.

Наиболее известные скульпторы эпохи Ренессанса - это:

  • Микеланджело Буонаротти;
  • Донателло;
  • Бенвенуто Челлини.

Самые значимые скульптуры эпохи Возрождения вышли из-под резца этих непревзойденных мастеров.

Знаменитый флорентиец

Никколо ди Бетто Барди Донателло, основоположник скульптурного портрета, считается самым реалистичным ваятелем своего времени, отвергающим надуманные "красивости" в изобразительном искусстве. Наряду с реалистическим стилем он в совершенстве владел канонической классикой. Одним из шедевров Донателло является деревянная статуя Магдалины (1434 год, Флорентийский баптистерий). Исхудавшая длинноволосая старуха изображена с пугающей достоверностью. Тяготы жизни отражены на изможденном лице отшельницы.

Еще одна скульптура работы великого мастера - "Царь Давид", которая находится на фасаде башни Джотто во Флоренции. Статуя из мрамора Святого Георгия продолжает библейскую тему, начатую ваятелем с изображения Святого апостола Марка также в мраморе. Из той же серии скульптура Святого Иоанна Крестителя.

С 1443 по 1453 годы Донателло прожил в Падуе, где создал конную скульптуру "Гаттамелата" с изображением кондотьера Эразмо де Нарни.

В 1453 году он вернулся в родной город Флоренцию, где и жил вплоть до своей кончины в 1466 году.

Бенвенуто Челлини

Придворный скульптор Ватикана Бенвенуто Челлини родился в 1500 году в семье мастера-краснодеревщика. Он считается последователем маньеризма - течения, отражающего стиль претенциозных форм в искусстве. Преимущественно работал с бронзовым литьем. Наиболее известные скульптуры Челлини:

  • "Нимфа Фонтенбло" - бронзовый рельеф, отлитый в 1545 году, в настоящее время находится в Парижском Лувре.
  • "Персей" - Флоренция, Лоджия Ланци.
  • Бюст Козимо Медичи - Флоренция, Барджелло.
  • "Апполон и Гиацинт" - Флоренция.
  • Бюст Биндо Альтовити - Флоренция.
  • "Распятие" - Эскориал, 1562 год.

Великий скульптор Бенвенуто Челлини занимался изготовлением государственной символики, наград и монетных образцов. Он, помимо всего прочего, был весьма талантливым и успешным ювелиром при Ватикане. Папа Римский заказывал Бенвенуто драгоценные украшения.

Микеланджело Буонарроти

Гениальный скульптор эпохи Возрождения, автор бессмертных творений в мраморе и бронзе Микеланджело Буонарроти родился в 1475 году в небольшом Тосканском городе Капрезе. Владеть скульптурным инструментом мальчик научился раньше, чем писать и читать. В 13 лет Микеланджело попал на обучение к художнику Гирландайо Доменико. Затем о его таланте узнал Лоренцо де Медичи, знатный флорентиец. Вельможа стал покровительствовать подростку.

В двадцатилетнем возрасте Буонарроти создал несколько скульптур для Арочного проема церкви Святого Доминика в Болонье. Затем он изваял две скульптуры ("Спящий Купидон" и "Святой Йоханнес") для доминиканского проповедника Джироламо Савонаролы. Спустя год Микеланджело получает приглашение от кардинала Рафаэля Риарио для работы в Риме. Там скульптор создает "Римскую пьету" и "Вакха".

В Риме Буонарроти выполняет несколько заказов для разных соборов и церквей, а в 1505 году римский папа Юлий II предлагает ему ответственную работу - изготовить гробницу для его святейшества. В связи со столь ответственным заказом Микеланджело отбывает в Каррар, где проводит более полугода, выбирая подходящий мрамор для папской усыпальницы.

Для гробницы скульптор изготовил четыре мраморных изваяния: "Умирающий раб", "Лия", "Моисей" и "Связанный раб". С 1508 и до конца 1512 года Буонарроти работает над фресками Сикстинской капеллы. В 1513 году, после кончины Юлия Второго, скульптор получает заказ от Джованни Медичи на изготовление статуи Христа с крестом.

Великий скульптор эпохи Возрождения Микеланджело Буонарроти скончался в 1564 году в Риме. Похоронен во Флорентийской базилике Санта-Кроче.

"Чинквиченто"

В общую картину Ренессанса органично вписался период Высокого Возрождения. Тогда же появился термин "чинквиченто", что означает "превосходство". Этот период взлета продолжался около сорока лет. Он дал миру шедевры, которые навечно вписаны в скрижали высокого искусства. Портрет Моны Лизы и "Тайная вечеря" Леонардо да Винчи,"Сикстинская мадонна" Рафаэля Санти, "Давид" Микеланджело Буонарроти - эти и другие произведения украшают залы престижных музеев.

Итальянский скульптор Андреа Сансовино (1467-1529 гг.) - один из наиболее заметных представителей эпохи Высокого Возрождения. Первой работой Сансовино стало алтарное терракотовое украшение для церкви Санта-Агата с изображениями Св. Себастьяна, Роха и Лаврентия. Аналогичную скульптурную группу Андреа изваял для алтаря церкви Сан-Спирито во Флоренции. Скульптура Высокого Возрождения отличается выраженной духовностью и какой-то особой проникновенностью.

Вероккьо Андреа

Это знаменитый скульптор эпохи Раннего Ренессанса, учитель Леонардо да Винчи, Сандро Боттичелли и Пьетро Перуджино. Главным предметом творчества Верроккьо было ваяние, на втором месте - живопись. Андреа был прославленным постановщиком придворных балов и талантливым декоратором. Скульптура Высокого Возрождения фактически началась с работ Верроккьо.

Художник долгое время творил, находясь во Флоренции. Им было создано надгробие для флорентийского вельможи Козимо Медичи, затем более двадцати лет скульптор работал над композицией "Уверение Фомы". Знаменитая статуя Давида была создана Верроккьо в 1476 году. Бронзовое изваяние предназначалось для украшения виллы Медичи, однако Джулиано и Лоренцо сочли себя недостойными столь высокой чести и предали скульптуру в Палаццо Синьории во Флоренции. Великолепная скульптура Раннего Возрождения, таким образом, обрела свое место. В частных домах старались не держать уникальные художественные произведения. Не менее ценным с точки зрения высокого искусства было также и позднее Возрождение. Скульптура Бенвенуто Челлини "Персей" считается непревзойденным шедевром Позднего Ренессанса.

это... Определение, понятие, характеристика эпохи и великие творения и их знаменитые создатели

Эпоха Возрождения, или Ренессанс – удивительное время, подарившее миру плеяду великих и разносторонних мастеров, заложивших основы искусства следующих веков. То, что сейчас считается проверенной веками классикой, тогда было дерзким новаторством. Выделяют в эпохе Возрождения кватроченто - период, охватывавший XV век.

Эпоха Возрождения

Что возрождали в эпоху Возрождения? Название ее связано с возвратом к эстетике и ценностям античности. Не уходя от христианства, художники и скульпторы включили в свой репертуар античные сюжеты, да и библейские персонажи стали напоминать античных богов и героев. Это был своего рода откат, оттепель после сурового Средневековья. Эти тяжелые века с религиозным фанатизмом и нетерпимостью несли в себе дух презрения ко всему плотскому и земному. Готические статуи были сухи, аскетичны и не всегда правдоподобны, живопись была мало отделена от иконописи.

В эпоху Возрождения происходит возврат к эстетике земного, телесности, чувственности. Одним из главных ее признаков стало стремление к гармонии. Это выражалось не только в живописи. Одной из идей, связанных с гармонией, балансом стала идея разностороннего развития. Мало в какую эпоху творило столько «универсальных людей». Самым ярким примером стал Леонардо да Винчи – инженер и изобретатель, художник и архитектор, философ и писатель, биолог и анатом... Трудно перечислить области, которых он коснулся. А еще, говорят, гигант Ренессанса отлично пел, играл на музыкальных инструментах, любил физические упражнения и отличался большой силой. Идеи универсального человека выливались в создание школ, где поощрялось разностороннее развитие учеников. Во многом они стали предшественниками современного образования с его широтой охвата наук.

Что такое кватроченто

Термин кватроченто происходит от итальянского «четыреста». Так называют период эпохи Возрождения, который пришелся на XV век, таким образом, он связан с 1400-ми годами.

Кватроченто – это переломный момент в развитии европейской культуры. Работы этого периода показывают резкий скачок от средневековой иконописности, некоторой наивности и декоративности к реализму и живости эпохи Возрождения. Сформировалось и проявилось кватроченто в Италии, так же, как и сама эпоха Ренессанса, вскоре начавшая касаться и других стран. Центром перемен была Флоренция. Все шире находят распространение античные образы в декоративной живописи кватроченто. В скульптуру и архитектуру проникают те же мотивы.

А что было до?

Стоит начать с истоков, а именно с того, что предшествовало кватроченто – треченто. Этот период также именуют Проторенессансом. Главным образом поворот к эпохе Возрождения проявился в это время в живописи. Наиболее ярким представителем треченто стал Джотто ли Бондоне. Несмотря на близость его произведений к иконе в них уже появляется объем, обозначенный светотенью.

Кроме того, этот период нашел яркие проявления в литературе. Произведения Петрарки, Данте, Боккаччо пронизаны совершенно новым духом гуманизма.

Искусство кватроченто

Тремя столпами кватроченто можно назвать художника Мазаччо, скульптора Донателло и архитектора Брунеллески. Есть и другие творцы, оставившие важный вклад в культуру этой эпохи.

На живопись кватроченто оказала огромное влияние теория перспективы. Однако зарождалась она в архитектуре.

Живопись

Паоло Уччелло идея перспективы вдохновила на замысловатую игру. Художнику нравилось изображать клетчатые полы, комнаты, изобилующие углами. Правда, многие его работы носят еще печать прошлых традиций, их легко спутать со средневековыми.

Мазаччо же предпочитал использовать перспективу, чтобы придать изображению ощутимость и жизненность. Настоящее имя художника Томмазо ди Джованни ди Симоне Кассаи. Мазаччо же - это прозвище с довольно уничижительным суффиксом, означавшее «большой» или «неуклюжий». Как многие творческие личности, художник был рассеян, несколько отрешен от мира, зато отличался широтой души и добрым нравом. Наиболее яркими его творениями считаются фрески капеллы Бранкаччи, особенно «Изгнание из рая». Фигуры монументальны и отличаются скульптурностью. Они будто не нарисованы, а вылеплены с помощью светотени.

К сожалению, художник ушел из жизни всего в 27 лет. Но те произведения, которые он успел создать, говорят о его творческой мощи.

Другой известный художник эпохи кватроченто - это Андреа Мантенья. В его работах можно наблюдать переход от средневековой иконописности к анатомичности фигур и выразительности лиц. Его считают основоположником живописи на холсте. Некоторые произведения Мантеньи отличаются очень смелым выбором ракурса – например, в росписи потолка ангелы видны снизу вверх. На картине «Мертвый Христос» тело Спасителя также видно со стороны ног. Для достижения выразительности несколько искажены пропорции - ступни малы по сравнению с головой.

Известнейшим художником эпохи кватроченто считается Сандро Боттичелли. Особенно дух начинающейся эпохи Возрождения отражен в образах Венеры - "Рождение Венеры" и "Весна". Идеал красоты этого художника несколько отличается от женских образов, привычных для других авторов. В отличие от крепких, округлых фигур, основанных на античных идеалах, его Венера выглядит хрупкой, беззащитной и загадочной. И все же она тоже выражает внутреннюю духовную силу. Венера - это воплощение любви. Художник, входивший в круг флорентийских эрудитов, активно пользовался аллегориями и опирался на поэтические программы, разработанные в этом обществе.

Скульптура

В скульптуре наиболее ярко проявил себя Донателло, настоящее имя которого - Донато ди Николо ди Бетто Барди. Одна из важных заслуг этого скульптора - возрождение отдельно стоящей круглой статуи, отделение ее от архитектуры. Дело в том, что в Средние века статуи чаще всего представали в нишах зданий. Это не позволяло зрителю осматривать произведение искусства со всех сторон. Донателло же возвращается к традициям античности. Однако сюжет выбирает библейский и изображает Давида. Юный пастушок, будущий царь, предстает подобным античному герою-победителю. Его поза и фигура отличаются изяществом. Новаторство Донателло также состоит в том, что он показывает библейского героя обнаженным. Для того времени это неслыханная смелость.

Другое знаменитое его творение - памятник кондотьеру Гаттамелате. Мало кто знает, что прозвище этого военачальника переводится «хитрая кошка». Скульптор придает статуе заметное портерное сходство, но при этом его произведение показывает обобщенный образ человека Нового времени – умного, предприимчивого, мужественного.

Архитектура

Мотивы античности коснулись и архитектуры. Только в этом случае мастера брали пример не со статуй и фресок, а с монументальных древних сооружений. Популярной деталью становятся колонны. Здания обретают пропорциональность. В то время как готический собор кажется подавляющим, храмы и дворцы эпохи Возрождения производят гораздо более гармоничное впечатление и их можно охватить одним взглядом.

Именно архитектура стала первой областью, где стала популярна теория перспективы. Наиболее известный архитектор периода кватроченто – это Филиппо Брунеллески. Он разработал математический метод вычисления расстояния между предметами с учетом их пропорций. Делалось это, чтобы с максимальной точностью отразить соотношение и расположение этих предметов на плоской поверхности. Эти закономерности вскоре взяли на вооружение художники.

Знаменитые здания

Первое творение Брунеллески, ознаменовавшее перемены – купол собора Санта Марии дель Фьоре. Он сопоставим по размеру с куполом римского Пантеона, с которого и брали пример многие творцы этой эпохи. Но опирается он не на круглое, а на восьмигранное основание.

Параллельно архитектор руководил возведением Воспитательного дома - приюта для сирот. Это здание также переняло множество античных элементов, таких как портики. Кроме того, новаторским стали отказ от готического стремления вверх и обилия статуй... Брунеллески заложил основу стиля, характерного для палаццо – дворцов-особняков.

Кватроченто – это время, подарившее миру произведения искусства, удивительные по своему изяществу и в то же время величию.

Донателло, конная статуя. Скульпторы эпохи Возрождения. Памятник Гаттамелате

Эпоха итальянского Возрождения во многом была подобна глотку свежего воздуха после тяжести и мрачности Средневековья. Страна, бывшая наследницей Священной Римской империи, полностью оправдала этот свой статус, подарив миру огромное число гениальных творцов. Итальянский Ренессанс стал временем расцвета всех видов искусств, от архитектуры до музыки. Одно из ведущих мест в этом процессе по праву занимала скульптура. А главным творцом, на многие десятки лет определившим развитие скульптуры, был великий Донателло. Но обо всем по порядку.

Очнувшаяся после долгого сна

В эпоху Средневековья скульптура была неотъемлемой частью архитектуры и не мыслилась как отдельное направление искусства. С началом Возрождения все меняется: она начинает выступать в архитектурных ансамблях в качестве дополняющих, но все же отдельных элементов. Одна из первых среди множества ответвлений искусства скульптура повернулась лицом к реальности и жизни простых смертных, отходя от религиозного содержания. Безусловно, христианские сюжеты остаются в центре внимания художников, однако все чаще они обращаются к современникам.

Появляются новые жанры: развивается портрет, возникают конные статуи. Скульптура становится центральной частью архитектурных ансамблей, меняя смысловую нагрузку и расставляя акценты – отходя от второстепенной роли. Возникают новые материалы. На смену дереву приходит мрамор и бронза. В Северной Италии в большом количестве изготавливались терракотовые статуи (из обожженной глины). С подачи Лоренцо Гиберти начинает распространяться техника глазурованной терракоты. Быстро полюбилась мастерам и бронза с ее внушительным набором преимуществ перед прочими материалами.

Скульпторы эпохи Возрождения

Уже названный Лоренцо Гиберти трудился в XV веке и был среди первых творцов, обратившихся к реализму. Центральное место в его деятельности на протяжении всей жизни (1378–1455) занимала проблема создания живописного монументального рельефа. Более двадцати лет Гиберти трудился над северными дверями флорентийского баптистерия. В рельефных композициях, созданных мастером, сквозило наследие готического стиля: угловатость обрамлений и вторящий им ритм композиции отсылает именно к этой традиции. В то же время ощущается в работе и новое виденье пространства, свойственное уже эпохе Возрождения.

Реалистичная манера в полную силу развернулась на восточных дверях баптистерии, над которыми Гиберти трудился еще двадцать лет. Изображенным сюжетам присуща красота и особая живость: фигуры пропорциональны, ландшафт изобилует деталями, линии четко выписаны и отличаются изяществом. Восточные ворота баптистерия считаются одной из достопримечательностей Флоренции и являются своеобразным символом торжества новых течений в скульптуре над наследием прошлого.

Другим прославленным скульптором Италии эпохи Возрождения был Андреа дель Верроккьо (1435–1488). Он стал первым учителем великого Леонардо да Винчи, показавшим своему ученику многие приемы как в скульптуре, так и в живописи. Впрочем, картин Верроккьо практически не сохранилось, чего нельзя сказать о его скульптурах.

Одно из знаменитых его творений – статуя Давида, для которой, по преданию, моделью был гениальный ученик мастера. Это утверждение, однако, весьма сомнительно. Бесспорно другое - Давид Верроккьо наглядно показывает, где да Винчи взял многие из своих излюбленных приемов: пышные ангельские кудри, особое положение тела и знаменитую полуулыбку.

Главным произведением Верроккьо стал конный памятник кондотьеру Бартоломео Коллеони. В статуе отразились многие веяния искусства эпохи Возрождения: стремление передать форму во всей ее полноте, влияние анатомии на скульптуру, желание передать эмоции и движение в застывшей фигуре.

Первый среди равных

Скульпторы эпохи Возрождения со своим поиском нового стиля и обращением к практически забытой Античности все же смотрелись бы как незавершенная картина, не будь среди них Донателло. Великого мастера можно, без сомнения, назвать первопроходцем, столь много нововведений появилось в скульптуре благодаря ему. Без него очень многого лишилась бы эпоха Возрождения: Донателло нашел решение проблемы устойчивой постановки фигуры, научился передавать тяжесть, массу и цельность тела, первый после античных мастеров создал обнаженную статую и стал создавать скульптурные портреты. Он был признанным творцом еще при жизни и повлиял на развитие искусства целой эпохи.

Начало пути

Донателло, биография которого не содержит точной даты рождения (предположительно 1386 год), происходил из семьи ремесленника, чесальщика шерсти. Появился на свет он предположительно во Флоренции или ее окрестностях. Полное имя Донателло – Донато ди Никколо ди Бетти Барди.

Будущий знаменитый итальянский скульптор получил обучение в мастерской Гиберти в то время, когда тот трудился над созданием северных врат баптистерия. Вероятно, именно здесь Донателло познакомился с архитектором Брунеллески, дружбу с которым сохранил на протяжении всей жизни.

Быстрое освоение навыков привело к тому, что уже в 1406 году молодой Донателло получил самостоятельный заказ. Ему поручили создать статую пророка для портала флорентийского собора.

Мраморный Давид

Донателло, работы которого уже в первые годы творчества отражали яркую личность автора, вскоре после выполненного заказа получил новый. В 1407–1408 годах он работал над мраморной статуей царя Давида. Скульптура еще не так совершенна, как более позднее изображение библейского героя, сделанное мастером, но уже в ней отражаются устремления и искания творца. Давид изображен не в классической виде: умудренный опытом царь с лирой или свитком в руках. Но как юноша, только что победивший Голиафа и гордящийся своим подвигом. Статуя напоминает изображения античных героев: Давид упирается одной рукой в бедро, у его ног покоится голова соперника, тело укутывают мягкие складки одежд. И хотя мраморная статуя еще содержит отголоски готики, ее принадлежность к эпохе Возрождения несомненна.

Ор-Сан-Микеле

Донателло работы свои стремился создавать учитывая не только гармонию пропорций и общего построения фигуры, но и особенности места, где статуя будет размещаться. Его творения наиболее выигрышно смотрелись именно там, куда их ставили после завершения. Создавалось впечатление, будто они всегда здесь и находились. При этом творчество Донателло по мере совершенствования таланта все более удалялось от готических канонов и средневекового обезличивания. Создаваемые им образы приобретали яркие индивидуальные особенности, выразительность нередко достигалась за счет неправильных черт.

Все эти нюансы творчества мастера прекрасно заметны в изображениях святых, которые он создал для церкви Ор-Сан-Микеле. Статуи были установлены в нишах, однако казались законченными самостоятельными скульптурами, гармонично вписывающимися в архитектуру церкви и не зависящими от нее. Особо среди них выделяются фигуры Святого Марка (1411–1412) и Святого Георгия (1417). В образе первого Донателло удалось передать неутомимую и бурную работу мысли под покровом полного внешнего спокойствия. При создании статуи мастер обратился к античному способу устойчивой постановки фигуры. Изгибы торса и рук, а также расположение складок одежды – все подчинено этому приему.

Святой Георгий изображен в виде юноши в доспехах, опирающегося на щит, с одухотворенным, полным решимости лицом. Это воплощенный идеал героя, которой в одинаковой мере был созвучен как эпохе, так и самому Донателло.

Бронзовый Давид

Все исследователи сходятся на том, что одним из величайших творений Донателло был Давид, скульптура, отлитая в бронзе (предположительно 1430–1440-е годы). Вазари, первый искусствовед, писал, что заказана она была Козимо Медичи, однако других данных, подтверждающих подобный факт, нет.

Давид – скульптура нестандартная. Продолжая воплощение своего замысла, заложенного еще в мраморном Давиде, Донателло изображает библейского героя молодым с головой только что поверженного Голиафа у ног. Сходство, однако, на этом и заканчивается. Бронзовый Давид не просто молод, он юн. Донателло изобразил его обнаженным, тщательно проработав все изгибы сильного, но еще не до конца сформировавшегося тела мальчика. Из одежды только пастушья шапка с лавровым венком и сандалии с поножами. Для постановки фигуры мастер использовал прием контрапоста. Вся тяжесть тела перенесена на правую ногу, левой же Давид попирает голову врага. Таким приемом достигается ощущение расслабленности позы, отдохновения после схватки. Внутренняя динамика, свойственная фигуре, хорошо читается благодаря отклонению тела от центральной оси скульптуры и расположению меча.

Бронзовый Давид создан как статуя, которую можно рассмотреть со всех сторон. Это была первая обнаженная скульптура со времен Античности. Наследие мастеров Древней Греции и Древнего Рима чувствуется во всей фигуре героя. В то же время черты, присущие скульптуре, наполнены яркой индивидуальностью и являются тем самым воплощением идеалов Ренессанса.

Вдохновленный Вечным городом

До совершенства свои навыки мастер доводил во время поездки в Рим. Из города, хранящего наследие великой империи, Донателло привез глубокое понимание античных канонов и стилистических приемов. Результаты переосмысления древнего греческого и римского искусства Донателло использовал в процессе создания кафедры Флорентийского собора, над которой трудился с 1433 по 1439 года. Вероятно, именно в Вечном городе новый замысел посетил Донателло: конная статуя кондотьера Эразмо да Нарни, по мнению многих исследователей, была задумана после встречи с античным памятником Марку Аврелию.

Герой

Эразмо да Нарни был венецианским кондотьером, наемным военачальником. Его судьба, не отличавшаяся особыми героическими поворотами сюжета, тем не менее вдохновила Донателло. Гаттамелата (в переводе «Медоточивая кошка») – такое прозвище получил кондотьер за мягкость характера и одновременную внимательность и вкрадчивость, напоминавшие поведение кошки на охоте. Он начал свою карьеру с самых низов и, честно служа Флоренции, сумел достичь многого. В последние годы Гаттамелата служил главнокомандующим сухопутными войсками Венецианской республики. После своей смерти кондотьер завещал похоронить его в Базилике дель Санто в Падуе. Умер Гаттамелата в 1443 году.

Триумф Донателло: конная статуя Эразмо да Нарни

Венецианская республика, помня о заслугах военачальника, разрешила его вдове и сыну на свои средства установить памятник кондотьеру. Воплощением этой идеи и занялся Донателло. Конная статуя создавалась им на протяжении десяти лет, с 1443 по 1453 года.

Трехметровая статуя по замыслу мастера была установлена на восьмиметровом постаменте. Размеры скульптуры были результатом определенной идеи Донателло: конная статуя должна была располагаться на фоне громадного собора и только при условии собственной внушительности могла смотреться как цельное и самостоятельное произведение. Памятник размещался таким образом, что создавалось впечатление, будто он покидает собор и неспешно удаляется прочь.

Пьедестал украшен изображениями дверей, приоткрытых с восточной стороны и запертых с западной. Этот символ имеет определенную трактовку: в царство мертвых можно войти, но нельзя из него выйти. Двери напоминают о первоначальном назначении памятника, великолепно исполненным Донателло. Гаттамелата на коне должен был возвышаться на кладбище собора. Памятник был оригинальным кенотафом, надгробием, – и здесь Донателло проявил свою склонность к новаторству.

Человек эпохи

Кондотьер, изображенный Донателло, – уверенный и полный сил, но уже пожилой человек. В левой руке у него жезл, правой он держит поводья. Он воплощает в себе образ героя эпохи Возрождения: не кипящего страстью, но переосмысляющего жизнь – воин-мыслитель, вероятно, вобравший в себя и черты самого Донателло. Статуя кондотьера Гаттамелаты в то же время является прекрасным примером портретного мастерства скульптора. Его лицо нельзя спутать с другими: нос с горбинкой, четкая линия рта, небольшой подбородок и выделяющиеся скулы.

Одеяние военачальника – свидетельство желания придать ему черты героев Античности. Гаттамелата облачен не в современные Донателло одежды, а в доспехи времен Древнего Рима. Предположительно, именно чеканка деталей облачения заняла у мастера наибольшее время. Впрочем, в процессе создания памятника перед Донателло вставало немало задач: необходимо было создать гармоничный переход от фигуры кондотьера к лошади, расставить акценты для создания необходимого впечатления. Решение этих и других вопросов требовало времени. Результат столь вдумчивой и продолжительной работы оправдал все затраты.

Донателло высоко оценил свою работу, приняли ее и его современники. Об этом свидетельствует подпись мастера, которую он оставлял далеко не на всех своих произведениях. Памятник кондотьеру Гаттамелате вдохновлял и многих скульпторов последующих эпох (например, уже упомянутого выше Андреа дель Верроккьо).

Юдифь

Еще одним прекрасным образцом мастерства Донателло стала статуя «Юдифь и Олоферн», созданная в 1455–1457 гг. Произведение иллюстрирует ветхозаветную историю о вдове из Ветилуи, храбро убившей ассирийского полководца Олоферна, чтобы спасти свой город от завоевания. Хрупкая женщина с отрешенным взглядом и лицом, полным скорби, держит в высоко поднятой руке меч, готовясь отсечь голову безвольно прислонившегося к ее ногам опьяненного Олоферна.

«Юдифь и Олоферн» – один из вариантов популярных в эпоху Возрождения преданий о женском героизме. Донателло вложил в это произведение все свое мастерство и сумел передать как гамму чувств Юдифи, так и символизм образа в целом. Самая выразительная часть композиции – лицо вдовы. Оно проработано так тщательно, что кажется живым. При взгляде на Юдифь, сотворенную Донателло, очень легко понять, какие эмоции она испытывала. Тонкое умение предания лицу экспрессивных черт, свойственное мастеру, в полной мере было применено Донателло именно в этой скульптуре.

Умер великий Донателло в 1466 году. В последние годы жизни в его творчестве явственно доминировали мотивы старости, смерти и страданий. В этот период появилась Мария Магдалина Донателло – не пышущая красотой и полная сил девушка, но изнуренная постом и ощущающая тяжесть прожитых лет старуха. Однако и в этих, и в более ранних произведениях дух гениального скульптора жив до сих пор и продолжает вдохновлять и волновать.

Скульптура эпохи возрождения: описание и фото

Скульптура Ренессанса — один из важнейших видов искусства Возрождения, достигший в это время расцвета. Основным центром развития жанра была Италия, главным мотивом — ориентация на античные образцы и любование человеческой личностью. Находившаяся в эпоху средневековья в состоянии полной зависимости от архитектуры, скульптура эпохи Возрождения вновь обретает самостоятельное значение.

Как равноправный компонент она входит в архитектурные ансамбли на основе содружества, но не подчинения архитектуре. Освобождаясь от сковывающего ее религиозно-мистического содержания, она обращается к жизни, к реальным образам действительности, человеку.

Наряду с сохраняющими свое значение образами христианства и античности объектом изображения скульпторов оказываются теперь и живые люди, герои современности. Развитие получает жанр портрета, создаются конные статуи, украшающие площади городов.

Значительно изменяется характер декоративного рельефа, образные возможности которого расширяются в связи с использованием приемов живописно-перспективного изображения и новых материалов, в частности полихромной керамики.
Скульптура раньше живописи прочно встает на новый путь развития, что объясняется тем местом, которое она занимала в средневековых культовых сооружениях.

При больших постройках создавались мастерские, которые готовили скульпторов-декораторов, проходивших здесь хорошую подготовку, знакомясь с архитектурой, со строительным и ювелирным делом. Все эти познания помогали в работе над монументальной пластикой, отличавшейся особой тщательностью исполнения.

Проторенессанс.

Новые художественные искания в скульптуре наметились  прежде всего в пизанской школе, основателем которой был Никколо Пизано (1220-1278 или 1284)
Шестигранная мраморная кафедра (1260), выполненная им для баптистерия в Пизе, стала выдающимся достижением ренессансной скульптуры и повлияла не ее дальнейшее формирование.  Кафедра из трех видов (оттенков) мрамора  представляет собой целое архитектурное сооружение. По средневековой традиции на парапетах (стенках) представлены сюжеты из жизни Христа.  Между ними — фигуры пороков и аллигорических добродетелей. Колонны опираются на спины лежащих львов.

Кафедра баптистерия в Пизе

Главное достижение в том, что он сумел придать формам объемность и выразительность, а каждое изображение обладает телесной мощью.

Особое место в итальянской скульптуре принадлежит Джованни Пизано (сын Никколо Пизано) (1245-1314). Он создает кафедры для соборов и церквей, статуи святых, пророков, Мадонн.

 Стиль Джованни Пизано отличается большей свободой и динамичностью, он показывает фигуры в движении и использует различные средства драматизации, его скульптурам присущи резкие повороты и угловатые очертания.

Совместно с отцом и Арнольфо ди Камбио он создает фонтан Маджоре в Перудже. Грани и ребра верхней чаши украшены 24 скульптурами. На гранях нижней — 50 барельефов. Чаши выполнены из белого и розового мрамора. Над ними возвышается третья чаша, отлитая из бронзы. Фонтан обнесен металлической решеткой.

Фонте Маджоре в г.Перуджа (1275-1278)

С 1287 по 1296 гг. Джованни  исполнял должность главного архитектора кафедрального собора в г.Сиена. Полные динамики и драматизма фигуры скульптурной композиции фасада собора свидетельствуют о значительном влиянии на Пизано французской готической пластики. Из всех готических итальянских фасадов сиенский собор имеет самое роскошное скульптурное убранство.

Фасад кафедрального собора в Сиене

Одним из величайших достижений Джованни Пизано считается кафедра для церкви Сант-Андреа в Пистойе (1297-1301). Тематика украшающих кафедру рельефов также сходна с пизанскими. Однако лица персонажей более выразительны, их позы и жесты, более драматичны. Особенной экспрессией отличаются сцены «Распятие» и «Избиение младенцев».

Кафедра церкви Сант-Андреа в Пистойе

XV век был периодом глобального изменения в искусстве. Художники стараются возродить традиции прошлого, основы их программы — открытая перспектива и законы пропорций. Античность воспринимается не как набор образцов для подражания, а как историческое осознание прошлого и его неизбежной связи с настоящим. Ренессансный человек желал отринуть наслоившиеся традиции (готические, византийские) и вернуться к древнеримской доблести, древнему классическому источнику.

Раннее Возрождение.

Настоящим реформатором итальянской скульптуры был Донателло. Его скульптуры «оторвались» от стен (до этого в основном скульптура была представлена, как рельеф и барельеф, как украшение здания).
Донателло (Флоренция) (около 1386 -1466) — итальянский скульптор эпохи Возрождения, основоположник индивидуализированного скульптурного портрета. Донателло придерживался реалистических принципов, иногда кажется, что он нарочно отыскивал некрасивые стороны природы.

Святой Марк.
Давид. 1440г. Флоренция

 Этот первый конный памятник в искусстве Возрождения, посвященный выдающейся личности, получил совсем иную, чем в античности, трактовку. Уверенно сидит на могучем коне кондотьер, держа в руке жезл командующего. В его лице, умном и суровом, — черты несомненного портретного сходства, выражение непреклонной воли и энергии

Статуя Гаттамелаты (1447-1453). Падуя

Андреа дель Верроккьо (1435- 1488) — итальянский скульптор и живописец эпохи Возрождения, один из учителей Леонардо да Винчи. Имя позаимствовал у своего учителя, ювелира Верроккьо. Скульптура Давид — фигура не застыла, наоборот, характеризуется полной раскованностью. Тело слегка повернуто, тяжесть перенесена на одну ногу.

Давид, 1473

Верроккио было уже пятьдесят лет и он работал над своей последней и самой значительной скульптурой — конным памятником кондотьеру Бартоломео Коллеони, который и доныне стоит в Венеции. Всадник, на лице которого, по словам Шелли, застыла «усмешка холодного превосходства», легко касается рукой поводьев и, кажется, сдерживает животное только могучей силой своей воли. Мускулы ног коня так напряжены и вырисовываются таким выпуклым рельефом, что кажется, будто с него содрана шкура, — свидетельство интереса Верроккио к новой науке — анатомии, которая начинала расцветать как раз в это время. Верроккио работал над своей замечательной статуей, наверное, лет десять, но так и не увидел ее на пьедестале: он умер в Венеции, когда ему было всего пятьдесят три года. Отливку его шедевра закончил Алессандро Леопарди, добавивший статуе несколько декоративных деталей и свою подпись.

Конный памятник кондотьеру Бартоломео Коллеони

___

Высокое Возрождение («Чинквеченто»).

Стремительное развитие искусства, и скульптуры в частности, происходило на рубеже 15 и 16 веков, когда большое строительство развернулось в Риме, Флоренции, Венеции и других крупных городах Италии. Этот период связан, в первую очередь, с именем Микеланджело.

Микеланджело ди Лодовико ди Леонардо ди Буонарроти Симони (1475- 1564)- итальянский скульптор, художник, архитектор, поэт, мыслитель.

Микеланджело прославился своими скульптурами, украшающими Ватикан, Рим, Флоренцию. Герои гения страдают, размышляют, ликуют.

В них столько содержания, энергии и глубины, что любование великолепными работами гения не прекратится, вероятно, никогда.

Картины и скульптуры Микеланджело Буонаротти полны героического пафоса и, одновременно трагического ощущения кризиса гуманизма. Его работы прославляют силу и мощь человека, красоту его тела, одновременно подчёркивая его одиночество в мире. По характеру своего дарования он был прежде всего скульптор. Это ощущается и в живописных работах мастера, необычайно богатых пластичностью движений, сложных поз, отчётливой и мощной лепкой объёмов.
Во Флоренции Микеланджело создал бессмертный образец Высокого Возрождения — статую «Давид», ставшую на многие века эталоном изображения человеческого тела.

Давид. 1501-1504

В Риме самая известная  скульптурная композиция «Пьета́» (1498-1499), одно из первых воплощений фигуры мёртвого человека в пластике. «Пьета» — вершина мировой скульптуры, проявление гениальных способностей.

Работы гениального мастера восхищали современников ничуть не меньше, чем современного зрителя. После того, как публика увидела скульптуру «Умирающий раб», в обществе поползли слухи, что был замучен натурщик, чтобы страдания можно было изобразить вернее.

Умирающий раб

 Статуя пророка Моисея, предназначавшаяся для одного из папских надгробий Ватиканского собора, одна из самых любимых работ самого скульптора.

Известно, что автор постоянно возвращался к ней и доделывал на протяжении 30 лет. Фигура пророка обладает секретом, чтобы полностью понять задумку автора, нужно разглядеть фигуру со всех сторон.

В этом случае зритель чувствует некое напряжение и энергию, исходящую изнутри скульптуры

Особенностью работ Микеланджело было то, что он участвовал в создании своих скульптурных шедевров на всех стадиях, начиная с выбора мраморной глыбы и перевозки ее до мастерской. Мастер никому не доверял даже простейших транспортировочных и погрузочных работ. Он словно уже в огромной глыбе видел свое произведение и уже относился к ней, как к хранилищу будущего шедевра.

Искусствоведы постоянно «находят» все новые работы скульптора, который никогда не считал нужным подписывать свои работы (подписал лишь одну). На сегодняшний день известно о 57 скульптурах Микеланджело, из которых около 10 безвозвратно утрачены.

Гений Микеланджело наложил отпечаток не только на искусство Возрождения, но и на всю дальнейшую мировую культуру.

Оглавление.

Источник: http://mansa-uroki.blogspot.com/2015/04/blog-post_16.html

Скульптуры эпохи Возрождения: фото и описание

Начало эпохи Возрождения приходится на первую четверть XIV века. На протяжении трех последующих столетий культура Ренессанса развивалась бурными темпами и только в последние десятилетия XVI века наметился ее упадок.

Отличительный признак эпохи Возрождения в том, что культура во всех своих ипостасях носила светский характер, при этом в ней доминировал антропоцентризм, то есть на первом плане находились человек, его интересы и деятельность как основа существования. В период расцвета Ренессанса в европейском обществе наблюдался интерес к античности.

Наиболее заметным проявлением ренессансной культуры стал стиль «Возрождение» в архитектуре. Основы зодчества, формировавшиеся веками, обновлялись, зачастую принимая неожиданные формы.

Ренессанс в архитектуре

Скульптуры эпохи Возрождения первоначально никак не о себе не заявляли. Их роль сводилась к убранству архитектурных ордеров: барельефы на карнизах, капителях, фризах и порталах.

Начало Ренессанса характеризовалось влиянием романского стиля на оформление архитектурных сооружений, а поскольку этот стиль неразрывно связан с настенными изображениями, то скульптуры долгое время использовалась преимущественно для украшений фасадов. Таким образом, возник стиль «Возрождение» в архитектуре, единение классических контуров с новой эстетикой.

В период Ренессанса фасады домов облагораживались скульптурными композициями. Живопись и скульптура эпохи Возрождения стали неотъемлемой частью архитектурных сооружений. Художественные фрески размещались среди изваяний из мрамора и бронзы.

Архитектура Высокого Возрождения

Появление Ренессанса в культурных сферах в первую очередь затронуло зодчество. Архитектура Высокого Возрождения получила свое развитие в Риме, где на фоне предшествующего периода стал складываться общенациональный стиль.

В постройках появились величественность, сдержанное благородство и признаки монументальности. Дома в Риме стали строить по принципу центрально-осевой симметрии.

Основоположником нового стиля являлся Донато д'Анджело Браманте, талантливый архитектор, создавший Собор Святого Петра в Ватикане.

Взаимодействие стилей

Со временем скульптуры эпохи Возрождения стали принимать все более самостоятельные формы.

Начало таким изображениям положил итальянский ваятель Вилиджельмо, который, создавая рельефы для собора в Модене, значительно углубил изображения скульптурной группы на стене, и, таким образом, возникло самостоятельное произведение искусства, связанное со стеной только опосредовано. Цельное скульптурное изображение опиралось на стену, но не более того.

Появилась динамическая ритмика, расположение статуй между контрфорсами добавляло впечатления независимости от окружающей среды. Архитектурные постройки и скульптуры Возрождения все больше отдалялись, не теряя взаимосвязи. При этом они органично дополняли друг друга.

Затем скульптуры эпохи Возрождения и вовсе отделились от плоскости стены. Это был закономерный процесс поиска нового. Постепенное освобождение пластических форм от архитектурной плоскости закончилось появлением нескольких направлений самостоятельного скульптурного искусства.

Знаменитые ваятели эпохи Ренессанса

В исторический период, который назывался «Возрождение», скульптура получила статус высокого искусства. Историческое значение обрели XVI ваятелей европейского происхождения, а именно:

  • Андреа Верроккьо;
  • Бесерра Гаспар;
  • Нанни ди Банко;
  • Башелье Николя;
  • Санти Гуччи;
  • Никколо ди Донателло;
  • Джамболонья;
  • Дезидерио да Сеттиньяно;
  • Якопо делла Кверча;
  • Арнольфо ди Камбио;
  • Микеланджело Буонаротти;
  • Ян Пфистер;
  • Лука Делла Роббиа;
  • Андреа Сансовино;
  • Бенвенуто Челлини;
  • Доменико Фанчелли.

Наиболее известные скульпторы эпохи Ренессанса — это:

  • Микеланджело Буонаротти;
  • Донателло;
  • Бенвенуто Челлини.

Самые значимые скульптуры эпохи Возрождения вышли из-под резца этих непревзойденных мастеров.

Знаменитый флорентиец

Никколо ди Бетто Барди Донателло, основоположник скульптурного портрета, считается самым реалистичным ваятелем своего времени, отвергающим надуманные «красивости» в изобразительном искусстве.

Наряду с реалистическим стилем он в совершенстве владел канонической классикой. Одним из шедевров Донателло является деревянная статуя Магдалины (1434 год, Флорентийский баптистерий). Исхудавшая длинноволосая старуха изображена с пугающей достоверностью.

Тяготы жизни отражены на изможденном лице отшельницы.

Еще одна скульптура работы великого мастера — «Царь Давид», которая находится на фасаде башни Джотто во Флоренции. Статуя из мрамора Святого Георгия продолжает библейскую тему, начатую ваятелем с изображения Святого апостола Марка также в мраморе. Из той же серии скульптура Святого Иоанна Крестителя.

С 1443 по 1453 годы Донателло прожил в Падуе, где создал конную скульптуру «Гаттамелата» с изображением кондотьера Эразмо де Нарни.

В 1453 году он вернулся в родной город Флоренцию, где и жил вплоть до своей кончины в 1466 году.

Бенвенуто Челлини

Придворный скульптор Ватикана Бенвенуто Челлини родился в 1500 году в семье мастера-краснодеревщика. Он считается последователем маньеризма — течения, отражающего стиль претенциозных форм в искусстве. Преимущественно работал с бронзовым литьем. Наиболее известные скульптуры Челлини:

  • «Нимфа Фонтенбло» — бронзовый рельеф, отлитый в 1545 году, в настоящее время находится в Парижском Лувре.
  • «Персей» — Флоренция, Лоджия Ланци.
  • Бюст Козимо Медичи — Флоренция, Барджелло.
  • «Апполон и Гиацинт» — Флоренция.
  • Бюст Биндо Альтовити — Флоренция.
  • «Распятие» — Эскориал, 1562 год.

Великий скульптор Бенвенуто Челлини занимался изготовлением государственной символики, наград и монетных образцов. Он, помимо всего прочего, был весьма талантливым и успешным ювелиром при Ватикане. Папа Римский заказывал Бенвенуто драгоценные украшения.

Микеланджело Буонарроти

Гениальный скульптор эпохи Возрождения, автор бессмертных творений в мраморе и бронзе Микеланджело Буонарроти родился в 1475 году в небольшом Тосканском городе Капрезе.

Владеть скульптурным инструментом мальчик научился раньше, чем писать и читать. В 13 лет Микеланджело попал на обучение к художнику Гирландайо Доменико. Затем о его таланте узнал Лоренцо де Медичи, знатный флорентиец.

Вельможа стал покровительствовать подростку.

В двадцатилетнем возрасте Буонарроти создал несколько скульптур для Арочного проема церкви Святого Доминика в Болонье. Затем он изваял две скульптуры («Спящий Купидон» и «Святой Йоханнес») для доминиканского проповедника Джироламо Савонаролы. Спустя год Микеланджело получает приглашение от кардинала Рафаэля Риарио для работы в Риме. Там скульптор создает «Римскую пьету» и «Вакха».

В Риме Буонарроти выполняет несколько заказов для разных соборов и церквей, а в 1505 году римский папа Юлий II предлагает ему ответственную работу — изготовить гробницу для его святейшества. В связи со столь ответственным заказом Микеланджело отбывает в Каррар, где проводит более полугода, выбирая подходящий мрамор для папской усыпальницы.

Для гробницы скульптор изготовил четыре мраморных изваяния: «Умирающий раб», «Лия», «Моисей» и «Связанный раб». С 1508 и до конца 1512 года Буонарроти работает над фресками Сикстинской капеллы. В 1513 году, после кончины Юлия Второго, скульптор получает заказ от Джованни Медичи на изготовление статуи Христа с крестом.

Великий скульптор эпохи Возрождения Микеланджело Буонарроти скончался в 1564 году в Риме. Похоронен во Флорентийской базилике Санта-Кроче.

«Чинквиченто»

В общую картину Ренессанса органично вписался период Высокого Возрождения. Тогда же появился термин «чинквиченто», что означает «превосходство». Этот период взлета продолжался около сорока лет.

Он дал миру шедевры, которые навечно вписаны в скрижали высокого искусства.

Портрет Моны Лизы и «Тайная вечеря» Леонардо да Винчи,»Сикстинская мадонна» Рафаэля Санти, «Давид» Микеланджело Буонарроти — эти и другие произведения украшают залы престижных музеев.

Итальянский скульптор Андреа Сансовино (1467-1529 гг.) — один из наиболее заметных представителей эпохи Высокого Возрождения.

Первой работой Сансовино стало алтарное терракотовое украшение для церкви Санта-Агата с изображениями Св. Себастьяна, Роха и Лаврентия. Аналогичную скульптурную группу Андреа изваял для алтаря церкви Сан-Спирито во Флоренции.

Скульптура Высокого Возрожденияотличается выраженной духовностью и какой-то особой проникновенностью.

Вероккьо Андреа

Это знаменитый скульптор эпохи Раннего Ренессанса, учитель Леонардо да Винчи, Сандро Боттичелли и Пьетро Перуджино. Главным предметом творчества Верроккьо было ваяние, на втором месте — живопись. Андреа был прославленным постановщиком придворных балов и талантливым декоратором. Скульптура Высокого Возрождения фактически началась с работ Верроккьо.

Художник долгое время творил, находясь во Флоренции. Им было создано надгробие для флорентийского вельможи Козимо Медичи, затем более двадцати лет скульптор работал над композицией «Уверение Фомы». Знаменитая статуя Давида была создана Верроккьо в 1476 году.

Бронзовое изваяние предназначалось для украшения виллы Медичи, однако Джулиано и Лоренцо сочли себя недостойными столь высокой чести и предали скульптуру в Палаццо Синьории во Флоренции. Великолепная скульптура Раннего Возрождения, таким образом, обрела свое место. В частных домах старались не держать уникальные художественные произведения.

Не менее ценным с точки зрения высокого искусства было также и позднее Возрождение. Скульптура Бенвенуто Челлини «Персей» считается непревзойденным шедевром Позднего Ренессанса.

Источник: https://autogear.ru/article/161/303/skulpturyi-epohi-vozrojdeniya-foto-i-opisanie/

Изобразительное искусство Возрождения

  • Италия  XIV век
  • при создании полотен традиционной религиозной тематики художники начали использовать новые художественные приёмы:
  • построение объемной композиции, использование пейзажа на заднем плане,
  • что позволило им сделать изображения более реалистичными, оживленными.
  1. Это резко отличало их творчество от предыдущей иконографической традиции, изобилующей условностями в изображении.

Renaissance

эпоха интеллектуального и художественного расцвета, который начался в Италии в 14 веке, достигнув пика в 16 веке и оказав значительное влияние на европейскую культуру.

Термин «Возрождение», означавший возврат к ценностям античного мира (хотя интерес к римской классике возник ещё в 12 веке), появился в 15 веке и получил теоретическое обоснование в 16 веке в трудах Вазари, посвящённых творчеству знаменитых художников, скульпторов и зодчих.

  • В это время сложилось представление о царящей в природе гармонии и о человеке как венце её творения. Среди выдающихся представителей этой эпохи —
  • художник Альберти;
  • архитектор, художник, учёный, поэт и математик Леонардо да Винчи.

Живописцы Ренессанса создали цельную, обладающую внутренним единством концепцию мира, наполнили традиционные религиозные сюжеты земным содержанием (Никола Пизано, конец 14 века; Донателло, начало 15 века).

  1. Реалистическое изображение человека стало главной целью художников Раннего Возрождения, о чем свидетельствуют творения Джотто и Мазаччо.
  2. Изобретение способа передачи перспективы способствовало более правдивому отображению действительности.
  3. Одной из главных тем произведений живописи Ренессанса
  4. (Жильбер, Микеланджело)
  5. были трагическая непримиримость конфликтов, борьба и гибель героя.

Художники Ренессанса: 

Леонардо да Винчи, Ботичелли, Тициан, Микеланджело, Рафаэль.

Около 1425 г. Флоренция стала центром Ренессанса (флорентийское искусство), но к началу 16 века (Высокое Возрождение) ведущее место заняли Венеция (венецианское искусство) и Рим.

  • Культурными центрами являлись дворы герцогов Мантуи, Урбино и Феррады.
  • Главными меценатами были Медичи и римские папы, особенно Юлий II и Лев Х. Крупнейшими представителями «северного Ренессанса» были
  • Дюрер, Кранах Старший, Хольбейн.
  • Северные художники в основном подражали лучшим итальянским образцам, и только немногие, например Ян ван Скорел, сумели создать свой стиль, который отличался особой элегантностью и грацией, названной в последствии — маньеризм.
  1. Известные картины художников Ренессанса (Эпохи Возрождения)
  2. можно посмотреть
  3. здесь
  4. здесь
  5. здесь

Источник: https://li-ga2014.livejournal.com/347601.html

Скульптура эпохи возрождения

Этот нелегкий путь скульптуры эпохи Возрождения… От Бендетто Антеллами — одного из немногих известных нам скульпторов Средневековья, до Микеланджело Буонаротти — великого мастера, получившего признание и при своей жизни, и в настоящее время. Давайте немного окунемся в ту эпоху, проследим за развитием скульптуры как искусства.

Скульптура в начале Возрождения

В Средневековье скульптура не считалась искусством. Дело в том, что она была ремеслом, зависимым от архитектуры, и как искусство не воспринималось. Все стало меняться в эпоху Возрождения, когда скульптура постепенно выходит из рамок архитектуры. Скульпторы медленно, но уверенно начинают работать самостоятельно, без привязки к строительству и связанными с ним барельефами, колоннами и другими архитектурными изысками того времени.

Скульптор Бендетто Антеллами работал в романском стиле, характерном для его времени, но уже в его работах видно желание вырваться из узких границ зодчества средних веков. Его работы довольно просты, но заметно стремление автора передать изящество и красоту людей, вне зависимости от места расположения или назначения работы.

Его опыт продолжили мастер Никколо Пизано и его ученик — Арнольфо ди Камбио. Работая над своими произведениями, эти скульпторы задавались целью изменить общепринятые в то время идеалы красоты. Их скульптуры – это поиск нового в забытых работах античности.

Работы Андреа дель Веррокьо, учеником которого был Микеланджело, и Донателло — уже вполне самостоятельные произведения, которые совершенно вышли из рамок архитектуры средних веков.

Середина эпохи-развитие скульптуры как искусства

Этот же библейский персонаж, но работы уже другого итальянского скульптора – Донателло. Давид изображен легким ,расслабленным. Поза больше подходит для античного бога, чем пастушка из Библии.

Это был первая обнаженная статуя в то время. Семья Медичи, покровительствующая художникам и архитекторам Возрождения, и бывшая заказчиком этой скульптуры, увидев результат работы Донателло, «спрятала» скульптуру подальше от любопытных глаз соседей и знакомых, во дворе своего дома.

Скульптуры Микеланджелло

Скульптурами этого мастера восхищались в его эпоху так же, как и в настоящее время. Ходили слухи, что для своих работ автор замучил живого натурщика, чтобы натуральнее изобразить осанку и пластику скульптуры. Это говорили те, кто видел его «Умирающего раба», работу из целого цикла скульптур, предназначенных для установки в гробнице Папы Римского Юлия II.

Этот автор известен своими работами, которые украшают Рим, Флоренцию, Ватикан. На его произведения приезжают смотреть и ценители искусства, и люди, далекие от этого. Работы его не могут оставить равнодушными никого.

Единственная работа мастера, которую он подписал, и которая является вершиной его творчества — «Оплакивание Христа», изображение Мадонны, держащей на руках безжизненного Иисуса. Микеланджело выполнил эту скульптуру, одновременно и цельной и показывающей нам противоположности: живое и мертвое, горизонтальное и вертикальное, обнаженное и закрытое.

Очень кратко мы прошлись по основным представителям искусства скульптуры этого времени, проследили за становлением скульптуры как самостоятельной категории, вышедшей за рамки архитектуры. Безусловно, одним из величайших мастеров считается Микеланджело, художник и скульптор, гений своего времени. Любоваться его работами можно бесконечно.

Источник: https://gogetart.art/blog/311-skulptura-epokhi-vozrozhdeniya

Художники Эпохи Возрождения. 6 великих итальянских мастеров

Эпоха Возрождения (Ренессанс). Италия. XV—XVI века. Ранний капитализм. Страной правят богатые банкиры. Они интересуются искусством и наукой.

Богатые и влиятельные собирают вокруг себя талантливых и мудрых. Поэты, философы, художники и скульпторы ведут ежедневные беседы со своими покровителями. В какой-то миг показалось, что людьми правят мудрецы, как того хотел Платон.

Вспомнили о древних римлянах и греках. Они тоже строили общество свободных граждан, где главная ценность — человек (не считая рабов, конечно).

Возрождение — это не просто копирование искусства древних цивилизаций. Это смешение. Мифологии и Христианства. Реалистичности натуры и душевности образов. Красоты физической и духовной.

Это была всего лишь вспышка. Период Высокого Возрождения – это примерно 30 лет ! С 1490-х годов до 1527 гг. С начала расцвета творчества Леонардо. До разграбления Рима.

Мираж идеального мира быстро померк. Италия оказалась слишком хрупкой. Она вскоре была порабощена очередным диктатором.

Однако эти 30 лет определили главные черты европейской живописи на 500 лет вперёд! Вплоть до импрессионистов.

Реалистичность изображения. Антропоцентризм (когда центр мира – Человек). Линейная перспектива. Масляные краски. Портрет. Пейзаж…

Невероятно, но в эти 30 лет творили сразу несколько гениальных мастеров. В другие времена они рождаются один в 1000 лет.

Леонардо, Микеланджело, Рафаэль и Тициан — титаны эпохи Возрождения. Но нельзя не упомянуть и о двух их предшественниках: Джотто и Мазаччо. Без которых бы никакого Возрождения и не было.

1. Джотто (1267—1337 гг.)

Паоло Уччелло. Джотто да Бондоньи. Фрагмент картины “Пять мастеров флорентийского Возрождения”. Начало XVI века. Лувр, Париж.

XIV век. Проторенессанс. Главный его герой — Джотто. Это мастер, который в одиночку совершил революцию в искусстве. За 200 лет до Высокого Возрождения. Если бы не он, эпоха, которой так гордится человечество, вряд ли бы наступила.

До Джотто были иконы и фрески. Они создавались по византийским канонам. Лики вместо лиц. Плоские фигуры. Несоблюдение пропорций. Вместо пейзажа — золотой фон. Как, например, на этой иконе.

Гвидо да Сиена. Поклонение волхвов. 1275—1280 гг. Альтенбург, Музей Линденау, Германия.

И вдруг появляются фрески Джотто. На них объёмные фигуры. Лица благородных людей. Старые и молодые. Печальные. Скорбные. Удивленные. Разные.

Фрески Джотто в церкви Скровеньи в Падуе (1302—1305 гг.). Слева: Оплакивание Христа. Посередине: Поцелуй Иуды (фрагмент). Справа: Благовещение святой Анны (матери Марии), фрагмент. 

Главное творение Джотто — это цикл его фресок в капелле  Скровеньи в Падуе. Когда эта церковь открылась для прихожан, в неё хлынули толпы людей. Такого они никогда не видели.

Ведь Джотто сделал небывалое. Он перевёл библейские сюжеты на простой, понятный язык. И они стали гораздо доступнее обычным людям.

Джотто. Поклонение волхвов. 1303—1305 гг. Фреска в Капелле Скровеньи в Падуе, Италия.

Именно это будет свойственно многим мастерам Эпохи Возрождения. Лаконичность образов. Живые эмоции персонажей. Реалистичность.

О фресках мастера читайте подробнее в статье “Джотто. Между иконой и реализмом Возрождения”.

Джотто восхищались. Но его новаторство развивать дальше не стали. В Италию пришла мода на интернациональную готику.

Только через 100 лет появится достойный продолжатель Джотто.

2. Мазаччо (1401—1428 гг.)

Мазаччо. Автопортрет (фрагмент фрески “Святой Петр на кафедре”). 1425—1427 гг. Капелла Бранкаччи в церкви Санта-Мария-дель-Кармине, Флоренция, Италия.

Начало XV века. Так называемое Раннее Возрождение. На сцену выходит ещё один новатор.

Мазаччо был первым художником, который использовал линейную перспективу. Ее разработал его друг, архитектор Брунеллески. Теперь изображенный мир стал похож на реальный. Игрушечная архитектура осталась в прошлом.

Мазаччо. Святой Петр исцеляет своей тенью. 1425—1427 гг. Капелла Бранкаччи в церкви Санта-Мария-дель-Кармине, Флоренция, Италия.

Он перенял реализм Джотто. Однако в отличие от предшественника уже хорошо знал анатомию.

Вместо глыбообразных персонажей Джотто — прекрасно сложенные люди. Совсем как у древних греков.

Мазаччо. Крещение неофитов. 1426—1427 гг. Капелла Бранкаччи, церковь Санта-Мария дель Кармине во Флоренции, Италия.

Также Мазаччо добавил выразительности не только лицам, но и телам. Эмоции людей мы уже читаем по позам и жестам. Как, например, мужское отчаяние Адама и женскую пристыженность Евы на самой знаменитой его фреске.

Мазаччо. Изгнание из Рая. 1426—1427 гг. Фреска в Капелле Бранкаччи, церковь Санта-Мария дель Кармине, Флоренция, Италия.

Мазаччо прожил недолгую жизнь. Он умер, как и его отец, неожиданно. В 27 лет.

Однако последователей у него было много. Мастера следующих поколений ходили в капеллу Бранкаччи, чтобы учиться по его фрескам.

Так новаторство Мазаччо было подхвачено всеми великими художниками Высокого Возрождения.

Проверьте свои знания, пройдя онлайн-тест «Художники Эпохи Возрождения».

3. Леонардо да Винчи (1452—1519 гг.)

Леонардо да Винчи. Автопортрет. 1512 г. Королевская библиотека в Турине, Италия.

Леонардо да Винчи — один из титанов Эпохи Возрождения. Он колоссальным образом повлиял на развитие живописи.

Именно да Винчи повысил статус самого художника. Благодаря ему представители этой профессии отныне не просто ремесленники. Это творцы и аристократы духа.

Леонардо сделал прорыв в первую очередь в портретной живописи.

Он считал, что ничто не должно отвлекать от главного образа. Взгляд не должен блуждать от одной детали к другой. Так появились его знаменитые портреты. Лаконичные. Гармоничные.

Леонардо да Винчи. Дама с горностаем. 1489—1490 гг. Музей Черторыйских, Краков.

Главное же новаторство Леонардо — это то, что он нашёл способ сделать образы … живыми.

До него персонажи на портретах были похожи на манекены. Линии были чёткими. Все детали тщательно прорисованы. Раскрашенный рисунок никак не мог быть живым.

Леонардо изобрел метод сфумато. Он растушевал линии. Сделал переход от света к тени очень мягким. Его герои словно покрыты еле уловимой дымкой. Персонажи ожили.

Леонардо да Винчи. Мона Лиза. 1503—1519 гг. Лувр, Париж.

Сфумато войдёт в активный словарь всех великих художников будущего.

Часто встречается мнение, что Леонардо, конечно, гений, но не умел ничего довести до конца. И картины часто не дописывал. И многие его проекты так и остались на бумаге (между прочим, в 24 томах). И вообще его бросало то в медицину, то в музыку. Даже искусством сервировки одно время увлекался.

Однако сами подумайте. 19 картин — и он — величайший художник всех времён и народов. А кто-то даже близко не стоит по величию, при этом написав 6000 полотен за жизнь. Очевидно же, у кого КПД выше.

О самой знаменитой картине мастера читайте в статье “Мона Лиза Леонардо да Винчи. Загадка Джоконды, о которой мало говорят”.

4. Микеланджело (1475—1564 гг.)

Даниеле да Вольтерра. Микеланджело (фрагмент). 1544 г. Музей Метрополитен, Нью-Йорк.

Микеланджело считал себя скульптором. Но был универсальным мастером. Как и другие его коллеги Эпохи Возрождения. Поэтому его живописное наследие не менее грандиозно.

Он узнаваем прежде всего по физически развитым персонажам. Он изображал совершенного человека, в котором физическая красота означает красоту духовную.

Поэтому все его герои такие мускулистые, выносливые. Даже женщины и старики.

Микеланджело. Фрагменты фрески “Страшный суд” в Сикстинской капелле, Ватикан.

Часто Микеланджело писал персонажа обнаженным. А потом уже сверху дописывал одежду. Чтобы тело было максимально рельефным.

Потолок Сикстинской капеллы он расписывал в одиночку. Хотя это несколько сотен фигур! Он даже краски растирать никому не позволял. Да, он был нелюдимым. Обладал крутым и неуживчивым характером. Но больше всех он был недоволен … собой.

Микеланджело. Фрагмент фрески “Сотворение Адама”. 1511 г. Сикстинская капелла, Ватикан.

Микеланджело прожил долгую жизнь. Пережил угасание Возрождения. Для него это было личной трагедией. Поздние его работы полны печали и скорби.

Вобще творческий путь Микеланджело уникален. Ранние его работы — это восхваление человека-героя. Свободного и мужественного. В лучших традициях Древней Греции. Как его Давид.

В последние годы жизни — это трагические образы. Намеренно грубо отесанный камень. Как будто перед нами памятники жертвам фашизма XX века. Посмотрите на его “Пьету”.

Скульптуры Микеланджело в Академии изящных искусств во Флоренции . Слева: Давид. 1504 г. Справа: Пьета Палестрины. 1555 г. 

Как такое возможно? Один художник за одну свою жизнь прошёл все этапы искусства от эпохи Возрождения до XX века. Что же делать последующим поколениям? Идти своим путём. Осознавая, что планка поднята очень высоко.

5. Рафаэль (1483—1520 гг.)

Рафаэль. Автопортрет. 1506 г. Галерея Уффици, Флоренция, Италия.

Рафаэль никогда не был в забвении. Его гениальность признавали всегда: и при жизни, и после смерти.

Его герои наделены чувственной, лиричной красотой. Именно его Мадонны по праву считаются самыми прекрасными женскими образами, когда-либо созданными. Внешняя красота отражает и душевную красоту героинь. Их кротость. Их жертвенность.

Рафаэль. Сикстинская Мадонна. 1513 г. Галерея старых мастеров, Дрезден, Германия.

Знаменитые слова “Красота спасёт мир” Фёдор Достоевский сказал именно о Сикстинской Мадонне. Это была его самая любимая картина.

Однако чувственные образы — это не единственная сильная сторона Рафаэля. Он очень тщательно продумывал композиции своих картин. Он был непревзойдённым архитектором в живописи. Причём всегда находил самое простое и гармоничное решение в организации пространства. Кажется, что по-другому и быть не может.

Рафаэль. Афинская школа. 1509—1511 гг. Фреска в станцах Апостольского дворца, Ватикан.

Рафаэль прожил всего 37 лет. Он умер внезапно. От подхваченной простуды и врачебной ошибки. Но его наследие трудно переоценить. Многие художники боготворили этого мастера. И множили его чувственные образы в тысячах своих полотен.

О самых знаменитых картинах Рафаэля читайте в статье “Портреты Рафаэля. Друзья, возлюбленные, покровители”.

6. Тициан (1488-1576 гг)

Тициан. Автопортрет (фрагмент). 1562 г. Музей Прадо, Мадрид. 

Тициан был непревзойдённым колористом. Также он много экспериментировал с композицией. Вообще он был дерзким новатором.

За такую яркость таланта его все любили. Называли “королем живописцев и живописцем королей”.

Говоря о Тициане, хочется после каждого предложения ставить восклицательный знак. Ведь именно он привнёс в живопись динамику. Пафос. Восторженность. Яркий колорит. Сияние красок.

Тициан. Вознесение Марии. 1515—1518 гг. Церковь Санта-Мария Глориози деи Фрари, Венеция.

К концу жизни он выработал необычную технику письма. Мазки быстрые, густые. Краску наносил то кистью, то пальцами. От этого — образы ещё более живые, дышащие. А сюжеты — ещё более динамичные и драматичные.

Тициан. Тарквиний и Лукреция. 1571 г. Музей Фицуильяма, Кэмбридж, Англия.

Вам это ничего не напоминает? Конечно, это техника Рубенса. И техника художников XIX века: барбизонцев и импрессионистов. Тициан, как и Микеланджело, пройдёт 500 лет живописи за одну свою жизнь. На то он и гений.

О знаменитом шедевре мастера читайте в статье “Венера Урбинская Тициана. 5 необычных фактов”.

***

Художники эпохи Возрождения — это обладатели больших знаний. Чтобы оставить такое наследие, нужно было очень многое изучить. В области истории, астрологии, физики и так далее.

Поэтому каждый их образ заставляет нас задумываться. Для чего это изображено? Какое здесь зашифровано послание?

Они почти никогда не ошибались. Потому что досконально продумывали своё будущее произведение. Использовали весь багаж своих знаний.

Они были больше, чем художники. Они были философами. Объясняли нам мир с помощью живописи.

Вот почему они будут нам всегда глубоко интересны.

статью «Английские художники. 6 мастеров, покоривших весь мир».

Проверьте свои знания, пройдя онлайн-тест «Мастера Эпохи Возрождения».

Оксана Копенкина

Источник: https://arts-dnevnik.ru/hudozhniki-epohi-vozrozhdeniya/

7 самых вдохновляющих памятников итальянского Возрождения

1. Вилла Медичи во Фьезоле

Виллы семейства Медичи, построенные в окрестностях Флоренции в период с XIV по XVII век, в 2013 году были внесены в список Всемирного культурного наследия ЮНЕСКО скопом. Всего их двадцать семь, и у каждой есть свои особенности: самая старая, самая маленькая…

Вилла во Фьезоле (1471) – самая “садовая”. Что же такого особенного в местном саду? В отличие от более парадных вилл Медичи, сад во Фьезоле, хотя и сделан регулярным, не слишком строг – то, что он расположен на сложном рельефе, разбивает композицию.

Прогулка по саду – наполненное разнообразными визуальными впечатлениями приключение, сцены сменяют друг друга, а вид на тосканские холмы оттеняет всё это, как грандиозный театральный задник.

Именно по такому принципу – разнообразие сцен на фоне более широкого фона – потом делались английские пейзажные сады, которые все родом из Фьезоле, где эффект возник почти случайно.

Вилла Ланте в местечке Баньяйя под Витербо построена в 1560-х годах для папского наместника в регионе, кардинала Джанфранческо Гамбары. Как это часто бывает с виллами той эпохи, главная ее прелесть – сад. В данном случае очень необычный: он почти лишен зелени, но украшен множеством фонтанов, в том числе шутих, созданных инженером Томмазо Гинуччи.

Эти шутихи плюс статуи знаменитого скульптора Джамболоньи заставили современников говорить о вилле Ланте как о месте, где природа стала рабой человеческих капризов, а историков архитектуры – отнести ее к стилистике маньеризма.

Нынешнее название вилла получила в XVII веке, когда ее купил герцог Бомарцо Ланте делла Ровере – его потомки владели домом до XIX века.

Вилла Ротонда, построенная величайшим архитектором эпохи Возрождения Андреа Палладио под Виченцей, – одно из самых знаменитых зданий в истории.

Во-первых, она воплощает все принципы палладианского стиля: важнейшая роль ордера, симметричная композиция с куполом, разбивка фасада по высоте на три пропорциональные части, – и ее многократно копировали по всему миру, от Англии до России. Во-вторых, это последняя постройка Палладио: он умер в 1580 году, когда отделка здания была еще не совсем завершена.

Достраивал лебединую песню мастера его ученик Винченцо Скамоцци. Ну и в‑третьих, вилла Ротонда просто головокружительно красива: она стоит на вершине холма, как миниатюрная шкатулка, вроде бы скромная, но выполненная с несравненным изяществом.

Еще одна вилла, оставившая глубокий след в мировом искусстве. Количество ее изображений бессчетно, подражаний ей – десятки, в том числе наш родной Петергоф: Петр I пытался в своем парке превзойти здешние фонтаны.

Сделанные в 1670-х годах при участии великого скульптора Лоренцо Бернини, они и правда сложны и прекрасны, но вилле, известной также под названием Тиволи (по городу, на окраине которого она стоит), и без них есть чем заинтересовать публику.

Например, первым ее владельцем был Ипполито д’Эсте – сын Лукреции Борджиа, а последним – эрцгерцог Франц Фердинанд, с убийства которого началась Первая мировая война.

5. Вилла Медичи в Пратолино

Еще одно здание из комплекса медицейских вилл под Флоренцией было построено в 1581 году Бернардо Буонталенти – знаменитым архитектором и театральным декоратором.

Сад в Пратолино может служить сценой для грандиозного спектакля на мифологический или героический сюжет (собственно, театральные представления тут и правда были нередки). Самый знаменитый фрагмент сада – пруд с огромной статуей “Аллегория Апеннин” работы Джамболоньи.

В 1821 году историческое здание виллы снесли и построили новое – в 1860 году его купил Павел Демидов (виллу иногда называют Villa Demidoff), во владении наследников которого, Абамелек-Лазаревых, имение и находилось до 1955 года.

Возможно, самый эксцентричный и загадочный памятник итальянского Возрождения расположен у подножия замка Орсини в городе Бомарцо и известен в мировой культуре под двумя именами: Священный лес и Сад чудовищ.

Известно, кто разбил сад – Пирро Лигорио (автор виллы д’Эсте), когда – с 1548 по 1580 год, и для кого – для кондотьера Вичино Орсини. Неясно только, зачем и почему он захотел уставить всю территорию жутковатыми аллегорическими скульптурами, среди которых Пегас, две сирены, Протей, слон Ганнибала, дракон, черепаха, гигант, пес Цербер, две Цереры, Афродита и врата преисподней.

Сюжет скульптур, как предполагается, восходит к сну из мистического романа “Гипнэротомахия Полифила” (1499): там упомянуты слон с обелиском на спине и прочие странности. Но версия эта спорная и на вопрос, зачем в парке такое иметь, не отвечает.

Зато сад эффектен неимоверно и повлиял на творчество многих людей – от Сальвадора Дали до Филиппа Старка (версия “Врат преисподней” служит камином в его интерьере московского ресторана Baccarat Cristal Room).

Вилла Альдобрандини во Фраскати под Римом строилась с 1598 по 1603 год для племянника папы Климента VIII сначала по проекту Джакомо делла Порта, а после смерти архитектора – Карло Мадерно, который занимался отделкой здания.

Кроме того, он спроектировал в саду фантастический “Водяной театр” – каменную экседру со статуями, точь‑в‑точь такую, как театральные декорации той эпохи.

Чтобы обеспечить водой садовый театр и каскад фонтанов, Мадерно построил акведук длиной 8 км от источника на горе Альджидо под Моденой до виллы Альдобрандини – она, к слову, до сих пор находится во владении потомков папского племянника.

Donata Mazzini/архив пресс-службы; diomedia; CORBIS/RPG; legion-media; архив пресс-службы; Florian Monheim/Bildarchiv-Monheim/arcaidimages.com; Herbert Monheim/Bildarchiv-Monheim/arcaidimages.com; getty images/Fotobank; Corbis/all over pressИталияРейтинг ADАрхитектура11 Июня 2014, Обновлено 31 Января 2019

Источник: https://www.admagazine.ru/architecture/7-samyh-vdohnovlyayuschih-pamyatnikov-italyanskogo-vozrozhdeniya

Скульптура эпохи ренессанса - Галерея

Скульптура Ренессанса — один из важнейших видов искусства Возрождения, достигший в это время расцвета. Основным центром развития жанра была Италия, главным мотивом — ориентация на античные образцы и любование человеческой личностью. Находившаяся в эпоху средневековья в состоянии полной зависимости от архитектуры, скульптура эпохи Возрождения вновь обретает самостоятельное значение.

Как равноправный компонент она входит в архитектурные ансамбли на основе содружества, но не подчинения архитектуре. Освобождаясь от сковывающего ее религиозно-мистического содержания, она обращается к жизни, к реальным образам действительности, человеку.

Наряду с сохраняющими свое значение образами христианства и античности объектом изображения скульпторов оказываются теперь и живые люди, герои современности. Развитие получает жанр портрета, создаются конные статуи, украшающие площади городов.

Значительно изменяется характер декоративного рельефа, образные возможности которого расширяются в связи с использованием приемов живописно-перспективного изображения и новых материалов, в частности полихромной керамики.
Скульптура раньше живописи прочно встает на новый путь развития, что объясняется тем местом, которое она занимала в средневековых культовых сооружениях.

При больших постройках создавались мастерские, которые готовили скульпторов-декораторов, проходивших здесь хорошую подготовку, знакомясь с архитектурой, со строительным и ювелирным делом. Все эти познания помогали в работе над монументальной пластикой, отличавшейся особой тщательностью исполнения.

Проторенессанс.

Новые художественные искания в скульптуре наметились  прежде всего в пизанской школе, основателем которой был Никколо Пизано (1220-1278 или 1284)
Шестигранная мраморная кафедра (1260), выполненная им для баптистерия в Пизе, стала выдающимся достижением ренессансной скульптуры и повлияла не ее дальнейшее формирование.  Кафедра из трех видов (оттенков) мрамора  представляет собой целое архитектурное сооружение. По средневековой традиции на парапетах (стенках) представлены сюжеты из жизни Христа.  Между ними — фигуры пороков и аллигорических добродетелей. Колонны опираются на спины лежащих львов.

Кафедра баптистерия в Пизе

Главное достижение в том, что он сумел придать формам объемность и выразительность, а каждое изображение обладает телесной мощью.

Особое место в итальянской скульптуре принадлежит Джованни Пизано (сын Никколо Пизано) (1245-1314). Он создает кафедры для соборов и церквей, статуи святых, пророков, Мадонн.

 Стиль Джованни Пизано отличается большей свободой и динамичностью, он показывает фигуры в движении и использует различные средства драматизации, его скульптурам присущи резкие повороты и угловатые очертания.

Совместно с отцом и Арнольфо ди Камбио он создает фонтан Маджоре в Перудже. Грани и ребра верхней чаши украшены 24 скульптурами. На гранях нижней — 50 барельефов. Чаши выполнены из белого и розового мрамора. Над ними возвышается третья чаша, отлитая из бронзы. Фонтан обнесен металлической решеткой.

Фонте Маджоре в г.Перуджа (1275-1278)

С 1287 по 1296 гг. Джованни  исполнял должность главного архитектора кафедрального собора в г.Сиена. Полные динамики и драматизма фигуры скульптурной композиции фасада собора свидетельствуют о значительном влиянии на Пизано французской готической пластики. Из всех готических итальянских фасадов сиенский собор имеет самое роскошное скульптурное убранство.

Фасад кафедрального собора в Сиене

Одним из величайших достижений Джованни Пизано считается кафедра для церкви Сант-Андреа в Пистойе (1297-1301). Тематика украшающих кафедру рельефов также сходна с пизанскими. Однако лица персонажей более выразительны, их позы и жесты, более драматичны. Особенной экспрессией отличаются сцены «Распятие» и «Избиение младенцев».

Кафедра церкви Сант-Андреа в Пистойе

XV век был периодом глобального изменения в искусстве. Художники стараются возродить традиции прошлого, основы их программы — открытая перспектива и законы пропорций. Античность воспринимается не как набор образцов для подражания, а как историческое осознание прошлого и его неизбежной связи с настоящим. Ренессансный человек желал отринуть наслоившиеся традиции (готические, византийские) и вернуться к древнеримской доблести, древнему классическому источнику.

Раннее Возрождение.

Настоящим реформатором итальянской скульптуры был Донателло. Его скульптуры «оторвались» от стен (до этого в основном скульптура была представлена, как рельеф и барельеф, как украшение здания).
Донателло (Флоренция) (около 1386 -1466) — итальянский скульптор эпохи Возрождения, основоположник индивидуализированного скульптурного портрета. Донателло придерживался реалистических принципов, иногда кажется, что он нарочно отыскивал некрасивые стороны природы.

Святой Марк.
Давид. 1440г. Флоренция

 Этот первый конный памятник в искусстве Возрождения, посвященный выдающейся личности, получил совсем иную, чем в античности, трактовку. Уверенно сидит на могучем коне кондотьер, держа в руке жезл командующего. В его лице, умном и суровом, — черты несомненного портретного сходства, выражение непреклонной воли и энергии

Статуя Гаттамелаты (1447-1453). Падуя

Андреа дель Верроккьо (1435- 1488) — итальянский скульптор и живописец эпохи Возрождения, один из учителей Леонардо да Винчи. Имя позаимствовал у своего учителя, ювелира Верроккьо. Скульптура Давид — фигура не застыла, наоборот, характеризуется полной раскованностью. Тело слегка повернуто, тяжесть перенесена на одну ногу.

Давид, 1473

Верроккио было уже пятьдесят лет и он работал над своей последней и самой значительной скульптурой — конным памятником кондотьеру Бартоломео Коллеони, который и доныне стоит в Венеции. Всадник, на лице которого, по словам Шелли, застыла «усмешка холодного превосходства», легко касается рукой поводьев и, кажется, сдерживает животное только могучей силой своей воли. Мускулы ног коня так напряжены и вырисовываются таким выпуклым рельефом, что кажется, будто с него содрана шкура, — свидетельство интереса Верроккио к новой науке — анатомии, которая начинала расцветать как раз в это время. Верроккио работал над своей замечательной статуей, наверное, лет десять, но так и не увидел ее на пьедестале: он умер в Венеции, когда ему было всего пятьдесят три года. Отливку его шедевра закончил Алессандро Леопарди, добавивший статуе несколько декоративных деталей и свою подпись.

Конный памятник кондотьеру Бартоломео Коллеони

___

Высокое Возрождение («Чинквеченто»).

Стремительное развитие искусства, и скульптуры в частности, происходило на рубеже 15 и 16 веков, когда большое строительство развернулось в Риме, Флоренции, Венеции и других крупных городах Италии. Этот период связан, в первую очередь, с именем Микеланджело.

Микеланджело ди Лодовико ди Леонардо ди Буонарроти Симони (1475- 1564)- итальянский скульптор, художник, архитектор, поэт, мыслитель.

Микеланджело прославился своими скульптурами, украшающими Ватикан, Рим, Флоренцию. Герои гения страдают, размышляют, ликуют.

В них столько содержания, энергии и глубины, что любование великолепными работами гения не прекратится, вероятно, никогда.

Картины и скульптуры Микеланджело Буонаротти полны героического пафоса и, одновременно трагического ощущения кризиса гуманизма. Его работы прославляют силу и мощь человека, красоту его тела, одновременно подчёркивая его одиночество в мире. По характеру своего дарования он был прежде всего скульптор. Это ощущается и в живописных работах мастера, необычайно богатых пластичностью движений, сложных поз, отчётливой и мощной лепкой объёмов.
Во Флоренции Микеланджело создал бессмертный образец Высокого Возрождения — статую «Давид», ставшую на многие века эталоном изображения человеческого тела.

Давид. 1501-1504

В Риме самая известная  скульптурная композиция «Пьета́» (1498-1499), одно из первых воплощений фигуры мёртвого человека в пластике. «Пьета» — вершина мировой скульптуры, проявление гениальных способностей.

Работы гениального мастера восхищали современников ничуть не меньше, чем современного зрителя. После того, как публика увидела скульптуру «Умирающий раб», в обществе поползли слухи, что был замучен натурщик, чтобы страдания можно было изобразить вернее.

Умирающий раб

 Статуя пророка Моисея, предназначавшаяся для одного из папских надгробий Ватиканского собора, одна из самых любимых работ самого скульптора.

Известно, что автор постоянно возвращался к ней и доделывал на протяжении 30 лет. Фигура пророка обладает секретом, чтобы полностью понять задумку автора, нужно разглядеть фигуру со всех сторон.

В этом случае зритель чувствует некое напряжение и энергию, исходящую изнутри скульптуры

Особенностью работ Микеланджело было то, что он участвовал в создании своих скульптурных шедевров на всех стадиях, начиная с выбора мраморной глыбы и перевозки ее до мастерской. Мастер никому не доверял даже простейших транспортировочных и погрузочных работ. Он словно уже в огромной глыбе видел свое произведение и уже относился к ней, как к хранилищу будущего шедевра.

Искусствоведы постоянно «находят» все новые работы скульптора, который никогда не считал нужным подписывать свои работы (подписал лишь одну). На сегодняшний день известно о 57 скульптурах Микеланджело, из которых около 10 безвозвратно утрачены.

Гений Микеланджело наложил отпечаток не только на искусство Возрождения, но и на всю дальнейшую мировую культуру.

Оглавление.

Источник: http://mansa-uroki.blogspot.com/2015/04/blog-post_16.html

Скульптура эпохи Ренессанса

   Скульптура, как один из самых древнейших видов искусства, меняется вместе с людьми и временем. И скульптуры эпохи Ренессанса не исключение. Что нам известно об эпохе Ренессанса или, в переводе с латинского, Возрождения?   Это целый культурный пласт, который пришел на смену аскетичным средним векам и принес с собой возрождение античности, расцвет культуры, гуманизм, установление личности человека как высшей ценности.   Италия тринадцатого века считается колыбелью Ренессанса и продлилась эта эпоха до 16 века, когда начали появляться новые направления и стили в искусстве. Скульптура, которая ранее лишь украшала рельефами архитектурные сооружения, в период Возрождения постепенно приобретает самостоятельность. И к концу 16-го века, это уже отдельный вид искусства.

Искусствоведы делят эпоху Ренессанса условно на четыре этапа

   Проторенессанс появился в позднем средневековье и ярким его представителем был скульптор и архитектор Арнольфо ди Камбио. Он автор главного собора во Флоренции, статуи короля Карла I в Риме, фонтана в Перудже с многочисленными скульптурами. Работы Арнольфо ди Кампио подвержены влиянию античности, они спокойны и выдержаны, пропитаны греческим духом. Под рукой мастера они становятся более наглядными, выразительными в исполнении, пластичными, приближенными к реальности. Подтверждением этому является его скульптура «Оплакивание Иоанном Марии».

   Раннее Возрождение охватывает весь 15 век. Скульптура как искусство начинает отделяться от религиозных средневековых канонов. Имя Донателло ди Никколо ди Бетто Барди самое знаменитое в тот период. Он первым «отлепил» от стены рельеф — изображения скульптур углубляются, индивидуализируются. Первым создал обнаженную натуру.

А также работая над конной статуей кондотьера Гаттамелаты, первого памятника в бронзе, он нашел необычное для того времени решение по расположению скульптуры относительно стен здания.

Благодаря этому, весь контур всадника и коня прекрасно смотрится с любой стороны, не сливается с фасадом церкви и от этого кажется более значительным и монументальным, несмотря на небольшие размеры.

   Высокое Возрождение — это расцвет и пик эпохи Ренессанса. Длится он с конца 15 века до 20-х годов 16. Немалую роль сыграл в этом и вступивший на папский престол папа Юлий II. Он известен как меценат искусства.

При нем творили свои шедевры такие таланты как Леонардо да Винчи, Рафаэль и великий Микеланджело. Микеланджело Буонаротти, прожив почти 90 лет, сделал множество работ. Но его всемирно известный Давид, это вершина эпохи Ренессанса и человеческого гения.

Его скульптуры мощны и объемны, но в то же время завораживают гибкостью и реальностью объекта. Скульптура периода Высокого Возрождения вышла из тени архитектуры окончательно, она независима от религии, у мастеров ваяния появляются заказчики.

Скульптура становится классической, достойной своих античных греко-римских предков.

   К Позднему Возрождению условно относят вторую половину 16 века. Здесь уже трудно назвать момент, когда появляется кризис и упадок эпохи Возрождения и начинается новый этап в искусстве – маньеризм, он переходный перед следующим стилем в скульптуре и архитектуре – барокко.

Настолько разнообразны в своих проявлениях работы мастеров ваяния и художников. Слишком свободным становится отношение авторов к принципам и формам античного искусства. Большое влияние в этом периоде имеет итальянский скульптор, живописец и ювелир Бенвенуто Челлини.

Его известный рельеф Нимфа Фонтенбло сделана в бронзе для короля Франции Франциска первого. Знатоки искусства относят это произведение к раннему маньеризму.

Также последняя скульптурная группа Пьета, в исполнении Микеланджело, как бы завершает не только его творческий путь, но и эпоху Возрождения.

   Влияние эпохи Ренессанса имеет огромное значение для понимания и изучения человека, природы в целом, для возрождения античной культуры, в частности.

Скульптура, благодаря Возрождению, стала более понятна и доступна обычным людям, разбудила в них потребность в красоте и эстетике.

Эпоха Возрождения породила множество гениальных творцов, чьи шедевры до сих пор не перестают восхищать и поражать своим великолепием.

Источник: https://muzei-mira.com/sculpture/2731-skulptura-jepohi-renessansa.html

Скульптура эпохи возрождения

Этот нелегкий путь скульптуры эпохи Возрождения… От Бендетто Антеллами — одного из немногих известных нам скульпторов Средневековья, до Микеланджело Буонаротти — великого мастера, получившего признание и при своей жизни, и в настоящее время. Давайте немного окунемся в ту эпоху, проследим за развитием скульптуры как искусства.

Скульптура в начале Возрождения

В Средневековье скульптура не считалась искусством. Дело в том, что она была ремеслом, зависимым от архитектуры, и как искусство не воспринималось. Все стало меняться в эпоху Возрождения, когда скульптура постепенно выходит из рамок архитектуры. Скульпторы медленно, но уверенно начинают работать самостоятельно, без привязки к строительству и связанными с ним барельефами, колоннами и другими архитектурными изысками того времени.

Скульптор Бендетто Антеллами работал в романском стиле, характерном для его времени, но уже в его работах видно желание вырваться из узких границ зодчества средних веков. Его работы довольно просты, но заметно стремление автора передать изящество и красоту людей, вне зависимости от места расположения или назначения работы.

Его опыт продолжили мастер Никколо Пизано и его ученик — Арнольфо ди Камбио. Работая над своими произведениями, эти скульпторы задавались целью изменить общепринятые в то время идеалы красоты. Их скульптуры – это поиск нового в забытых работах античности.

Работы Андреа дель Веррокьо, учеником которого был Микеланджело, и Донателло — уже вполне самостоятельные произведения, которые совершенно вышли из рамок архитектуры средних веков.

Середина эпохи-развитие скульптуры как искусства

Этот же библейский персонаж, но работы уже другого итальянского скульптора – Донателло. Давид изображен легким ,расслабленным. Поза больше подходит для античного бога, чем пастушка из Библии.

Это был первая обнаженная статуя в то время. Семья Медичи, покровительствующая художникам и архитекторам Возрождения, и бывшая заказчиком этой скульптуры, увидев результат работы Донателло, «спрятала» скульптуру подальше от любопытных глаз соседей и знакомых, во дворе своего дома.

Скульптуры Микеланджелло

Скульптурами этого мастера восхищались в его эпоху так же, как и в настоящее время. Ходили слухи, что для своих работ автор замучил живого натурщика, чтобы натуральнее изобразить осанку и пластику скульптуры. Это говорили те, кто видел его «Умирающего раба», работу из целого цикла скульптур, предназначенных для установки в гробнице Папы Римского Юлия II.

Этот автор известен своими работами, которые украшают Рим, Флоренцию, Ватикан. На его произведения приезжают смотреть и ценители искусства, и люди, далекие от этого. Работы его не могут оставить равнодушными никого.

Единственная работа мастера, которую он подписал, и которая является вершиной его творчества — «Оплакивание Христа», изображение Мадонны, держащей на руках безжизненного Иисуса. Микеланджело выполнил эту скульптуру, одновременно и цельной и показывающей нам противоположности: живое и мертвое, горизонтальное и вертикальное, обнаженное и закрытое.

Очень кратко мы прошлись по основным представителям искусства скульптуры этого времени, проследили за становлением скульптуры как самостоятельной категории, вышедшей за рамки архитектуры. Безусловно, одним из величайших мастеров считается Микеланджело, художник и скульптор, гений своего времени. Любоваться его работами можно бесконечно.

Источник: https://gogetart.art/blog/311-skulptura-epokhi-vozrozhdeniya

Скульптура эпохи Раннего Возрождения

Большое распространение получила скульптура. В творчестве скульпторов получили развитие многие формы: статуя, рельеф, бюст и т. д.

Ими были достигнуты новые высоты в изображении пластики человеческого тела: эмоций, движений тела, сложных сцен в многоплановых, перспективных рельефах.

Наиболее известными скульпторами этого периода являются Донателло (1386—1466) и Лоренцо Гиберти (1381—1455)

Донателло

Донателло (полное имя Донато ди Никколо ди Бетто Барди, 1386—1466) — один из самых замечательных итальянских скульпторов эпохи Возрождения, основоположник индивидуализированного скульптурного портрета. Донателло придерживался реалистических принципов, иногда кажется, что он нарочно отыскивал некрасивые стороны природы.

Донателло. Скульптура в Уффици

Донателло родился во Флоренции или близ неё между 1382 и 1387 г., учился в мастерской живописца и скульптора Биччи ди Лоренцо, пользуясь покровительством богатого флорентийского банкира Мартелли.

Для окончания своего художественного образования ездил на два или на три года в Рим, вместе с известным архитектором Брунеллески.

Одна из его первых работ — горельеф из мелкозернистого камня, находящийся в церкви Санта-Кроче, во Флоренции, и изображающий Благовещение.

Изучение памятников греко-римской пластики несколько умерило его реалистические стремления. Поэтому у него можно выделить два стиля: реалистический и классический.

К первому относится его статуя Магдалины (около 1434, находится во флорентийской Крестильнице). Это исхудалая старуха с длинными волосами. То же направление видно и в его статуе царя Давида, известной под названием Zuccone («головастый») и помещенной в фасадной стороне башни Джотто, во Флоренции.

Статуя эта — портрет современника, с большой лысой головой. Плоский рельеф, изображающий голову в профиль св. Цецилии, едва отделяющуюся от фона, принадлежит к классическому стилю Донателло (находится теперь в Англии).

Подражание античному искусству мы находим и в бронзовом барельефе музея Барджелло, во Флоренции, изображающем триумф Вакха, равно как и в полуфигурах Силена и вакханки, на бронзовой плоской чаше (в Кенсингтонском музее, в Лондоне).

Барельефы Донателло, заключенные в восемь медальонов и заказанные Козимо Медичи для внутреннего портика его дворца, где они находятся и поныне — быть может, просто копии с антиков.

Но лучшие работы — те, в которых он, не увлекаясь излишним реализмом и не подражая произведениям древности, искал своих идеалов в самом себе. Это, например, можно сказать о мраморной статуе св. Георгия и о статуях Давида и апостола Марка.

Первая вылита из бронзы, вторая мраморная, обе во Флоренции. Менее удачна бронзовая статуя Юдифи, в Loggia del Lanzi, во Флоренции.

Несколько статуй вырублено Донателло для фасада флорентийского собора; между сохранившимися замечательна статуя евангелиста Иоанна.

В 1444 г. был призван в Падую для отлития из бронзы конной статуи кондотьера Венецианской республики Гаттамелаты . Она стоит теперь перед церковью Св. Антония. Со времен древних римлян не было вылито в Италии ни одной подобной колоссальной статуи

Художник остался в Падуе до 1456. и произвёл там, при помощи своих учеников, несколько работ для украшения церкви св. Антония. Самые замечательные из них — бронз.

барельефы, представляющие эпизоды из жизни названного святого, покровителя Падуи. В 1457 работает (опять во Флоренции) Св. Иоанна Крестителя, патрона Флоренции, тип которого он создал.

Он представлял Предтечу во всех возрастах, отдельными статуями, горельефом и барельефом.

Замечательна его мраморная статуя Иоанна в музее Барджелло. Худощавый, как скелет, он имеет выражение как бы ни на чем не остановившейся мысли и идет вперед, как бы не зная сам куда; его полуоткрытые уста готовы произнести пророческие слова. Отличительная черта Донателло состоит в том, что он с таким же искусством воображал силу, энергию, как и грацию, миловидность.

Его барельеф мраморного балкончика собора г. Прато, вырубленный в 1434, изображает полунагих детей или гениев, пляшущих хороводом, или играющих на различных инструментах, с венками цветов. Движения детей чрезвычайно живы, разнообразны и игривы.

То же самое можно сказать и о других мраморных барельефах, предназначавшихся для флоентийского собора и находящихся теперь в Opera del Duorno.

Портретные бюсты — отрасль пластики, любимая греками и римлянами и совершенно оставленная в средние века — была воскрешена Донателло.

Некоторые детские бюсты Донателло в высокой степени верно воспроизводят действительность и чрезвычайно миловидны. Донателло с необыкновенной верностью угадывал впечатление, которое его работы будут производить на известном расстоянии, и умел определять степень их законченности.

Некоторые из его бюстов замечательны по своей индивидуальности и как нельзя более характеристичны. Вообще Донателло с необыкновенным умением передавал духовную жизнь представляемого им лица. Таков, например, бюст из обожженной глины, раскрашенный Никколо да Уццано и красующийся ныне в музее Барджелло.

Донателло исполнил также, вместе с учеником своим, Микелоццо Микелоцци, несколько надгробных памятников в церквах; между ними замечателен монумент развенчанного папы Иоанна XXIII: он послужил образцом для многочисленных надгробных памятников, явившихся в XV и XVI столетиях во многих церквях Италии.

Источник: https://studbooks.net/1133728/kulturologiya/skulptura_epohi_rannego_vozrozhdeniya

Скульптура итальянского Возрождения

Скульптура Ренессанса — один из важнейших видов искусства Возрождения, достигший в это время расцвета. Основным центром развития жанра была Италия, главным мотивом — ориентация на античные образцы и любование человеческой личностью.

Находившаяся в эпоху средневековья в состоянии полной зависимости от архитектуры, скульптура эпохи Возрождения вновь обретает самостоятельное значение. Как равноправный компонент она входит в архитектурные ансамбли на основе содружества, но не подчинения архитектуре.

Освобождаясь от сковывающего ее религиозно-мистического содержания, она обращается к жизни, к реальным образам действительности, человеку.

Наряду с сохраняющими свое значение образами христианской мифологии и античности объектом изображения скульпторов оказываются теперь и живые люди, герои современности. Развитие получает жанр портрета, создаются конные статуи, украшающие площади городов.

Значительно изменяется характер декоративного рельефа, образные возможности которого расширяются в связи с использованием приемов живописно-перспективного изображения и новых материалов, в частности полихромной керамики.

Скульптура раньше живописи прочно встает на новый путь развития, что объясняется тем местом, которое она занимала в средневековых культовых сооружениях.

При больших постройках создавались мастерские, которые готовили скульпторов-декораторов, проходивших здесь хорошую подготовку, знакомясь с архитектурой, со строительным и ювелирным делом.

Все эти познания помогали в работе над монументальной пластикой, отличавшейся особой тщательностью исполнения.

Донателло. Настоящим реформатором итальянской скульптуры был Донателло. Широтой своих исканий и разносторонностью таланта он оказал огромное воздействие на последующее развитие европейской пластики.

Торжество идеалов ренессансной скульптуры и утверждение статуарного начала знаменует первая обнаженная статуя в итальянской пластике Возрождения — «Давид».

Микеланджело

Микеланджело Буонарроти (MichelangeloBuonarroti; иначе — МикеланьолодиЛодовикодиЛионардодиБуонарротоСимони) (1475-1564) — один из самых удивительных мастеров Высокого и Позднего Возрождения в Италии и в мире.

По масштабу своей деятельности он был подлинным универсалом — гениальным скульптором, великим живописцем, архитектором, поэтом, мыслителем. Монументальность, пластичность и драматизм образов, преклонение перед человеческой красотой проявились уже в ранних произведениях мастера.

Его творения утверждают физическую и духовную красоту человека, его безграничные творческие возможности

Великая страсть владела его существом, и он был страшен потому, что все подчинял своей страсти, не милуя ни других, ни себя.

Он знал, чего хотел, и, как бывает даже у самых замечательных людей, твердо считал, что только его воля достойна уважения: что заветная цель ясна ему как никому другому.

Вместе с Леонардо да Винчи и Рафаэлем, Микеланджело составляет триаду величайших светил, явившихся на горизонте искусства за всю христианскую эпоху.

Он стяжал себе громкую, неувядающую славу во всех трех главных художественных областях, но был скульптор по преимуществу: пластический элемент преобладал в его гении до такой степени, что этим элементом запечатлены его живописные произведения и архитектурные композиции. Он был первым скульптором, познавшим строение человеческого организма и высекшим скульптуры из мрамора, показав всю красоту человеческого тела.

Трагедия Микеланджело состояла в том, что ему, гениальному скульптору, феноменально чувствовавшему мрамор, приходилось подчиняться прихотям покровителей-пап и заниматься живописью, архитектурой, бронзовым литьем и созданием фресок.

Но даже в этих, не свойственных ему областях, проявлялась подлинная гениальность матера.

К сожалению, многие его планы и идеи так и остались нереализованными, большое количество его творений не сохранилось до наших дней, многие проекты не были завершены при его жизни.

Микеланджело был одним из величайших скульпторов, величайших живописцев и величайших архитекторов своего времени; нет другого подобного ему человека, оставившего столь богатое наследие последующим поколениям.

Во всем мире имя Микеланджело ассоциируется с фреской «Сотворение Адама», статуями Давида и Моисея, собором св. Петра в Риме.

Наш сайт познакомит Вас также и с малоизвестными страницами его жизни и творчества, проведет по галерее его творений, в которой представлены: скульптуры Микеланджело, фрески Сикстинской капеллы, архитектурные сооружения Рима и Флоренции, картины, рисунки и наброски.

Статуя Давида, Галерея Академии во Флоренции

Статуя Давида является самой известной скульптурой в мире. Давид Микеланджело ваялся в течение трех лет, а взялся за нее мастер в возрасте 26 лет.

В отличие от многих более ранних описаний библейского героя, которые изображают Давида торжествующим после сражения с Голиафом, Микеланджело был первым художником, изобразившим его в напряженном ожидании до легендарной схватки.

Первоначально размещенная на флорентийской площади Синьории в 1504 4-метровая скульптура была перемещена в Галерею Академии в 1873, где и остается по сей день. Подробнее о Галерее Академии вы можете прочитать в подборке достопримечательностей Флоренции на LifeGlobe.

Скульптура Бахуса в музее Барджелло

Первая крупномасштабная скульптура Микеланджело — мраморный Вакх. Вместе с Пьетой, это одна из двух сохранившихся скульптур римского периода творчества Микеланджело. Это также одна из нескольких работ художника, сосредоточение на языческой, а не христианской тематике. Статуя изображает римского бога вина в расслабленном положении.

Работы была первоначально заказана кардиналом РаффаелеРиарио, который в итоге от нее отказался. Тем не менее, к началу 16-го века Бахус нашел дом в саду римского дворца банкира ЯкопоГалли.

С 1871 Вакх демонстрируется во флорентийском Национальном музее Барджелло вместе с другими работами Микеланджело, включая мраморный бюст Брута и его незаконченную скульптуру Давида-Аполлона.

Мадонна Брюгге, Церковь Богоматери в Брюгге

Мадонна Брюгге была единственной скульптурой Микеланджело, покинувшей Италию при жизни художника. Она была пожертвована церкви Девы Марии в 1514, после того как была выкуплена семьей продавца ткани Мускрона.

Статуя несколько раз покидала церковь, сначала во время французских войн за независимость, после которых была возвращена в 1815, чтобы снова быть выкраденной нацистскими солдатами во время Второй мировой войны.

Этот эпизод драматично изображен в фильме 2014 года «Охотники за Сокровищами» с Джорджем Клуни в главной роли.

Пьета в Базилике Св. Петра, Ватикан

Наряду с Давидом, статую Пьеты конца 15-го века считают одной из самых выдающихся и известных работ Микеланджело. Первоначально созданная для могилы французского кардинала Жана де Билье скульптура изображает Деву Марию, держащую Тело Христа после его распятия на кресте.

Это была общая тема для похоронных памятников в ренессансную эру Италии. Перемещенная в собор Святого Петра в 18-м столетии Пьета — единственное произведение искусства, подписанное Микеланджело.

Статуя понесла значительный ущерб за эти годы, особенно когда австралийский геолог венгерского происхождения Ласло Тот ударил по ней молотком в 1972 году.

Моисей Микеланджело в Риме

Расположенный в красивой римской базилике Сан-Пьетро-ин-Винколи «Моисей» был заказан в 1505 Папой Римским Юлием II, как часть его похоронного памятника. Микеланджело так и не успел закончить памятник до смерти Юлия II.

Высеченная из мрамора скульптура известна необычной парой рогов на голове Моисея – результатом буквальной интерпретации латинского перевода библии Вульгаты.

Предполагалось объединение статуи с другими работами, включая Умирающего Раба, ныне расположенного в Парижском Лувре.

Источник: https://cyberpedia.su/17x114e1.html

Художники Эпохи Возрождения. 6 великих итальянских мастеров

Эпоха Возрождения (Ренессанс). Италия. XV—XVI века. Ранний капитализм. Страной правят богатые банкиры. Они интересуются искусством и наукой.

Богатые и влиятельные собирают вокруг себя талантливых и мудрых. Поэты, философы, художники и скульпторы ведут ежедневные беседы со своими покровителями. В какой-то миг показалось, что людьми правят мудрецы, как того хотел Платон.

Вспомнили о древних римлянах и греках. Они тоже строили общество свободных граждан, где главная ценность — человек (не считая рабов, конечно).

Возрождение — это не просто копирование искусства древних цивилизаций. Это смешение. Мифологии и Христианства. Реалистичности натуры и душевности образов. Красоты физической и духовной.

Это была всего лишь вспышка. Период Высокого Возрождения – это примерно 30 лет ! С 1490-х годов до 1527 гг. С начала расцвета творчества Леонардо. До разграбления Рима.

Мираж идеального мира быстро померк. Италия оказалась слишком хрупкой. Она вскоре была порабощена очередным диктатором.

Однако эти 30 лет определили главные черты европейской живописи на 500 лет вперёд! Вплоть до импрессионистов.

Реалистичность изображения. Антропоцентризм (когда центр мира – Человек). Линейная перспектива. Масляные краски. Портрет. Пейзаж…

Невероятно, но в эти 30 лет творили сразу несколько гениальных мастеров. В другие времена они рождаются один в 1000 лет.

Леонардо, Микеланджело, Рафаэль и Тициан — титаны эпохи Возрождения. Но нельзя не упомянуть и о двух их предшественниках: Джотто и Мазаччо. Без которых бы никакого Возрождения и не было.

1. Джотто (1267—1337 гг.)

Паоло Уччелло. Джотто да Бондоньи. Фрагмент картины “Пять мастеров флорентийского Возрождения”. Начало XVI века. Лувр, Париж.

XIV век. Проторенессанс. Главный его герой — Джотто. Это мастер, который в одиночку совершил революцию в искусстве. За 200 лет до Высокого Возрождения. Если бы не он, эпоха, которой так гордится человечество, вряд ли бы наступила.

До Джотто были иконы и фрески. Они создавались по византийским канонам. Лики вместо лиц. Плоские фигуры. Несоблюдение пропорций. Вместо пейзажа — золотой фон. Как, например, на этой иконе.

Гвидо да Сиена. Поклонение волхвов. 1275—1280 гг. Альтенбург, Музей Линденау, Германия.

И вдруг появляются фрески Джотто. На них объёмные фигуры. Лица благородных людей. Старые и молодые. Печальные. Скорбные. Удивленные. Разные.

Фрески Джотто в церкви Скровеньи в Падуе (1302—1305 гг.). Слева: Оплакивание Христа. Посередине: Поцелуй Иуды (фрагмент). Справа: Благовещение святой Анны (матери Марии), фрагмент. 

Главное творение Джотто — это цикл его фресок в капелле  Скровеньи в Падуе. Когда эта церковь открылась для прихожан, в неё хлынули толпы людей. Такого они никогда не видели.

Ведь Джотто сделал небывалое. Он перевёл библейские сюжеты на простой, понятный язык. И они стали гораздо доступнее обычным людям.

Джотто. Поклонение волхвов. 1303—1305 гг. Фреска в Капелле Скровеньи в Падуе, Италия.

Именно это будет свойственно многим мастерам Эпохи Возрождения. Лаконичность образов. Живые эмоции персонажей. Реалистичность.

О фресках мастера читайте подробнее в статье “Джотто. Между иконой и реализмом Возрождения”.

Джотто восхищались. Но его новаторство развивать дальше не стали. В Италию пришла мода на интернациональную готику.

Только через 100 лет появится достойный продолжатель Джотто.

2. Мазаччо (1401—1428 гг.)

Мазаччо. Автопортрет (фрагмент фрески “Святой Петр на кафедре”). 1425—1427 гг. Капелла Бранкаччи в церкви Санта-Мария-дель-Кармине, Флоренция, Италия.

Начало XV века. Так называемое Раннее Возрождение. На сцену выходит ещё один новатор.

Мазаччо был первым художником, который использовал линейную перспективу. Ее разработал его друг, архитектор Брунеллески. Теперь изображенный мир стал похож на реальный. Игрушечная архитектура осталась в прошлом.

Мазаччо. Святой Петр исцеляет своей тенью. 1425—1427 гг. Капелла Бранкаччи в церкви Санта-Мария-дель-Кармине, Флоренция, Италия.

Он перенял реализм Джотто. Однако в отличие от предшественника уже хорошо знал анатомию.

Вместо глыбообразных персонажей Джотто — прекрасно сложенные люди. Совсем как у древних греков.

Мазаччо. Крещение неофитов. 1426—1427 гг. Капелла Бранкаччи, церковь Санта-Мария дель Кармине во Флоренции, Италия.

Также Мазаччо добавил выразительности не только лицам, но и телам. Эмоции людей мы уже читаем по позам и жестам. Как, например, мужское отчаяние Адама и женскую пристыженность Евы на самой знаменитой его фреске.

Мазаччо. Изгнание из Рая. 1426—1427 гг. Фреска в Капелле Бранкаччи, церковь Санта-Мария дель Кармине, Флоренция, Италия.

Мазаччо прожил недолгую жизнь. Он умер, как и его отец, неожиданно. В 27 лет.

Однако последователей у него было много. Мастера следующих поколений ходили в капеллу Бранкаччи, чтобы учиться по его фрескам.

Так новаторство Мазаччо было подхвачено всеми великими художниками Высокого Возрождения.

Проверьте свои знания, пройдя онлайн-тест «Художники Эпохи Возрождения».

3. Леонардо да Винчи (1452—1519 гг.)

Леонардо да Винчи. Автопортрет. 1512 г. Королевская библиотека в Турине, Италия.

Леонардо да Винчи — один из титанов Эпохи Возрождения. Он колоссальным образом повлиял на развитие живописи.

Именно да Винчи повысил статус самого художника. Благодаря ему представители этой профессии отныне не просто ремесленники. Это творцы и аристократы духа.

Леонардо сделал прорыв в первую очередь в портретной живописи.

Он считал, что ничто не должно отвлекать от главного образа. Взгляд не должен блуждать от одной детали к другой. Так появились его знаменитые портреты. Лаконичные. Гармоничные.

Леонардо да Винчи. Дама с горностаем. 1489—1490 гг. Музей Черторыйских, Краков.

Главное же новаторство Леонардо — это то, что он нашёл способ сделать образы … живыми.

До него персонажи на портретах были похожи на манекены. Линии были чёткими. Все детали тщательно прорисованы. Раскрашенный рисунок никак не мог быть живым.

Леонардо изобрел метод сфумато. Он растушевал линии. Сделал переход от света к тени очень мягким. Его герои словно покрыты еле уловимой дымкой. Персонажи ожили.

Леонардо да Винчи. Мона Лиза. 1503—1519 гг. Лувр, Париж.

Сфумато войдёт в активный словарь всех великих художников будущего.

Часто встречается мнение, что Леонардо, конечно, гений, но не умел ничего довести до конца. И картины часто не дописывал. И многие его проекты так и остались на бумаге (между прочим, в 24 томах). И вообще его бросало то в медицину, то в музыку. Даже искусством сервировки одно время увлекался.

Однако сами подумайте. 19 картин — и он — величайший художник всех времён и народов. А кто-то даже близко не стоит по величию, при этом написав 6000 полотен за жизнь. Очевидно же, у кого КПД выше.

О самой знаменитой картине мастера читайте в статье “Мона Лиза Леонардо да Винчи. Загадка Джоконды, о которой мало говорят”.

4. Микеланджело (1475—1564 гг.)

Даниеле да Вольтерра. Микеланджело (фрагмент). 1544 г. Музей Метрополитен, Нью-Йорк.

Микеланджело считал себя скульптором. Но был универсальным мастером. Как и другие его коллеги Эпохи Возрождения. Поэтому его живописное наследие не менее грандиозно.

Он узнаваем прежде всего по физически развитым персонажам. Он изображал совершенного человека, в котором физическая красота означает красоту духовную.

Поэтому все его герои такие мускулистые, выносливые. Даже женщины и старики.

Микеланджело. Фрагменты фрески “Страшный суд” в Сикстинской капелле, Ватикан.

Часто Микеланджело писал персонажа обнаженным. А потом уже сверху дописывал одежду. Чтобы тело было максимально рельефным.

Потолок Сикстинской капеллы он расписывал в одиночку. Хотя это несколько сотен фигур! Он даже краски растирать никому не позволял. Да, он был нелюдимым. Обладал крутым и неуживчивым характером. Но больше всех он был недоволен … собой.

Микеланджело. Фрагмент фрески “Сотворение Адама”. 1511 г. Сикстинская капелла, Ватикан.

Микеланджело прожил долгую жизнь. Пережил угасание Возрождения. Для него это было личной трагедией. Поздние его работы полны печали и скорби.

Вобще творческий путь Микеланджело уникален. Ранние его работы — это восхваление человека-героя. Свободного и мужественного. В лучших традициях Древней Греции. Как его Давид.

В последние годы жизни — это трагические образы. Намеренно грубо отесанный камень. Как будто перед нами памятники жертвам фашизма XX века. Посмотрите на его “Пьету”.

Скульптуры Микеланджело в Академии изящных искусств во Флоренции . Слева: Давид. 1504 г. Справа: Пьета Палестрины. 1555 г. 

Как такое возможно? Один художник за одну свою жизнь прошёл все этапы искусства от эпохи Возрождения до XX века. Что же делать последующим поколениям? Идти своим путём. Осознавая, что планка поднята очень высоко.

5. Рафаэль (1483—1520 гг.)

Рафаэль. Автопортрет. 1506 г. Галерея Уффици, Флоренция, Италия.

Рафаэль никогда не был в забвении. Его гениальность признавали всегда: и при жизни, и после смерти.

Его герои наделены чувственной, лиричной красотой. Именно его Мадонны по праву считаются самыми прекрасными женскими образами, когда-либо созданными. Внешняя красота отражает и душевную красоту героинь. Их кротость. Их жертвенность.

Рафаэль. Сикстинская Мадонна. 1513 г. Галерея старых мастеров, Дрезден, Германия.

Знаменитые слова “Красота спасёт мир” Фёдор Достоевский сказал именно о Сикстинской Мадонне. Это была его самая любимая картина.

Однако чувственные образы — это не единственная сильная сторона Рафаэля. Он очень тщательно продумывал композиции своих картин. Он был непревзойдённым архитектором в живописи. Причём всегда находил самое простое и гармоничное решение в организации пространства. Кажется, что по-другому и быть не может.

Рафаэль. Афинская школа. 1509—1511 гг. Фреска в станцах Апостольского дворца, Ватикан.

Рафаэль прожил всего 37 лет. Он умер внезапно. От подхваченной простуды и врачебной ошибки. Но его наследие трудно переоценить. Многие художники боготворили этого мастера. И множили его чувственные образы в тысячах своих полотен.

О самых знаменитых картинах Рафаэля читайте в статье “Портреты Рафаэля. Друзья, возлюбленные, покровители”.

6. Тициан (1488-1576 гг)

Тициан. Автопортрет (фрагмент). 1562 г. Музей Прадо, Мадрид. 

Тициан был непревзойдённым колористом. Также он много экспериментировал с композицией. Вообще он был дерзким новатором.

За такую яркость таланта его все любили. Называли “королем живописцев и живописцем королей”.

Говоря о Тициане, хочется после каждого предложения ставить восклицательный знак. Ведь именно он привнёс в живопись динамику. Пафос. Восторженность. Яркий колорит. Сияние красок.

Тициан. Вознесение Марии. 1515—1518 гг. Церковь Санта-Мария Глориози деи Фрари, Венеция.

К концу жизни он выработал необычную технику письма. Мазки быстрые, густые. Краску наносил то кистью, то пальцами. От этого — образы ещё более живые, дышащие. А сюжеты — ещё более динамичные и драматичные.

Тициан. Тарквиний и Лукреция. 1571 г. Музей Фицуильяма, Кэмбридж, Англия.

Вам это ничего не напоминает? Конечно, это техника Рубенса. И техника художников XIX века: барбизонцев и импрессионистов. Тициан, как и Микеланджело, пройдёт 500 лет живописи за одну свою жизнь. На то он и гений.

О знаменитом шедевре мастера читайте в статье “Венера Урбинская Тициана. 5 необычных фактов”.

***

Художники эпохи Возрождения — это обладатели больших знаний. Чтобы оставить такое наследие, нужно было очень многое изучить. В области истории, астрологии, физики и так далее.

Поэтому каждый их образ заставляет нас задумываться. Для чего это изображено? Какое здесь зашифровано послание?

Они почти никогда не ошибались. Потому что досконально продумывали своё будущее произведение. Использовали весь багаж своих знаний.

Они были больше, чем художники. Они были философами. Объясняли нам мир с помощью живописи.

Вот почему они будут нам всегда глубоко интересны.

статью «Английские художники. 6 мастеров, покоривших весь мир».

Проверьте свои знания, пройдя онлайн-тест «Мастера Эпохи Возрождения».

Оксана Копенкина

Источник: https://arts-dnevnik.ru/hudozhniki-epohi-vozrozhdeniya/

История скульптуры из камня с древности и до наших времен

Молчание великих статуй хранит множество секретов

Когда Огюста Родена спрашивали, как он создает свои статуи, скульптор повторял слова великого Микеланджело: «Я беру глыбу мрамора и отсекаю от нее все лишнее». Наверное, поэтому скульптура настоящего мастера всегда создает ощущение чуда: кажется, что увидеть красоту, которая прячется в куске камня, способен только гений.

Мы в AdMe.ru уверены, что практически в каждом значимом произведении искусства есть загадка, «двойное дно» или тайная история, которую хочется раскрыть. Сегодня мы поделимся несколькими из них.

Рогатый Моисей

Микеланджело Буанаротти, «Моисей», 1513-1515 г.

Микеланджело изобразил на своей скульптуре Моисея с рогами. Многие историки искусства объясняют это неправильным толкованием Библии.

В Книге Исхода говорится, что когда Моисей спустился с горы Синай со скрижалями, иудеям было трудно смотреть в его лицо. В этом месте в Библии употреблено слово, которое с иврита можно перевести и как «лучи», и как «рога».

Однако по контексту однозначно можно сказать, что речь идёт именно о лучах света — что лицо Моисея сияло, а не было рогато.

Цветная Античность

Август из Прима-Порта», античная статуя.

Долгое время считалось, что древнегреческие и древнеримские скульптуры из белого мрамора были изначально бесцветными. Однако недавние исследования учёных подтвердили гипотезу, что статуи раскрашивались в широкую гамму цветов, которые со временем исчезли под длительным воздействием света и воздуха.

Страдания Русалочки

Эдвард Эриксен, «Русалочка», 1913 г.

Статуя Русалочки в Копенгагене — одна из самых многострадальных в мире: именно ее больше всего любят вандалы. История ее существования была очень бурной. Ее ломали и распиливали на куски множество раз.

И сейчас можно еще обнаружить едва заметные «шрамы» на шее, которые появились от необходимости заменить голову скульптуры. Русалочка была обезглавлена дважды: в 1964 и 1998 году. В 1984 году ей отпилили правую руку.

8 марта 2006 года на руку русалке был водружен фаллоимитатор, а сама горемыка была забрызгана зеленой краской.

К тому же, на спине красовалась нацарапанная надпись «С 8 марта!» В 2007 году власти Копенгагена объявили, что статуя может быть перенесена дальше в гавань, чтобы избежать дальнейших случаев вандализма и для предотвращения постоянных попыток туристов взобраться на неё.

«Поцелуй» без поцелуя

Огюст Роден, «Поцелуй», 1882 г.

Знаменитая скульптура Огюста Родена «Поцелуй» изначально носила название «Франческа да Римини», в честь изображённой на ней знатной итальянской дамы XIII века, чьё имя обессмертила Божественная комедия Данте (Круг второй, Пятая песнь).

Дама полюбила младшего брата своего мужа Джованни Малатеста, Паоло. Когда они читали историю Ланселота и Гвиневры,их обнаружил, а затем убил её муж. На скульптуре можно видеть, как Паоло держит в руке книгу.

Но на самом деле любовники не касаются друг друга губами, как бы намекая на то, что они были убиты, не совершив греха.

Переименование скульптуры в более отвлечённое — Поцелуй (Le Baiser) — было сделано критиками, впервые увидевшими её в 1887 г.

Рафаэль Монти, «Мраморная вуаль», середина XIX в.

Когда смотришь на статуи, покрытые полупрозрачной мраморной вуалью, поневоле задумываешься о том, как такое вообще возможно сделать из камня. Все дело в особой структуре мрамора, использовавшегося для этих скульптур.

Глыба, которой предстояло стать изваянием, должна была иметь два слоя — один более прозрачный, другой более плотный. Такие природные камни сложно найти, но они есть. У мастера был сюжет в голове, он знал, какую именно глыбу ищет.

Он работал с ней, соблюдая текстуру нормальной поверхности, и шел по границе, разделяющей более плотную и более прозрачную часть камня. В итоге остатки этой прозрачной части «просвечивали», что и давало эффект вуали.

Идеальный Давид из испорченного мрамора

Микеланджело Буанаротти, «Давид», 1501-1504 г.

Знаменитая статуя Давида была сделана Микеланджело из куска белого мрамора, оставшегося от другого скульптора, Агостино ди Дуччо, который безуспешно пытался с этим куском работать, а потом бросил его.

Кстати, Давид, веками считавшийся образцом мужской красоты, не так уж и совершенен. Дело в том, что он косоглаз. К такому выводу пришел американский ученый Марк Ливой из Стэнфордского университета, обследовавший статую с помощью лазерно-компьютерной техники.

«Дефект зрения» более чем пятиметровой скульптуры незаметен, поскольку она водружена на высокий пьедестал. По мнению экспертов, Микеланджело намеренно наделил свое детище этим недостатком, поскольку желал, чтобы профиль Давида выглядел идеально с любой стороны.

Смерть, вдохновившая на творчество

«Поцелуй смерти», 1930 г.

Самая загадочная статуя на каталонском кладбище Побленоу носит название «Поцелуй смерти». Создавший ее скульптор до сих пор остается неизвестным.

Обычно авторство «Поцелуя» приписывается Жауме Барба, но есть и те, кто уверен, будто памятник изваял Жоан Фонбернат. Скульптура расположена в одном из дальних углов кладбища Побленоу.

Именно она вдохновила кинорежиссера Бергмана на создание картины «Седьмая печать» — об общении Рыцаря и Смерти.

Руки Венеры Милосской

Агесандр (?), «Венера Милосская», ок. 130-100 г. до н.э.

Фигура Венеры занимает почетное место в парижском Лувре. Некий греческий крестьянин нашел ее в 1820 году на острове Милос. На момент обнаружения фигура была разломана на два больших фрагмента. В левой руке богиня держала яблоко, а правой придерживала падающее одеяние.

Осознав историческую значимость этой древней скульптуры, офицеры французского военного флота распорядились увезти мраморное изваяние с острова. Когда Венеру тащили по скалам к ожидающему кораблю, между носильщиками произошла драка, и обе руки откололись.

Усталые матросы наотрез отказались вернуться и поискать оставшиеся части.

Прекрасное несовершенство Ники Самофракийской

Ника Самофракийская», II в. до н.э.

Статую Ники нашел на острове Самофракия в 1863 году Шарль Шампуазо, французский консул и археолог. Высеченная из золотистого парийского мрамора статуя на острове венчала алтарь морских божеств. Исследователи считают, что неизвестный скульптор создал Нику во II веке до нашей эры в знак греческих морских побед. Руки и голова богини безвозвратно утрачены.

Неоднократно предпринимались и попытки восстановить изначальное положение рук богини. Предполагают, что правая рука, поднятая вверх, держала кубок, венок или горн. Интересно, что многократные попытки восстановить руки статуи оказались безуспешны — все они портили шедевр.

Эти неудачи заставляют признать: Ника прекрасна именно такой, совершенна в своем несовершенстве.

Мистический Медный всадник

Этьен Фальконе, Памятник Петру I, 1768–1770 г.

Медный всадник — памятник, окруженный мистическими и потусторонними историями. Одна из легенд, связанных с ним, гласит, что во время Отечественной войны 1812 года Александр I приказал вывезти из города особо ценные произведения искусства, в том числе и памятник Петру I.

В это время некий майор Батурин добился свидания с личным другом царя князем Голицыным и передал ему, что его, Батурина, преследует один и тот же сон. Он видит себя на Сенатской площади. Лик Петра поворачивается. Всадник съезжает со своей скалы и направляется по петербургским улицам к Каменному острову, где жил тогда Александр I.

Всадник въезжает во двор Каменоостровского дворца, из которого выходит к нему навстречу государь. «Молодой человек, до чего ты довел мою Россию, — говорит ему Петр Великий, — но покуда я на месте, моему городу нечего опасаться!». Затем всадник поворачивает назад, и снова раздается «тяжело-звонкое скаканье».

Пораженный рассказом Батурина, князь Голицын передал сновидение государю. В результате Александр I отменил свое решение об эвакуации памятника. Памятник остался на месте.

Источник: https://www.adme.ru/tvorchestvo-hudozhniki/10-tajn-znamenityh-skulptur-656655/

10 самых старых произведений искусства

Кажется, тяга создавать что-то прекрасное появилась вместе с зарождением человечества. Иначе как объяснить то, что наши древние предки создавали рисунки сцен охоты на стенах своих домов-пещер? Кстати, впервые они были обнаружены лишь в 1879 году в пещере Альтамира в Испании.

Позднее археологи стали находить древние произведения наскальной живописи и скульптуры по всему миру — и в Европе, и в Африке, и в Австралии, и в обеих Америках. Мы решили поделиться с вами историями о старейших произведениях искусства, которые известны в настоящее время.

Сегодня примером самого древнего искусства можно считать купулы — небольшие углубления на стенах пещер в виде чашек. Купулы располагались не хаотично, а колонками, а иногда и рядами на скалах. Исследователи находят такие чаши по всему миру, а относятся купулы к разным временным периодам. Даже сегодня у некоторых племён Австралии существует традиция вырезать чаши на стенах пещер.

Самое древнее произведение искусства такого рода было найдено в пещерах Бхимбетка в самом сердце Индии. Здесь купулы остались в целости и сохранности из-за идеальных условий, царящих в пещерах. По крайней мере две из обнаруженных в пещере Бхимбетка купул археологи отнесли к раннему палеолиту.

Другие обнаруженные здесь произведения искусства древнего человека не были исследованы столь тщательно, но, вероятнее всего, они принадлежат к тому же периоду. Радиоуглеродные исследования ещё только предстоит провести, но учёные уже считают, что эти пиктограммы можно отнести к ашельской культуре.

Примерный возраст этих древних произведений искусства — около 290 000 лет.

В той же части Индии в одной из пещер Дараки-Чатан были найдены 500 пиктограмм-купул, а вместе с ними — и целый клад древних каменных орудий. Считается, что в Дарак-Чатан находится самый большой сборник доисторического искусства такого рода. Однако не все учёные согласны с тем, что купулы являются произведениями искусства.

Вероятно, люди использовали купулы как ступки или в них наливали воду для проведения некоторых ритуалов. По крайней мере, современные представители некоторых народностей используют купулы именно так.

Но с большой долей вероятности эти пиктограммы всё-таки являются образцами древнего наскального искусства.

К тому же иногда купулы расположены в таких местах, что их рациональное использование было бы затруднительно.

Самая старая скульптура из камня

Самой древней скульптурой, чья подлинность и датировка не поддаётся сомнениям, считается Швабская Венера, или Венера из Холе-Фельса. Её возраст составляет около 40 000 лет. Однако не так давно археологи обнаружили более древнюю скульптуру.

Скульптуру, вероятно сделанную до появления неандертальцев, обнаружили в Израиле и окрестили Венерой из Берехат-Рама. Нашли её между слоем земли и слоем вулканического камня, чьи возрасты колеблются в промежутке от 230 тысяч до 800 тысяч лет до н. э.

Сначала Венеру из Берехат-Рама приняли просто за камень, который лишь походил на фигуру человека. Однако когда исследователь Александр Маршак провёл более тщательный анализ, то он обнаружил на камне явные признаки того, что его обрабатывал человек.

Кроме того, основание скульптуры абсолютно плоское, а значит, её могли использовать в ритуальных целях.

Похожие произведения искусства древнего человека нашлись и в Марокко. Например, возраст статуэтки Венеры из Тан-Тана, очень похожей на скульптуру Венеры из Берехат-Рама, учёные оценили в 300–500 тысяч лет. На ней сохранились следы коричневато-жёлтой краски, что свидетельствует о том, что эту статуэтку использовали в церемониальных целях.

Самое древнее изображение на скорлупе яиц

Представители многих древних культур выполняли резьбу или рисунки на скорлупе яиц страуса. Можно сказать, что это было одним из самых первых способов самовыражения наших древних предков. В 2010 году археологи нашли вероятно одно из самых древних произведений искусства такого рода.

В 2010 году в ходе раскопок в южно-африканской пещере Дипклоф был обнаружен настоящий клад. Он состоял из 270 осколков скорлупы страусиных яиц, на которых сохранились рисунки.

Большинство из них сделаны на тему вылупления птенца из яйца, а наносили их на скорлупу гравировкой или с помощью различных пигментов. Мотивы других узоров состояли из сходящихся или параллельных линий, нанесённых рядом с заштрихованными полосами.

Эта находка позволила учёным установить существование традиционных узоров у представителей человечества, живших в каменном веке.

Раскопки в пещере Дипклоф

Кроме того, в найденных в Дипклофе осколках яичной скорлупы обнаружились вырезанные человеком круглые отверстия. Благодаря этому учёные пришли к выводу, что пустые яйца страусов использовали в качестве обычных сосудов для воды или другой жидкости.

Древнейшее наскальное искусство в Европе

Ещё не так давно считалось, что способность неандертальцев к созданию произведений искусства стремилась к нулю.

Но в 2012 году в пещере Нехра в Испании обнаружили рисунки, которые старше представителей наскальной живописи первобытных людей из пещеры Шове.

Обнаруженный рядом с рисунками в Нехре древесный уголь позволил учёным при помощи радиоуглеродного анализа установить примерный возраст рисунков. Оказалось, что им примерно 42 300–43 500 лет. Так что же изобразили на этих рисунках наши древние предки?

На наскальных рисунках в пещере Нехра неандертальцы нарисовали тюленей. В те далёкие времена они составляли основной рацион питания людей, живших в этих местах. Кроме того, руководитель исследования Хосе Луис Санчидриан заметил, что у данной наскальной живописи отсутствуют какие бы то ни было параллели с другим рисунками эпохи палеолита.

Самые древние отпечатки ладоней

Наскальную живопись в индонезийской пещере Сулавеси можно считать одним из самых старых произведений искусства.

Её возраст оценивается примерно в 35 тысяч лет, что ставит её в один ряд с такими старинными наскальными рисунками, как рисунки в пещере Эль-Кастильо и в пещере Шов.

Их возраст 37 000 лет и почти 41 000 лет соответственно. И в той же пещере Сулавеси археологи заметили весьма древний образец доисторического искусства.

На одной из стен пещеры нашли 12 отпечатков рук. Древние люди знали один любопытнейший способ перенести что-то на плоскость стены. Они прикладывали предмет к стене, а после выдували на него из тонкой трубки порошок краски охры.

Таким образом на стене оставался отпечаток предмета, и отпечатки ладоней в пещере Сулавеси сделаны таким же образом. Интересно, что и в современном искусстве такой трафаретный способ оставления отпечатков активно используется.

Пока что возраст этих рисунков учёные определили как примерно 40 тысяч лет. Это стало известно благодаря проведённому радиоизотопному урановому исследованию минерального покрытия на осадочном слое стены пещеры.

В случае, если дальнейшее исследование именно отпечатков покажет, что они появились раньше осадочного слоя, то эти наскальные рисунки можно будет назвать самыми по-настоящему древними произведениями наскальной живописи.

Самая старая фигурка из слоновой кости

В 2007 году группа археологов из университета Тюбингена провела раскопки в пещерах Швабского Альба. Там ими были обнаружены несколько фигурок из кости слона, чей возраст по примерным подсчётам составил 35 тысяч лет.

В пещерах Фогельхерда нашли пять фигурок из слоновой кости, а их анализ радиоуглеродным методом показал, что им приблизительно 30–60 тысяч лет. Вполне вероятно, что эти фигурки изготовили представители ауриньякской культуры.

Они, кстати, считаются первой группой современных людей, пришедших в Европу. А в 2009 году в том же регионе археолог Николас Дж. Конард нашёл три статуэтки, датированные тем же периодом.

Примечательно, что среди них были костяная фигурка птицы, фигурка, похожая на лошадь, и териантропическая фигурка, изображающая наполовину человека, наполовину животное.

Кстати, в пещерах на юго-западе Германии обнаружились и другие интересные находки. В частности фигурка человека-льва из Хохленштайн Стадель и Венера из Холе-Фельс, ещё называемая Швабской Венерой.

Древнейшая керамическая скульптура

Вестоницкая Венера имеет сходство со многими статуэтками Венеры, найденными по всей Земле.

Это небольшая (всего 11,3 см) фигурка с огромной грудью и большими ягодицами, а на её лице есть две прорези, символично изображающие глаза. Нашли её в Южной Моравии в июле 1925 года.

Вестоницкая Венера стала первой керамической скульптурой, полностью сделанной из глины, обожженной при низких температурах.

Возраст Вестоницкой Венеры составляет около 27 тысяч лет, что означает, что она появилась на свет задолго до того, как, по мнению учёных, люди освоили изготовление керамики. Исследования показали, что фигурку Вестоницкой Венеры обжигали при 700 градусах Цельсия.

Отнесли её к граветской культуре, существовавшей 22–28 тысяч лет назад. Её представители были знакомы с обжигом глины, но, вероятно, впоследствии их знания были утрачены. Учёные не обнаружили подобных керамических фигурок более позднего периода в том регионе Чехословакии.

Зато в 2002 на Вестоницкой Венере нашли кое-что интересное.

Помимо того, что на керамической скульптуре нашли четыре небольших отверстия на голове, в которые ставили цветы или благовония, на ней обнаружили отпечаток пальца. И принадлежал он явно ребёнку 7–15 лет. Точно не известно, создал ли Вестоницкую Венеру ребёнок, но даже если не создал, то он явно помогал творцу. Это означает, что в граветской культуре старшие передавали свои знания младшим.

Самый древний пейзаж

В 1963 году археолог Джеймс Меллаарт участвовал в раскопках в Катайхолке, Турция. Именно там на территории большого города каменного века он нашёл фреску, которая с большой долей вероятности является самым древним наскальным рисунком, изображавшем пейзаж.

Точнее Меллаарт считал, что на фреске, названной фреской Чатала, неизвестный художник представил вид на город, жилища в котором были похожи на коробки. А на заднем плане на этом наскальном рисунке изображён вулкан Хасан Даг. Но другие учёные с ним не согласны.

Некоторые исследователи предполагают, что Меллаарт нашёл вовсе не старую картину-пейзаж, а просто абстрактную картину. По их мнению, коробки на наскальном рисунке — это просто абстрактные формы, а «вулкан» — рисунок шкуры леопарда.

Однако в 2013 году нашлось некоторое подтверждение гипотезе археолога Меллаарта. Исследования показали, что примерно 6–8 тысяч лет назад в этом регионе действительно произошло извержение вулкана Хасан Даг, которое древние могли и изобразить на наскальном рисунке.

Только вот в мире есть и другие претенденты на звание самого старого пейзажа. Это карта Павлова, относящаяся к 24–25 тысяче лет до н. э., и карта, обнаруженная в Западной Европе.

Но то карты, а Меллаарт, вероятно, и правда обнаружил самую старую пейзажную живопись, являющуюся произведением искусства древнего человека.

Самая древняя христианская иллюминированная рукопись

В Средние века книги считались невероятно ценными. Их было немного, а стоили они невероятно дорого.

Обложки христианских писаний украшали камнями, а на страницах использовали замысловатую каллиграфию и краски ярких оттенков для создания иллюминированных рукописей.

Даже средневековых рукописей и книг до наших дней дошло очень мало, что уж говорить о более ранних изданиях. Но не так давно археологи обнаружили очень и очень древнюю рукопись.

В 2010 году в одном закрытом монастыре в Эфиопии учёные нашли два свитка — Евангелия Гаримы. Стоит сказать, что в самом начале они посчитали, что свитки были написаны примерно в XI веке. Но более тщательный радиоуглеродный анализ выявил, что книга намного древнее. Выяснилось, что написали её приблизительно в 330–650 годах.

Вокруг Евангелия Гаримы ходит немало легенд. Например, считается, что её автором является Исаак Гарима — основатель монастыря. По легенде он написал два Евангелия за два дня. А чтобы святой смог это сделать, Бог сделал так, что Солнце не двигалось по небу.

Самая древняя картина маслом

В 2008 году в афганских пещерах Бамиана обнаружили буддийскую фреску и несколько других картин. Казалось бы, ничего странного. Но проведя анализ краски и химические тесты, учёные выяснили, что она была на масляной основе. Это сделало находку самой старой картиной, написанной маслом, ведь её датировали VII веком. Раньше считалось, что картины маслом начали писать лишь в VIII веке.

Кроме того, следы масляной краски были обнаружены и на останках двух статуй Будды в пещерах Бамиана, а также на других фресках в этих пещерах. Учёные полагают, что их изучение даст ценную информацию о том, как благодаря Великому Шёлковому пути проходил культурный обмен между населением Западной и Восточной Азии.

Самая старая деревянная статуя

Древние фигурки из кости сохранились до наших дней потому, что их материал меньше подвержен влиянию времени и погодных условий. А вот древние фигуры из дерева можно пересчитать по пальцам. Так, идолы славянских богов, выточенные из дерева, практически не дошли до современности. За исключением одного — Шигирского идола.

Шигирского идола обнаружили на Среднем Урале, неподалёку от Екатеринбурга. Скульптура из лиственницы долгое время пролежала в торфянике на глубине четырёх метров, что позволило ей прекрасно сохраниться.

Проведя анализы древесины, учёные выяснили, что его создали в эпоху мезолита, то есть примерно 8000–9500 лет назад.

Также на месте обнаружения этого деревянного идола нашли множество костей и различные предметы из глины.

Первоначально Шигирский идол, по предположениям современных учёных, был около пяти метров в высоту. Но в торфянике обнаружили несколько фрагментов, которые долго никак не могли связать друг с другом. Собрав идола в случайном порядке вскоре после его обнаружения в 1890 году, учёные получили фигуру высотой в 2,8 метра.

Лишь в 1914 году была проведена реконструкция с использованием всех найденных фрагментов, и вот тогда-то всё стало на свои места. Шигирский идол возвысился над полом на 5,3 метра. Но в суматохе революции некоторые его части были утрачены, и теперь его рост составляет 3,4 метра.

Шигирский идол, вероятно, является самым древним произведением древнего искусства резьбы по дереву в мире.

10 новых археологических открытий, связанных с древними богами

Перевод статьи Listverse специально для Фактрума

Источник: https://www.factroom.ru/kultura/10-samyh-staryh-proizvedenij-iskusstva

Интересно знать: история скульптуры из камня с древности и до наших времен — Фото

2019-08-02 14:19 , Интересно знать․․․, 213

В попытке воплотить свое представление об окружающем мире древний человек изготовил одну из самых первых каменных скульптур, получившую впоследствии название неолитической Венеры. Это утрированное, даже гротескное изображение женского тела, по мнению ученых, символизировало плодородие, великую Богиню-Мать, вечный символ бесконечности жизни.

Эпоха великих древних цивилизаций также ознаменовалась созданием великолепных каменных скульптур, достаточно вспомнить могучих ассирийских крылатых львов и буйволов, сфинксов и богов Египта и потрясающей красоты римские мраморные копии древнегреческих статуй, которые в большинстве своем были сделаны из бронзы. До сих пор воображение потрясает фигура крылатой Ники Самофракийской, хоть и лишенной головы, но за столетия не растерявшей своей необыкновенной экспрессии.

В средние века каменная скульптура в основном была предназначена для создания религиозных изображений и запечатления на века образов правителей. Скульптуры многочисленных храмов, например, собора Руана и Нотр-Дам де Пари дошли до наших дней, однако не сохранили имен своих создателей.

Статуи эпохи Возрождения поражают реализмом изображения и своим художественным совершенством. Техника обработки камня достигла вершин в знаменитой статуе Давида работы Микеланджело Буонаротти.

Этот гениальный мастер в совершенстве знал человеческое тело и не менее виртуозно владел резцом. Его Давид не просто совершенен, он выполнен предельно реалистично, кажется, что по его мраморным венам течет настоящая кровь.

Постепенно скульптура становится все более камерной и перестает быть украшением лишь городских площадей, церквей и дворцов.

Небольшие по размеру статуи изготавливаются для парков и декорирования фонтанов, все больше изделий украшает быт аристократов и зажиточных буржуа.

Камень для такой скульптуры используется все реже, в основном это мрамор как наиболее дорогой вид материала. Своими скульптурными группами необыкновенной красоты прославился Антонио Канова.

Если говорить о новом времени, то наиболее впечатляющими и новаторскими можно считать каменные статуи Огюста Родена. Его авторские версии «Поцелуя» производили неизгладимое впечатление на публику, поражая реализмом изображения и силой чувств.

Новейшее же время ознаменовалось бурными переменами в искусстве, что сказалось и на скульптуре. Возникли новые формы и течения, а каменная скульптура утратила реалистичность изображения, полностью соответствуя авангардным представлениям об искусстве. В моду вошли современные материалы, а камень как дорогой и трудно поддающийся обработке материал стал использоваться реже.

Новое время принесло и новые образы и технологии. Например, испанский скульптор Хосе Мануэль Лопес Кастро умеет обращаться со сложным в работе гранитом и кварцем так, как будто это мягкая глина. Его работы просты, уникальны и весьма впечатляющи.

Что будет в будущем с каменной скульптурой, покажет время.

Источник: https://radiovan.fm/station/article/12056

История скульптуры

Введение

Любой хронологический отчет о происхождении и эволюции скульптуры должен занимать несколько томов, если не целую библиотеку, соответственно, его краткое изложение означает, что большая часть исторических фактов будет неизбежно опущена.

Тем не менее, даже такой далеко не полный экскурс в историю скульптуры будет изобиловать замечательными историями о необыкновенных мастерах, направивших свой талант на создание мраморных, терракотовых, бронзовых скульптур и рельефов.

Произведения скульпторов не теряют актуальности и в наше время.

Доисторическая и неолитическая скульптура

История скульптуры берет начало в каменном веке. Самые ранние из известных нам работ (например, «Венера из Берехат-Рама» и «Венера из Тан-Тана») датируются примерно 230.000–200.000 годами до н.э.

Венера из Берехат-Рама. Зарисовка.

Объектом доисторической скульптуры становились различные животные и человеческие фигуры. Материалом для произведений служили мамонтовая кость, глина, различные типы камня.

Неолитическое искусство скульптуры, прежде всего, характеризуется произведениями из керамики. Самой впечатляющей формой искусства этого периода была скульптура в египетских пирамидах и гробницах фараонов: их украшением (с религиозным подтекстом) были различные барельефы и статуи.

Венера из Тан-Тана. Зарисовка.

Начало бронзового века, характеризующегося развитием городов и архитектуры общественных зданий, которому сопутствовало и способствовало создание и усовершенствование сложных инструментов, вызвали увеличение спроса на все виды изобразительного искусства, включая скульптуру. Новые произведения отражали могущество богов и земных правителей.

Скульптура классической древности (1100–100 г. до н.э.)

Так называемый «Темный век» (1100–900 г. до н. э.) в истории греческой культуры характеризуется преобладанием произведений из керамики. Греческая скульптура в привычном для нас виде появляется начиная с 650 годов до н. э. После этого греческое искусство развивается в соответствии с традиционной хронологией.

Стоит упомянуть также кельтскую металлическую скульптуру (400–100 г. до н. э.). Ее развитию и распространению влияния помешала дезорганизованность разрозненных кельтских племен, которые не выдержали конкуренции с более организованными и централизованными государствами.

Кельтский обруч

Архаическая греческая скульптура (600–500 г. до н. э.)

Этот период характеризуется непрерывной чередой экспериментов в области скульптуры как вида искусства. В это время создаются многие работы в стиле курос, изображающие обнаженных атлетов.

Классическая греческая скульптура (около 500–323 г. до н.э.)

Высшей точкой греческого творчества является классический период, подаривший пластическому искусству таких скульпторов, как Поликлет, Фидий, Мирон из Елевфер, Скопас, Лисипп, Пракситель и т. д. Эти мастера достигли нового уровня реализма, который в дальнейшем взяли за основу и совершенствовали непревзойденные мастера эпохи Возрождения.

Артемида Габийская. Пракситель. Фрагмент. Геракл и Телефос. Лисипп. Римская копия. Фрагмент фриза Галикарнасского Мавзолея. Скопас. Анадумен. Фидий.

Эллинистическая греческая скульптура (около 323–27 г. до н. э.)

Этот период характеризуется распространением греческой культуры почти во всем цивилизованном мире. Классический реализм сменяется большей героичностью и экспрессионизмом.

Несмотря на кризис и распад греческих городов, скульптура сохранила свой высокий статус в иерархии искусств.

В дальнейшем римляне создали множество качественных копий произведений греческого искусства, и именно благодаря им нам известны многие произведения классического и эллинистического периода.

Статуи и рельефы, созданные греческими скульпторами, оказали сильное влияние на мастеров эпохи Возрождения и барокко, после чего стали краеугольным камнем европейского искусства в течение многих лет.

Римская скульптура (около 200 г. до н. э.–200 н. э.)

Долгое время римская скульптура была далека от идеализации объектов и реалистична. В дальнейшем римские скульпторы при создании бюстов императоров, сановников, исторических рельефов и памятников стали злоупотреблять героизацией, создавая все более и более посредственные образцы скульптуры.

Дискобол. Мирон. Римская копия.

Византийская скульптура (330–1450 годы)

Вплоть до IV века н.э. ранняя христианская скульптура представляла собой, в основном, рельефы для могил и саркофагов. Искусство Восточной Римской империи было почти полностью религиозным и кроме небольших произведений из слоновой кости, а также работ в ювелирном деле, не содержало объемных скульптур.

Скульптура во время темных веков (около 500–800)

Как следует из названия периода, это было не лучшее время для европейских скульпторов. Церковь не имела весомой силы, города были обедневшими, а уровень культуры — низким.

В дальнейшем формируется связь между общественной архитектурой и скульптурой. Новые здания, как правило, нуждались в скульптурном оформлении как внутри, так и снаружи. Опорные колонны включали в себя декоративные элементы различных форм, фасады и дверные проемы украшались рельефами.

Ранняя романская скульптура (около 800–1050)

Возрождение скульптуры средневековья началось благодаря Карлу Великому I, королю франков, ставшему императором Священной Римской империи в 800 году. Позитивные культурные изменения были продолжены императорами Отто I, Отто II и Отто III, в стиле, известном как Оттоновское искусство.

Романская скульптура (около 1000–1200)

Различные политические события, в том числе крестовые походы, привели к бурному строительству новых соборов и церквей по всей Европе. Романский стиль, известный в Великобритании и Ирландии как «нормандская» архитектура, был крайне популярен, что привело к развитию пластического искусства, созданию мастерских по резьбе и т.д.

Готическая скульптура (около 1150–1300)

Новые архитектурные приемы и развитие спроса на изобразительное искусство в разных формах в конце XII века сформировали так называемый «готический стиль«.

Характерные особенности романского стиля (закругленные арки, массивные толстые стены и маленькие окна) были заменены остроконечными арками, высокими потолками, тонкими стенами и огромными витражами.

Это полностью трансформировало интерьер многих соборов.

Скульптуры Реймского собора.

Церковные фасады и дверные проемы заполнились скульптурными рельефами, изображающими библейские сцены, а также рядом статуй на религиозную тему. Можно сказать, что готический собор был призван продемонстрировать вселенную в миниатюре, предназначенную для иллюстрации Божьей силы и славы.

Три неразумные девы. Магдебургский собор. Портал собора Нотр-Дам. Скульптуры Страсбургского собора

Несмотря на то, что церковь еще долгое время будет продолжать вкладывать средства в произведения живописи и скульптуры, чтобы вдохновлять посетителей (особенно в период барочной контрреформации), готическая эпоха была действительно апогеем «идеалистического» религиозного искусства. Отныне искусство стало все больше и больше связано со светской и политической жизнью.

Поклонение волхвов. Никколо Пизано.

Скульптура эпохи Возрождения (1400–1600)

Итальянский Ренессанс вдохновлялся искусством античности, особенно в области архитектуры и скульптуры. Период Возрождения был ознаменован сильной верой в гуманизм и благородство человека.

Начало эпохи обычно связывают с именами архитектора Филиппо Брунллески (1377–1446), скульптора Донателло (1386–1466), художника Томмзо Мазаччо (1401–1428), теоретика Леона Баттиста Альберти (1404–1472) и другими мастерами.

Новое искусство зарождается в Италии, распространяется в Риме (из предыдущего текста непонятно, откуда идет распространение), где получает папскую поддержку, и в Венеции.

Статуя Альберти во дворе Уффици

Искусство Северной Европы (в частности, Фландрии, Голландии, Германии и Англии) также испытало подъем, особенно в области масляной живописи, гравюры, резьбы по дереву. Так называемое Северное Возрождение развивалось несколько независимо от Реформации и, следовательно, избегало религиозного покровительства протестантской церкви, не одобрявшей религиозную живопись и скульптуру.

Скульптура раннего ренессанса (1400–1490)

Многие из художников эпохи Возрождения вдохновлялись готическими произведениями и традициями. Наряду с безусловно общими приемами и подходами к работе существует серьезное отличие между готическими скульпторами и мастерами Ренессанса: имена последних теперь известны всему миру, тогда как готические мастера оставались анонимными.

Художники раннего Возрождения стремились к совершенствованию готических произведений, а также в значительной степени вдохновлялись классической римской и греческой скульптурой, но при этом привносили в свои творения новые эмоции и гуманистические идеи.

Среди величайших мастеров этой эпохи следует выделить Донателло — первого гения итальянской скульптуры, Андреа Верроккио, Лоренцо Гиберти, Якопо делла Кверча и т.д.

Пир Ирода. Лоренцо Гиберти. Бронза. Путто с Дельфином. Верроккьо. Давид. Донателло. Давид (1408–1409). Донателло.

Скульптура высокого ренессанса (около 1490–1530)

Величайшим скульптором итальянского Возрождения, и, возможно, всех времен, был Микеланджело (1475–1564). Художник-историк Энтони Блант отмечает «сверхчеловеческие качества» произведений мастера: задумчивость, мрачную тревогу и отражение трагедии человеческой судьбы. Об абсолютном мастерстве Микеланджело свидетельствует безупречная красота и гармония его мраморных произведений.

Пьета. Микеланджело. Моисей Давид Вакх

Среди знаковых для скульптуры Высокого Возрождения имен — Якопо Сансовино (1486–1570) и Баччо Бандинелли (1493–1560).

Скульптура маньеризма (1530–1600)

Если произведения Высокого Возрождения идеализировали форму, демонстрировали гармонию, то работы маньеризма отражали хаос и неопределенность, царившие в это время в Европе. Скульптуры маньеризма несли в себе новую выразительность и идеологию.

Барочная скульптура (1600–1700)

В XVI веке в ответ на протестантскую реформацию католическая церковь организует пропагандистскую компанию, призванную убедить верующих вернуться в «истинную» церковь.

В качестве инструментов для достижения этой цели использовался полный спектр изобразительного искусства, включающий в себя архитектуру, скульптуру и живопись.

Грандиозный и драматический стиль в дальнейшем стал известен как искусство барокко.

Бюст кардинала Ришелье. Бернини. Экстаз блаженной Людовики Альбертони. Бернини.

Скульптура Рококо (около 1700–1789)

Французской реакцией на драматичность и серьезность барокко стал неформальный и веселый стиль рококо. В дальнейшем причудливый декадентский стиль был сменен на более жесткий неоклассицизм, что было связано с политической ситуацией в стране.

Меркурий, завязывающий сандалию Жан-Батист Пигаль. Амур, делающий себе лук из палицы Геркулеса. Эдме Бушардон. Кони Марли. Гийом Кусту.

Неоклассическая скульптура (около 1790–1830)

Неоклассическое искусство связано, в основном, с обращением к классическим образцам античного творчества. Ведущие скульпторы того времени выражали идеи достоинства, долга и героизма.

Амур и Психея. Канова. Грозящий Амур. Фальконе. Иоганн Шадов. Принцессы. Гипс. Минерва. Джозеф Ноллекенс.

Скульптура XIX века

Архитектурное развитие в значительной степени исчерпало себя, церковь лишилась былой силы, скульпторы того времени оказывались во власти общественного мнения, городских советов и комитетов.

Общественные памятники и статуи неизменно исполнялись в стерильном конформистском стиле (однако, были и исключения, например, работы Огюста Родена). Скульпторы XIX века имели мало возможностей продемонстрировать свою оригинальность.

Однако этот период характеризуется захватывающими изменениями в области живописи.

Уголино и его дети. Жан-Батист Карпо.

Скульптура XX века: Приход модернизма

Тенденции современного искусства уже в начале века привели к крушению традиций и канонов.

Революционное движение кубизма, изобретенное Пабло Пикассо и Жоржем Браком, разгромило многие каноны традиционного искусства и вызвало последующую волну экспериментов в живописи и скульптуре (Марсель Дюшан, Умберто Боччони, Жак Липшиц и т.д.). Развитие дадаизма и конструктивизма продемонстрировали новые идеологии дизайна и формы.

Ягуар пожирающий зайца. Матисс.

В Париже, в 1920-е годы зарождается сюрреализм, сочетающий в себе как идеи абстрактного искусства, так и образы натурализма (Жан Арп, Сальвадор Дали, Генри Мур и другие).

Послевоенная скульптура (1945–1970)

Новые стили (например, абстрактный экспрессионизм) фокусируются на идеях объемности объекта, размывая грани между живописью и скульптурой. Инновации затрагивают также материалы, с которыми работают мастера (кинетическое искусство, неоновые композиции, произведения из мусора и т.д.).

Орфей. Оссип Цадкин. Работа Брюса Наумана Велосипеда. Роберт Раушенберг. Приклонившая колено. Вильгельм Лембрук.

Скульптура поп-арт (1960-е годы)

Первое крупное послевоенное движение в области скульптуры возникло на основе работ Роберта Раушенберга и Джаспера Джонcа, в 1950-х годах. Поп-арт скульптуры несерьезны, но, зачастую, остроумны.

Микеланджело. Эдуардо Паолоцци.

Минималистская скульптура

Минималисты исследовали чистоту ультра-упрощенных, до абсурда, форм. Скульптуру этого направления может оценить любой человек, способный философски взглянуть на произведение.

Постмодернистская современная скульптура (1970-е годы)

К 1970 году развитие современного искусства приводит его к чрезвычайно экспериментальным формам. Искусствоведы могли называть произведения современников дурацкими и безвкусными.

Данное название, «постмодернистское искусство», в действительности не имеет точного определения.

Что касается скульптуры этого периода, она берет известную трехмерную основу и зачастую переходит в другие художественные формы (ассамбляж, инсталляции, театр и т.д.).

Скульптура в Нью-Йорке. Аниш Капур.

Источник: https://artrue.ru/sculpture/istoriya-skulptury.html

Развитие скульптуры от палеолитических Венер до наших дней

Скульптура занимает одно из важнейших мест в жизни человека, начиная с древнейших времён, с появлением человечества. Спустя тысячи лет до наших времен дошли знаменитые архитектурные памятники и до сих пор, мы восторгаемся их красотой и величественностью.

С древних времен человек пытался создать что-нибудь прекрасное, необычное, в перерывах между охотой и выживанием, рисуя узоры на стенах пещеры. С развитием человечества стало развиваться и искусство. Одним из главных видов изобразительного искусства является скульптура [1].

Сейчас мы рассмотрим, каким образом развивалась скульптура с Древнего мира и до наших времён, какие уникальные скульптурные памятники и великие ваятели были характерны для каждого времени.

 В Древнем мире было множество статуй и различных идолов. В палеолитических стоянках, странах (Франции и Австрии), найдены скульптурные изображения животных и женщин — прародительниц рода (палеолитические Венеры). Так же было множество неолитических скульптурных памятников.

 Для Античности (Древняя Греция) главной формой греческого искусства была статуя. Они находились в храмах, на открытом воздухе, на берегу моря на площадях. Статуи принимали участие  в празднованиях, в спортивных состязаниях, шествиях.

Идеализацияявляется отличительной чертой греческого искусства. Для Греков тело и дух человека находились в гармонии и представляли собой единое целое. Развитое тело, развитое мышление, активная гражданская позиция — составляющие идеального  человеческого облика.

В статуях Греки постигали гармонию телодвижений, пропорций, равновесий человеческого тела.

 В Древнем Риме для скульптуры была характерна индивидуализация, которая постепенно вытеснила идеализацию. Совершенные формы греческого изобразительного искусства сменились реализмом натуры. Здесь скульптура использовалась в основном для поддержания престижа военной власти. Характерными атрибуты для неё были – поза, идеализированный торс, венок.

Главная особенность Средневековой скульптуры, в том, что она стала частью архитектуры. Здесь скульптура имела полную свободу. Всё задуманное осуществлялось в лоне христианства, варварские традиции проявили себя во многих скульптурных образах.

 В эпоху Возрождения одним из талантливых скульпторов был Микеланджело [2]. Он говорил о том, что если скатить хорошую статую с горы, на ней не останется никаких повреждений. Эта мысль является символом главной особенности эпохи Возрождения – компактность композиции. Статуи обратились к античным традициям, и имели с ними много общего, воспевали гимн человеческому разуму и духу.

Отличительной особенностью скульптуры Барокко являются — контрастная проработка объёма с обилием глубоких впадин и подчёркнутых выпуклостей. Лучшим ваятелем данной эпохи был Лоренцо Бернини.

 В эпоху Классицизма скульптура возвращается в строго очерченные пространственные и канонические рамки. Становятся отполированные поверхности пластических форм и  самодостаточность, предельная предметность образов. Известным скульптором был Антонио Канова.

 Главным скульптором 19 в. является Огюст Роден. Он совершил  революцию в академической скульптуре, несглаженной лепкой формы и световоздушными эффектами фактуры.

Скульпторы в это время стали активно использовать пространство в качестве составного материала своих скульптур, а границы объёма были достаточно размыты.

Медардо Россо говорил: «Объёмы пропитаны атмосферным светом и не существуют, как объёмы или массы» [7].

В 20 в. произошло внедрение пространства в скульптуру. Подтверждение тому высказывания известных скульпторов и конструктивистов:

Джакометти: «Они либо дематериализуются под давлением пространства, либо делают его частью себя».

Архипенко: «Традиционно считают, что скульптура начинается тогда, когда материал соприкасается с пространством, т. е пространство понимается как нечто вроде рамы вокруг массы. Я полагаю, что скульптура начинается тогда, когда пространство окружается материалом».

Г.Мур : « Блок камня может иметь сквозное отверстие и ничего не терять при этом, если размер, форма и направление отверстия продуманы…Отверстие связывает одну сторону с другой, сразу же делая форму более трёхмерной» [6].

Н. Габо: « Я строю её образ (скульптуры) из ничего. Образ рождается изнутри и пространство, также является, важной его частью… Произведение не говорит о чём-то; оно существует, само по себе… Я говорю о своём произведении, что его могла бы создать природа, но не создала. Однако она делает это через меня».  Таким образом, пустота внутри скульптуры и есть скульптура.

Вся культура и искусство 20 в. разнопланова и многозначна, необычна, интересна, значима. Множество различных методов и направлений было разработано в этом веке. Новизна являлась движущей силой искусства 20 в.

Но не стоит воспринимать это слишком однозначно – многие « новые» идеи представляли собой переработанные заимствования из предыдущих эпох. Одним из самых смелых и интереснейших экспериментов в искусстве скульптуры 20 в. стал «Поцелуй» Бранкузи.

Своей материальностью, ясной общностью схож с древними статуями. Окружающее пространство не играет здесь совершенно никакой роли.

Примерно туже плотность и предметность можно наблюдать в работах Ханса Арпа.

Масса материала, как основного средства художественного языка скульптуры, понималась и другим величайшим скульптором 20 в. Артистидом Майолем, он выделялся спокойной и ясной гармонией в искусстве.

Ассоциации со средневековым романским стилем вызывают экспрессионистические скульптуры Эрнста Барлаха.

 Четвёртое измерение (время) в скульптуре хотели осуществить в своих работах футуристы, это стало предвестием кинетической скульптуры. В 1912-1913 гг. Боччони создаёт «Разбитие бутылки в пространстве» и «Уникальные формы непрерывности в пространстве» [5].

Кинетическая скульптура начинается с конструктивистов. Например, В.Татлина или Н.Габо, который создаёт скульптуру с вибрирующей пружиной. (Ласло Мохоль-Надь)

Так же для нас впечатляет «Велосипедное колесо» на табуретке Марселя Дюшана [4]. Во второй половине 20 столетия скульптура влилась во все жанры и направления искусства.

Границы между скульптурой, живописью, дизайном, рекламой и инсталляцией и стали весьма условны. Современное искусство стало ещё более краткосрочно.

Идеи нового искусства подхватываются дизайном и рекламой, вырождая их в примитив, и оставляют для истории искусства только их первопроходцев-создателей.

Для скульптуры второй половины 20 в. характерны идеи минимализма. Это повторяемость, отсутствие символизма, использование промышленных материалов, геометричность. Данные идеи можно наблюдать в работах Дональда Джадда, Сол Ле Витта .

В конце 20 столетия скульптура, схожая с архитектурой с особой ролью заиграла в лэнд арте, вступив с окружающим пространством в диалог.

Скульптуры прошлого могли органично смотреться в закрытом пространстве, то в лэнд и стрит арте, скульптура имеет смысл, лишь во взаимодействии с той средой, где она расположена.

Интересны работы: Аниша Капура, Дональда Джадда, Дэвида Нэша, Николая Полисский, Франциско Инфанте, Энтони Гормли , Класса Ольденбурга [3].

 Так же своё отражение в скульптуре нашёл и поп-арт. В дальнейшем из поп-арта родился стиль китч, среди известных последователей можно назвать Джеффа Кунса [9].

Тем не менее, общей чертой скульптуры 20 столетия является её активное взаимодействие с пространством вокруг.

Искусство ваяния, создания скульптур играет большую роль в нашей жизни. Отражая прекрасное в действительности, оно, в свою очередь, формирует наше сознание, наш вкус и наши представления о прекрасном. Научиться понимать его, расширять в этой области свой кругозор должен каждый культурный человек.

Отвечая на вопрос «Что такое скульптура?», великий французский философ-материалист XVIII века Д. Дидро сказал: «Это сильная муза, но молчаливая и скрытная» [8].

И на самом деле: понимать, читать язык скульптуры несколько труднее, чем в живописи. Скульптура встречается нам повсюду. Её можно встретить везде : на площади своего города, в парках, на фронтонах театров.

И на самом деле её произведения уникальны и многообразны .

В скульптуре замысел мастера воплощается в вещественном реальном объеме. «Язык» скульптуры — объемно-пластическая, трехмерная форма, обладающая реальной тяжестью. Через скульптурную форму раскрывается содержание скульптурного произведения, доносится до нас замысел скульптора.

Начиная с глубокой древности, мы проследили развитие особенностей скульптуры на разных временных этапах. Рассмотрели ключевые этапы развития скульптуры. Просмотрели произведения искусства в области скульптуры отдельных периодов, а так же творчество художников-ваятелей, которые прекрасно владели трёхмерной передачей объёма.

Таких примеров в истории оказалось достаточно, что, в свою очередь, активно помогает формированию мировоззрения и становлению художника-педагога.

В этом случае художник-педагог, имея твёрдую профессиональную подготовку, сможет достойно и грамотно обучать подрастающее поколение основам изобразительного искусства и его понимание в историческом и современном процессе развития мирового искусства.

Источник: https://e-koncept.ru/2016/56210.htm

Эпоха Возрождения Факты, информация, рабочие листы, культура и искусство

Не готовы приобрести подписку? Нажмите, чтобы загрузить бесплатный образец. Загрузить образец

Загрузить этот образец

Этот образец предназначен исключительно для участников KidsKonnect!
Чтобы загрузить эту таблицу, нажмите кнопку ниже, чтобы зарегистрироваться бесплатно (это займет всего минуту), и вы вернетесь на эту страницу, чтобы начать загрузку!

Зарегистрируйтесь

Уже зарегистрировались? Авторизуйтесь, чтобы скачать.

Возрождение - это период с 14 по 17 века, который считается мостом между средневековьем и современной историей. Он зародился как культурное движение в Италии в период позднего средневековья, а затем распространился на остальную Европу.

См. Файл фактов ниже для получения дополнительной информации о Renaissance или, в качестве альтернативы, вы можете загрузить наш 22-страничный пакет рабочих листов Renaissance для использования в классе или дома.

Основные факты и информация

ПРЕДЫСТОРИЯ РЕНЕССАНСА

  • Слово «возрождение» - это французское слово, означающее «возрождение».Люди, которым приписывают начало Возрождения, пытались воссоздать классические модели Древнего Греции и Рима.
  • Эпоха Возрождения была следующей эпохой Средневековья, которая была разрывом между классическим и современным периодами. Средневековый период, который часто называют средневековьем, характеризовался голодом и пандемиями, такими как Черная смерть.
  • В 14 веке философия гуманизма начала зарождаться в Италии. Гуманизм подчеркивает, что человек является центром вселенной и что все человеческие достижения в искусстве, литературе и науке следует принимать во внимание.Вместо того, чтобы полагаться на волю Бога, люди начали действовать в соответствии со своими возможностями.
  • В 1450 году изобретение Иоганнесом Гутенбергом передвижного печатного станка произвело революцию в области коммуникации и публикации в Европе. В результате публикации таких мыслителей-гуманистов, как Франческо Петрарка и Джованни Боккаччо, были напечатаны и распространены среди элиты и простых людей.
  • Кроме того, рост торговли между Востоком и Западом подготовил почву для Возрождения.

ИЗВЕСТНЫЕ ЛЮДИ

  • Возникновение богатой культурной истории через искусство началось во Флоренции, Италия, когда богатые граждане и семьи поддержали развивающихся художников.Среди известных сторонников этого движения была семья Медичи.
  • Семья Медичи, также известная как Дом Медичи, была семьей богатых банкиров Каффаджоло, эмигрировавших во Флоренцию в XII веке. К 13 веку они стали самой богатой и могущественной семьей Флоренции и родили четырех пап: Льва X, Климента VII, Пия IV и Льва XI. Кроме того, они были известны финансированием гуманитарных и гуманитарных наук.
  • Благодаря влиятельным членам семьи Медичи движение Возрождения вскоре распространилось в итальянских городах Венеции, Милане, Болонье, Ферраре и Риме.К 15 веку идея Возрождения распространилась по Франции и другим частям Европы.
  • В число самых известных интеллектуалов эпохи Возрождения входили Леонардо да Винчи, Микеланджело, Рафаэль, Уильям Шекспир, Джон Мильтон, Уильям Берд, Никколо Макиавелли, Джотто, Данте, Томас Гоббс, Николай Коперник, Галилео Галилей, Рене Декарт и Эразмус.
  • В конце 16 века наступила эпоха открытий, сделанных Бартоломеу Диасом, Христофором Колумбом, Васко да Гамой и другими известными исследователями.
  • В первой половине XVI века на ряд политических событий повлиял период Возрождения. Начало Золотого Века Рима началось с назначения Юлия II новым Папой.
  • В 1509 году к власти пришел Генрих VIII из Англии, а Франциск I правил в 1515 году. К 1530 году Карл V стал императором Священной Римской империи. До этого, в 1527 году, Карл V распустил Рим, чтобы предотвратить аннулирование Генриха VIII и Екатерины Арагонской, что впоследствии привело к созданию англиканской церкви.
  • К 1558 году золотой век Англии начался с коронации королевы Елизаветы I. Двумя годами ранее Карл V отрекся от испанского престола, и его власть занял Филипп II.

ИСКУССТВО И КУЛЬТУРА

  • Одним из институтов, которые начали приходить в упадок, была католическая церковь. Однако религия по-прежнему была важна. Обсуждались новые религии и образ мышления. Мартин Лютер отделился от католической церкви и распространял протестантскую религию по всей Европе.
  • Возрождение классической римской культуры проявилось в период проторенессанса в Италии в конце 13 века. Итальянские интеллектуалы, такие как Петрарка и Боккаччо, возродили древнегреческий и римский язык и ценности.
  • Флорентийский художник Джотто представил новую технику изображения человеческого тела на фресках. Среди его работ были декоры соборов Ассизи, Рима, Падуи, Неаполя и Флоренции.
  • В период Высокого Возрождения такие мастера, как Микеланджело, Леонардо да Винчи и Рафаэль, доминировали в изобразительном искусстве.Да Винчи, также известный как величайший человек эпохи Возрождения, был наиболее известен своими работами, такими как Мона Лиза, Дева в скалах и Тайная вечеря.
  • Помимо живописи, Микеланджело был ведущим скульптором Высокого Возрождения. Среди его лучших произведений были «Пьета и Давид». Ему также было поручено расписать потолок Сикстинской капеллы.
  • Рафаэль, самый молодой из мастеров эпохи Возрождения, был известен своей картиной «Афинская школа», над которой он работал три года, в то же время, когда Микеланджело работал над Сикстинской капеллой.
  • Среди наиболее распространенных предметов искусства эпохи Возрождения были религиозные изображения Девы Марии и церковные ритуалы.
  • Художники обычно были членами гильдии и происходили из богатых семей.

ЗАКАТ РЕНЕССАНСА

  • Движение Возрождения в торговле начало постепенно ослабевать в 1500-х годах после открытия Колумбом Америки. Новые торговые пути были открыты в Атлантике, что повлияло на торговлю в Средиземном море, которая принесла Италии огромную прибыль.
  • К 16 веку Италии угрожали соседние королевства, такие как Франция и Испания. К 1527 году, во время правления короля Филиппа II, испанская армия разграбила Рим и в конечном итоге правила Италией.
  • В Германии Мартин Лютер возглавил Реформацию, которая выступила против католической церкви. В результате возникли протестантские церкви, а католическая церковь в Италии столкнулась с настоящим кризисом. В ответ католическая церковь запустила Контрреформацию, внедрив инквизицию. Инквизиция арестовывала всех, кто противоречил учению католической церкви, включая ученых, художников и ученых Италии.

Рабочие листы Renaissance

Это фантастический комплект, который включает все, что вам нужно знать о Renaissance, на 22 страницах с подробным описанием. Это готовых к использованию рабочих листов эпохи Возрождения, которые идеально подходят для обучения студентов эпохе Возрождения, которая представляет собой период с 14 по 17 век, считающийся мостом между средневековьем и современной историей. Он зародился как культурное движение в Италии в период позднего средневековья, а затем распространился на остальную Европу.

Полный список включенных рабочих листов

  • Факты эпохи Возрождения
  • Средневековье против мысли Возрождения
  • Возрождение в письмах
  • Греко-римское возвращение
  • Ямбический пентаметр Шекспира
  • Эпоха исследований
  • Гутен
  • Астрономия в эпоху Возрождения
  • Эпоха возрождения
  • Зеркальное письмо Да Винчи
  • Стена эпохи Возрождения

Ссылка / цитирование этой страницы

Если вы ссылаетесь на любое содержимое этой страницы на своем собственном веб-сайте, используйте приведенный ниже код цитировать эту страницу как первоисточник.

Факты и рабочие листы эпохи Возрождения: https://kidskonnect.com - KidsKonnect, 6 февраля 2019 г.

Ссылка будет иметь вид Факты и рабочие листы Renaissance: https://kidskonnect.com - KidsKonnect, 6 февраля 2019 г.

Использование с любой учебной программой

Эти рабочие листы были специально разработаны для использования с любой международной учебной программой. Вы можете использовать эти рабочие листы как есть или редактировать их с помощью Google Slides, чтобы сделать их более конкретными в соответствии с вашими уровнями способностей учащихся и стандартами учебной программы.

скульптура эпохи Возрождения - Страница 2 - iDesignWiki

Донателло (Донато ди Никколо ди Бетто Барди) - один из выдающихся скульпторов всех времен. Свою карьеру он начал простым учеником ювелира, затем стал величайшим флорентийским скульптором. Донателло, безусловно, был самым влиятельным итальянским художником 15 века.

Портрет Донателло, неизвестного флорентийского живописца, 17 век.

Источник изображения: wga.hu

О его жизни.

Донато ди Никколо ди Бетто Барди, также известный как Донателло, родился во Флоренции около 1386 года.В молодости он был членом "Arte della Lana" и получил художественное образование у местного ювелира. Он изучил металлургию и производство металлов. В 1403 году он учился у кузнеца по металлу и скульптора Лоренцо Гиберти. Он помог Гиберти создать бронзовые двери для баптистерия Флорентийского собора. Он отправился в Рим, чтобы изучать классическое искусство и скульптуру. Этот опыт дал Донателло глубокое понимание орнамента и классических форм. Его связь с Брунеллески, вероятно, повлияла на него в развитии готического стиля, который можно увидеть во многих ранних работах Донателло.Донателло на протяжении всей жизни поддерживал дружбу с богатой и знаменитой семьей Медичи и после выхода на пенсию получил от них пособие на жизнь до конца своей жизни. Умер художник 13 декабря 1466 года.

Какие его основные работы?

Бронзовый Давид, Донателло, 1440.

Источник изображения: https://en.wikipedia.org

Среди его скульптур:

  • Бронзовая статуя Давида (1440 г.). Этот шедевр Донателло был заказан Козимо де Медичи для Палаццо Медичи.Скульптура была первой отдельно стоящей статуей обнаженного мужчины со времен греческой скульптуры и первой стоящей бронзовой статуей без опоры, отлитой в эпоху Возрождения. Этот стиль известен как Contrapposto, скульптурная схема, созданная древними греками.
  • Мраморная скульптура Давида;
  • Большая фигура Святого Марка (1411-1413) в нише фасада Орсанмикеле;
  • Сидящий Иоанн Богослов (1415 г.) для фасада Собора;
  • Святой Георгий (1415-1417), его самая ранняя работа, отражающая его радикальный отход от преобладающего готического стиля;
  • Пророк Аввакум (1423–1425), также известный как Ло Цукконе;
  • Конная статуя Гаттамелата (1453 г.) в Падуе, которая представляет Эразмо да Нарми, известного венецианского кондотьера, умершего незадолго до этого;
  • Кающаяся Магдалина (1453–1455), одна из самых известных работ Донателло и считающаяся его величайшим шедевром из дерева.
  • Юдифь и Олоферн (1460).
Конная статуя Гаттамелата, Донателло, 1453 год.

Источник изображения: https://media1.britannica.com/

Среди его рельефов:

  • Святой Георгий, убивающий дракона (1416-1417), в котором был представлен новый вид рельефа и который также известен как один из первых примеров центральной точки в скульптуре;
  • «Праздник Ирода» (1423–1427), одна из самых ранних скульптур Донателло и его первый бронзовый рельеф.
Праздник Ирода, Донателло, 1423-1427 гг.

Источник изображения: http: // totalhistory.com

Примерно в 1450 году Донателло предпринял масштабный проект для церкви Святого Антония Падуанского. Его работа содержала 7 бронзовых статуй в натуральную величину, 21 бронзовый рельеф различных размеров и большой рельеф из известняка.

Один из барельефов Святого Антония Падуанского, Донателло

Источник изображения: https://learnodo-newtonic.com

Как определить стиль Донателло?

  • Донателло был мастером мрамора и бронзы и обладал обширными познаниями в области античной скульптуры.
  • В его скульптурах человеческое тело представлено как функциональный организм. В отличие от средневекового искусства, человеческая личность излучает уверенность в себе.
  • Донателло уделил особое внимание характерным чертам лица с исключительной выразительной силой.
  • Он также представил еще одно новшество, технику, известную как schiacciato, stiacciato или мелкий рельеф, которая стала широко использоваться в барельефе эпохи Возрождения. Эта техника включала в себя чрезвычайно тонкую резьбу и использование света и тени для создания законченной живописной сцены.Его художественные приемы неоднократно копировались современниками и последователями и до сих пор вдохновляют художников.
Святой Георгий убивает дракона, Донателло, 1417 г.

Источник изображения: https://www.teggelaar.com/

Источники информации:

http://www.visual-arts-cork.com/sculpture/david-by-donatello.htm

Donatello’s David

10 Most Famous Works by Renaissance Artist Donatello

https: //www.britannica.com / биография / Донателло

http://www.artble.com/artists/donatello

https://www.oughttco.com/donatello-profile-1788759

Понимание искусства, Справочное руководство по живописи, скульптуре и архитектуре в периоды романского стиля, готики, ренессанса и барокко

https://www.biography.com/people/donatello-21032601

Скульптура эпохи Возрождения | Основные гуманитарные науки

Введение

Сводная таблица

Краткое содержание скульптуры эпохи Возрождения
Раннее Возрождение
ок.1400-1500
Высокое Возрождение
ок. 1500-25
Позднее Возрождение
ок. 1525-1600
Гиберти, Донателло Микеланджело Джамболонья

Общие характеристики

Искусство эпохи Возрождения отличается от средневекового искусства, прежде всего, физическим реализмом и классической композицией (см. Западную эстетику).

Раннее Возрождение было периодом становления искусства Возрождения; Другими словами, именно художники раннего Возрождения первыми и разработали физический реализм и классическую композицию.Кульминацией этих усилий стало создание High Renaissance , во время которого были достигнуты вершины классического баланса, гармонии и сдержанности. В течение года Позднего Возрождения этот суровый классицизм был ослаблен, допуская некоторую сложность и динамизм (тем самым предвещая подъем искусства барокко).

Отличительным подтекстом в искусстве позднего Возрождения был маньеризм: сознательное стремление к новизне и сложности. В скульптуре маньеризм привел к таким качествам, как искаженная анатомия (e.г. удлиненные конечности) и сложных поз . Некоторые художники позднего Возрождения работали в полном стиле маньеризма, в то время как другие просто находились под влиянием этого движения (в той или иной степени).

Основная статья

Раннее Возрождение

ок. 1400-1500

Живопись и архитектура эпохи Возрождения были основаны Мазаччо и Брунеллески соответственно. Основоположником скульптуры эпохи Возрождения был Гиберти, шедевром которого являются Врата Рая, пара бронзовых дверей для Флорентийского баптистерия .Основные панели этих дверей состоят из 10 библейских сцен , выполненных с впечатляющим реализмом, включая глубокую перспективу.

Один из помощников Гиберти, Донателло, стал величайшим скульптором раннего Возрождения. Именно Донателло наконец возродил классических статуй (начиная с Святого Марка), в том числе конных статуй (из них Гаттамелата , первая конная статуя со времен античности). G299, H683-89,1 Его другие основные работы включают Святой Георгий и Давид.

Высокое Возрождение

ок. 1500-1525

Бесспорным мастером скульптуры Высокого Возрождения является Микеланджело, который разделил свою карьеру между Флоренцией (его родным городом) и Римом. Пьета - жемчужина его ранних работ, а его шедевр «Давид» часто считается величайшей скульптурой всех времен. Его самым последним произведением может быть Моисей.

Хотя карьера Микеланджело простиралась в эпоху позднего Возрождения, большая часть его скульптур относится к эпохе Высокого Возрождения; его последние годы были посвящены живописи и архитектуре.

Позднее Возрождение

ок. 1525-1600

Самым выдающимся скульптором-маньеристом был фламандский итальянец Джамболонья. Как отмечалось ранее, типичные черты маньеристической скульптуры включают сложных поз и удлиненной анатомии . Первое качество очевидно в групповых скульптурах Похищение сабинян и Геракл и Несс , а также в нескольких более мягких статуях Меркурия .

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *